Es ist ein wunderschöner Junitag, und Arlene Shechet führt mich durch ihr Atelier in Kingston, etwa zwei Stunden nördlich von New York City. „Hier ist unsere kleine Kettensägen-Familie“, sagt sie. Es ist eine herrlich unerwartete Art, die Tour zu beginnen, und passend für eine Künstlerin, deren Skulpturen Keramik, Holz und Metall kombinieren und sie zu einer der innovativsten lebenden Bildhauerinnen gemacht haben.

Der 5.000 Quadratfuß große Raum ist beeindruckend vielseitig. Er hat so ziemlich jedes Werkzeug, das man sich vorstellen kann, plus eine Metallwerkstatt, einen maßgefertigten Holztrocknungsofen, einen Bereich für Computer- und Papiermodellierung, Regale voller Behälter mit Ton und einen friedlichen Innenhof, der von Betonmauern umgeben ist. „Mein eigenes kleines LA in Kingston“, scherzt sie über den Innenhof.

Shechet, 75, hat seit 10 Jahren ein Atelier in Kingston, vier davon in diesem Raum. Hier entstehen ihre großen Werke. Sie unterhält noch immer ein Atelier in Woodstock, wo sie seit mehr als zwei Jahrzehnten lebt, aber sie – oder vielmehr ihre Arbeit – ist darüber hinausgewachsen. „Es liegt oben an einer Schotterstraße, Skulpturen sind sehr schwer zu bewegen, was ich für die richtige Idee hielt, um mich unter Kontrolle zu halten“, sagt sie mit einem verschmitzten Grinsen. „Aber ich habe die Kontrolle verloren.“

In diesem Fall ist das eine gute Sache. Ihre Ausstellung „Girl Group“ von 2024 bei Storm King, die sechs hoch aufragende Skulpturen auf das Gelände des Kunstparks im Hudson Valley brachte, wurde als Triumph gefeiert. (Eine Rezension in The New York Review sagte: „Als Collagistin und Amalgamiererin, als Koloristin, als Formengeneratorin und als nüchterne feministische Heldin hat Shechet kaum ihresgleichen.“) Es war das erste Mal, dass sie Outdoor-Skulpturen in einem so monumentalen Maßstab schuf, aber für Shechet – damals am besten dafür bekannt, Keramikarbeit in den Bereich der bildenden Kunst zu erheben – fühlte es sich wie eine natürliche Erweiterung einer Praxis an, die darin verwurzelt ist, Grenzen zu überschreiten.

Diesen Herbst folgt Shechet auf Storm King mit „She Said She Said“, derzeit zu sehen in der Pace Gallery in Chelsea. Für die Ausstellung hat sie drei neue monumentale Skulpturen geschaffen – zwei im farbenfrohen, verspielten Stil von „Girl Group“ und eine aus Corten, ihre erste Verwendung des witterungsbeständigen Stahls – zusammen mit einer Suite außerweltlicher Keramikinstallationen.

Installationsansicht von „Arlene Shechet: She Said She Said“ in 508 & 510 West 25th Street, New York, NY.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Pace Gallery

„Jedes Stück hat viele Jahre hinter sich, in denen ich es loslasse, dann darauf zurückkomme, dann wieder loslasse“, sagt Shechet. Diese unhetzte Herangehensweise bringt Skulpturen hervor, die einen aus jedem Blickwinkel überraschen. Man kann die ganze Geschichte nicht aus nur einem Blickwinkel erfassen.

Nehmen wir Eve, das erste Stück, dem man beim Betreten der vorderen Galerie begegnet. Mit 16 Fuß Höhe ist es das höchste der neuen Werke (auf den Zoll genau gemessen, um in den Raum zu passen) und in blassen Grüntönen und Graublau bemalt, „wie der Anfang der Dinge“, sagt Shechet. Ganz oben auf einer Seite befindet sich ein kleiner schnörkeliger Ausschnitt im Aluminium, eine Belohnung für diejenigen, die ganz nach oben schauen. An der Basis stützt ein silberner Klumpen, der an eine gequetschte Litschi erinnert, einen schwungvollen Abschnitt aus terrassiertem Metall. Das Ganze erinnert mich an eine Wasserrutsche, wie sie Dr. Seuss erdacht hätte.

Arlene Shechet, Eve, 2026, geschweißtes und gegossenes Aluminium, Epoxid-Urethan-Lack, 16' × 9' 2" × 7' 6".
Foto: © Arlene Shechet. Mit freundlicher Genehmigung der Pace Gallery

Es braucht sowohl Intuition als auch rücksichtsloses Selbstvertrauen, um eine Ausstellung mit einem so massiven und verrückten Werk zu eröffnen. „Niemand würde das größte Stück vorne installieren; es muss hinten oder in der Mitte sein“, sagt Marc Glimcher, CEO von Pace, während einer Pressevorschau. „Sie wusste, dass es vorne sein musste.“

Hinter Eve befindet sich das lebendige Jewel, eine meerschaumfarbene Konfektion mit Schichten, die sich winden und kollidieren. Wie Eve sind seine Teile aus geschweißtem Aluminium von Hand geformt, nicht in Formen gegossen. Spuren menschlicher Berührung sind Shechet seit langem wichtig, egal welches Material sie verwendet.

