C'est une belle journée de juin, et Arlene Shechet me fait visiter son atelier à Kingston, à environ deux heures au nord de New York. « Voici notre petite famille de tronçonneuses », dit-elle. C'est une façon délicieusement inattendue de commencer la visite, et cela convient à une artiste dont les sculptures combinant céramique, bois et métal ont fait d'elle l'une des sculptrices vivantes les plus innovantes.

L'espace de 5 000 pieds carrés est d'une polyvalence impressionnante. Il contient à peu près tous les outils imaginables, ainsi qu'un atelier de métallurgie, un four de séchage du bois sur mesure, une zone pour la modélisation informatique et papier, des étagères remplies de bacs d'argile, et une cour paisible entourée de murs en béton. « Mon petit Los Angeles à Kingston », plaisante-t-elle à propos de la cour.

Shechet, 75 ans, a un atelier à Kingston depuis 10 ans, dont quatre dans cet espace. C'est là qu'elle réalise ses grandes œuvres. Elle conserve encore un atelier à Woodstock, où elle vit depuis plus de deux décennies, mais elle—ou plutôt son œuvre—l'avait dépassé. « C'est au bout d'un chemin de terre, très difficile d'y déplacer des sculptures, ce que je pensais être la bonne idée pour me garder sous contrôle », dit-elle avec un sourire malicieux. « Mais j'ai perdu le contrôle. »

Dans ce cas, c'est une bonne chose. Son exposition de 2024 « Girl Group » à Storm King, qui a apporté six sculptures vertigineuses sur le site du parc d'art de la vallée de l'Hudson, a été saluée comme un triomphe. (Une critique dans The New York Review disait : « En tant que collagiste et amalgamatrice, en tant que coloriste, en tant que génératrice de formes et en tant qu'héroïne féministe sans détour, Shechet a peu d'égales. ») C'était sa première fois qu'elle réalisait des sculptures extérieures à une échelle aussi monumentale, mais pour Shechet—à ce moment-là surtout connue pour avoir élevé le travail céramique au rang de beaux-arts—cela semblait être une extension naturelle d'une pratique enracinée dans le dépassement des limites.

Cet automne, Shechet fait suite à Storm King avec « She Said She Said », actuellement visible à la Pace Gallery à Chelsea. Pour l'exposition, elle a réalisé trois nouvelles sculptures monumentales—deux dans le style coloré et fantaisiste de « Girl Group » et une en Corten, sa première utilisation de l'acier résistant aux intempéries—ainsi qu'une suite d'installations céramiques d'un autre monde.

Vue de l'installation « Arlene Shechet: She Said She Said » au 508 & 510 West 25th Street, New York, NY.
Photo : Avec l'aimable autorisation de Pace Gallery

« Chaque pièce a de nombreuses années derrière elle, où je la laisse aller, puis j'y reviens, puis je la laisse repartir », dit Shechet. Cette approche sans hâte produit des sculptures qui vous surprennent sous tous les angles. Vous ne pouvez pas saisir toute l'histoire depuis un seul point de vue.

Prenez Eve, la première pièce que vous rencontrez en entrant dans la galerie avant. Avec ses 16 pieds de haut, c'est la plus haute des nouvelles œuvres (mesurée au pouce près pour s'adapter à la salle) et peinte en verts pâles et bleus-gris, « comme le début des choses », dit Shechet. Tout en haut d'un côté se trouve une petite découpe sinueuse dans l'aluminium, une récompense pour ceux qui regardent jusqu'en haut. À la base, une masse argentée ressemblant à un litchi écrasé soutient une section incurvée de métal en terrasses. L'ensemble me rappelle un toboggan aquatique imaginé par le Dr Seuss.

Arlene Shechet, Eve, 2026, aluminium soudé et moulé, peinture époxy-uréthane, 16' × 9' 2" × 7' 6".
Photo : © Arlene Shechet. Avec l'aimable autorisation de Pace Gallery

Il faut à la fois de l'intuition et une confiance à toute épreuve pour ouvrir une exposition avec une œuvre aussi massive et loufoque. « Personne n'installerait la plus grande pièce à l'avant ; elle doit être à l'arrière ou au milieu », dit Marc Glimcher, PDG de Pace, lors d'une avant-première presse. « Elle savait qu'elle devait être à l'avant. »

Au-delà d'Eve se trouve la vibrante Jewel, une confiserie teintée d'écume de mer avec des couches qui s'enroulent et entrent en collision. Comme Eve, ses pièces en aluminium soudé sont façonnées à la main, non moulées. Les signes de la touche humaine ont longtemps été importants pour Shechet, quel que soit le matériau qu'elle utilise.

Au fond de la salle se trouve Flo, une œuvre en acier Corten. C'est une merveille de formes en cascade, chacune un peu de travers : des quasi-ovales, des pas-tout-à-fait triangles, et ce qui ressemble à une paire de jambes qui touchent le sol, prêtes à danser. Chaque centimètre est uni dans une magnifique patine naturelle, striée comme un œil-de-tigre—résultat de l'exposition aux intempéries qu'elle a subie dans la cour à Kingston. C'est la beauté du Corten : « Il se peint lui-même », dit Shechet. Comme pour ses précédentes pièces métalliques à Storm King, elle prend un matériau traditionnellement masculin (le Corten est surtout associé à Richard Serra) et l'imprègne d'une sensibilité féminine, qui se manifeste dans les formes arrondies et même dans le titre. Flo est un clin d'œil à Florine Stettheimer, une peintre du début du XXe siècle qui, explique Shechet, « avait une liberté que tant d'artistes femmes n'avaient pas ».

Arlene Shechet, Flo, 2026, acier Corten, 10' 1¼" × 7' 1" × 6' 8½". Photo : © Arlene Shechet. Avec l'aimable autorisation de Pace Gallery

Shechet, elle aussi, a longtemps suivi sa propre voie. Née en 1951 à Forest Hills, dans le Queens, elle a toujours été intéressée par l'assemblage des choses. « Je n'ai pas pris de cours de couture. J'ai pris de l'atelier bois », dit-elle. Elle était la seule fille de cette classe. Elle a étudié à l'Université de New York pour le premier cycle, puis à la Rhode Island School of Design (RISD) pour le troisième cycle. Elle et son mari ont élevé leurs deux enfants d'abord à Tribeca, où elle avait un atelier au sous-sol, puis à Woodstock, où la famille a déménagé en 2002. Elle a enseigné à la RISD et à Parsons, jonglant entre le travail, la maternité et sa propre pratique. Ce n'était pas facile. « J'ai enduré beaucoup de choses », dit-elle. Le monde de l'art n'a pas toujours été bienveillant envers les femmes, encore moins envers les mères. « Les gens vous rayaient simplement de la carte. »

Au fil des ans, son art a évolué de petites pièces en argile qu'elle pouvait réaliser dans son sous-sol de Tribeca à des créations plus grandes et plus compliquées utilisant un mélange de matériaux, notamment le verre, la fonte et le béton. Une rétrospective de 20 ans de son travail en 2015 à l'Institute of Contemporary Art de Boston a été saluée par les critiques et a aidé l'artiste à voir comment ses divers matériaux et approches sont tous liés. « J'ai été vraiment frappée de voir à quel point toutes ces œuvres différentes étaient cousues ensemble d'une manière que je n'avais jamais vue auparavant », dit-elle. Elle est restée occupée, poursuivant ses curiosités sans fin avec des résidences chez le fabricant de porcelaine allemand Meissen à partir de 2012, ce qui a conduit à une exposition révélatrice à la Frick, la première fois que ce musée exposait un artiste contemporain, et chez le géant des accessoires de salle de bain Kohler en 2017, après quoi elle a fait ses débuts en art public à Madison Square Park.

Image d'installation de « Arlene Shechet: She Said She Said » au 508 & 510 West 25th Street, New York, NY. Photo : Avec l'aimable autorisation de Pace Gallery

Dans un espace de galerie attenant à la salle avant chez Pace se trouvent 14 œuvres céramiques, une série intitulée Touching Ground. C'est la première fois que Shechet utilise l'ancienne technique de la terra sigillata (« terre scellée » en latin), dans laquelle l'argile est raffinée encore et encore pour produire une barbotine d'une qualité si fine qu'elle est pratiquement imperméable. Sous l'Empire romain, la terra sigillata était utilisée pour ajouter un éclat protecteur aux vases et à la vaisselle. Il y a de la poésie à finir l'argile avec une couche de son propre matériau ultra-raffiné, dit Shechet. « C'est un complément très élégant. » Elle s'est en partie inspirée d'Agnes Martin, qui peignait en fines couches pour obtenir ses rayures et grilles poignantes.

Les pièces de Touching Ground sont des exercices de juxtaposition : d'une manière ou d'une autre à la fois biomorphiques et totalement étrangères, avec des textures qui varient du brillant au papier de verre. L'architecture semble mollassonne. « Elles sont à moitié en train de s'effondrer, et c'est ce que j'aime vraiment », dit Shechet en m'en montrant quelques-unes à son atelier en juin. Les couleurs vont du beige et du gris bleuté à l'orange fluo jusqu'au noir de minuit, avec de nombreux espaces aérés pour les empêcher de paraître trop denses. Chez Pace, certaines sont enchâssées dans les murs ou en porte-à-faux à la Donald Judd, tandis que d'autres se dressent sur des bases en acier. Souvent, elles ressemblent à ce qu'elles ont été tranchées au milieu, leurs entrailles exposées. « Pour une céramiste, révéler avec succès l'intérieur est en quelque sorte contre les règles », dit Glimcher, « ce qui est toujours la chose préférée d'Arlene : tout ce qui est contre les règles. » Arlene Shechet, Touching Ground: Like A Book, 2026, terra sigillata, céramique émaillée et acier, 23½" × 27¾" × 7¾". Photo : © Arlene Shechet. Avec l'aimable autorisation de Pace Gallery. En effet, l'expérimentation est profondément ancrée dans la pratique de Shechet—elle l'a toujours été. Elle n'avait pas besoin d'adopter un nouveau matériau (le Corten) ou une nouvelle technique (la terra sigillata) à ce stade de sa carrière. Mais se laisser porter n'est pas dans sa nature. En restant présente dans l'atelier—un concept bouddhiste qu'elle apprécie grandement—elle reste ouverte à tout ce qui remonte à la surface. C'est le fil conducteur de tout son travail. « Je suis capable de me surprendre moi-même », dit-elle en regardant autour de son atelier. « C'est ça. Je dois rester intéressée et surprise. » « Arlene Shechet: She Said She Said » est visible à la Pace Gallery, aux 508 et 510 West 25th Street, jusqu'au 24 octobre 2026.

Questions fréquemment posées
FAQ Le passé et le futur se rencontrent dans les sculptures d'un autre monde d'Arlene Shechet



Questions pour débutants



Qui est Arlene Shechet

Une sculptrice américaine née en 1951 à New York, connue pour ses sculptures ludiques et colorées qui mélangent des matériaux comme la céramique, le bois et le métal de manière inattendue



Qu'est-ce qui rend ses sculptures d'un autre monde

Elles combinent des formes familières avec des formes étranges et oniriques—des céramiques mollassonnes poussant hors d'un métal lisse, des couleurs vives sur des surfaces rugueuses. Elles ressemblent à des objets d'une autre planète qui semblent pourtant étrangement familiers



Que signifie « le passé et le futur se rencontrent » dans son travail

Elle associe des techniques anciennes à des matériaux et procédés industriels modernes. L'ancien et le nouveau existent côte à côte dans une même pièce



Quels matériaux utilise-t-elle

Argile, porcelaine, bois, acier, aluminium, bronze, peinture et métal moulé—souvent tous dans une seule sculpture



Pourquoi son travail est-il important

Elle a renversé la hiérarchie qui classait la céramique comme artisanat et la sculpture comme beaux-arts. Son succès a aidé la céramique à obtenir une reconnaissance sérieuse dans les musées et galeries d'art contemporain



Où puis-je voir son travail

Dans de grands musées comme le Metropolitan Museum of Art, le Whitney et le Los Angeles County Museum of Art. Elle a aussi eu des commandes publiques, notamment des œuvres dans les parcs de New York



Questions intermédiaires



Comment combine-t-elle réellement les techniques anciennes et nouvelles

Elle construit à la main des formes céramiques en utilisant des méthodes traditionnelles, puis les fait couler en bronze ou en aluminium, ou les combine avec de l'acier fabriqué. Elle utilise aussi des outils numériques comme la numérisation et l'impression 3D pour traduire entre les matériaux



À quoi ressemble son processus créatif

Il est intuitif et expérimental. Elle travaille dans son atelier sans plan fixe, laissant l'argile la guider. Elle le décrit comme une conversation avec le matériau—elle répond à ce qui se passe plutôt que de forcer un design



Pourquoi mélange-t-elle autant de matériaux différents

Les contrastes créent tension et surprise. Une masse céramique brillante sur une lourde poutre en acier vous fait questionner ce qui est naturel vs industriel, fragile vs permanent. Cette friction est le but



Quelles sont certaines de ses œuvres les plus connues