Hinten im Raum steht Flo, ein Werk aus Cortenstahl. Es ist ein Wunder aus kaskadierenden Formen, jede ein wenig schief: Fast-Ovale, nicht ganz Dreiecke und etwas, das wie ein Paar Beine aussieht, die aufsetzen, bereit zu tanzen. Jeder Zoll ist in einer wunderschönen natürlichen Patina vereint, gestreift wie Tigerauge – ein Ergebnis der Verwitterung, der es draußen im Innenhof in Kingston ausgesetzt war. Das ist das Schöne an Corten: „Es malt sich selbst“, sagt Shechet. Wie bei ihren früheren Metallarbeiten bei Storm King nimmt sie ein traditionell männliches Material (Corten wird am meisten mit Richard Serra assoziiert) und injiziert ihm eine feminine Sensibilität, die sich in den abgerundeten Formen und sogar im Titel zeigt. Flo ist eine Anspielung auf Florine Stettheimer, eine Malerin des frühen 20. Jahrhunderts, die, so erklärt Shechet, „eine Freiheit hatte, die so viele Künstlerinnen nicht hatten“.

Arlene Shechet, Flo, 2026, Cortenstahl, 10' 1¼" × 7' 1" × 6' 8½". Foto: © Arlene Shechet. Mit freundlicher Genehmigung der Pace Gallery

Auch Shechet ist seit langem ihren eigenen Weg gegangen. Geboren 1951 in Forest Hills, Queens, war sie immer daran interessiert, Dinge zusammenzusetzen. „Ich habe nicht Nähen belegt. Ich habe Holzwerkstatt belegt“, sagt sie. Sie war das einzige Mädchen in dieser Klasse. Sie studierte an der New York University im Grundstudium, dann an der Rhode Island School of Design (RISD) im Aufbaustudium. Sie und ihr Mann zogen ihre beiden Kinder zuerst in Tribeca groß, wo sie ein Atelier im Keller hatte, und dann in Woodstock, wohin die Familie 2002 zog. Sie unterrichtete an der RISD und Parsons und jonglierte Arbeit mit Mutterschaft und ihrer eigenen Praxis. Es war nicht einfach. „Ich habe viel ertragen“, sagt sie. Die Kunstwelt war nicht immer freundlich zu Frauen, geschweige denn zu Müttern. „Die Leute haben einen einfach abgeschrieben.“

Im Laufe der Jahre entwickelte sich ihre Kunst von kleineren Tonstücken, die sie in ihrem Tribeca-Keller herstellen konnte, zu größeren und komplizierteren Kreationen unter Verwendung einer Mischung von Materialien, darunter Glas, Gusseisen und Beton. Eine 20-Jahres-Übersicht ihrer Arbeit 2015 am Institute of Contemporary Art in Boston wurde von Kritikern gelobt und half der Künstlerin zu erkennen, wie ihre vielfältigen Materialien und Ansätze alle miteinander verbunden sind. „Ich war wirklich beeindruckt, wie zusammengenäht all diese verschiedenen Werke waren, auf eine Weise, die ich vorher nicht gesehen hatte“, sagt sie. Sie blieb beschäftigt und jagte ihre endlosen Neugierden mit Residenzen beim deutschen Porzellanhersteller Meissen ab 2012, was zu einer erhellenden Ausstellung in der Frick führte, der ersten Ausstellung eines zeitgenössischen Künstlers in diesem Museum, und 2017 beim Sanitärarmaturenriesen Kohler, wonach sie ihr Debüt in der öffentlichen Kunst im Madison Square Park gab.

Installationsansicht von „Arlene Shechet: She Said She Said“ in 508 & 510 West 25th Street, New York, NY. Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Pace Gallery

In einem an den vorderen Raum bei Pace angrenzenden Galerieraum befinden sich 14 Keramikarbeiten, eine Serie mit dem Titel Touching Ground. Es ist das erste Mal, dass Shechet die antike Technik der Terra Sigillata („versiegelte Erde“ auf Latein) anwendet, bei der Ton immer wieder verfeinert wird, um einen Schlicker von so feiner Qualität herzustellen, dass er praktisch wasserdicht ist. Während des Römischen Reiches wurde Terra Sigillata verwendet, um Vasen und Tafelgeschirr einen schützenden Glanz zu verleihen. Es liegt Poesie darin, den Ton mit einer Schicht seines eigenen ultraverfeinerten Materials zu vollenden, sagt Shechet. „Es ist eine sehr elegante Ergänzung.“ Sie wurde teilweise von Agnes Martin inspiriert, die in dünnen Schichten malte, um ihre eindringlichen Streifen und Gitter zu erzielen.

Die Touching Ground-Stücke sind Übungen in Gegenüberstellung: irgendwie sowohl biomorph als auch völlig fremdartig, mit Texturen, die von glänzend bis schleifpapierartig variieren. Die Architektur wirkt matschig. „Sie fallen halb herunter, und das gefällt mir wirklich“, sagt Shechet, als sie mir im Juni in ihrem Atelier einige zeigt. Die Farben reichen von Beige und Bläulichgrau bis zu Signalorange bis zu Mitternachtsschwarz, mit reichlich luftigen Lücken, damit sie sich nicht zu dicht anfühlen. Bei Pace sind einige in die Wände eingelassen oder wie bei Donald Judd auskragend, während andere auf Stahlsockeln stehen. Oft sehen sie aus, als wären sie in der Mitte durchgeschnitten, ihr Inneres freigelegt. „Für eine Keramikerin ist es irgendwie gegen die Regeln, das Innere erfolgreich zu enthüllen“, sagt Glimcher, „was immer Arlenes Lieblingsbeschäftigung ist: was auch immer gegen die Regeln ist.“ Arlene Shechet, Touching Ground: Like A Book, 2026, Terra Sigillata, glasierte Keramik und Stahl, 23½" × 27¾" × 7¾". Foto: © Arlene Shechet. Mit freundlicher Genehmigung der Pace Gallery. Tatsächlich ist Experimentieren tief in Shechets Praxis verankert – das war es immer. Sie musste zu diesem Zeitpunkt ihrer Karriere kein neues Material (Corten) oder keine neue Technik (Terra Sigillata) annehmen. Aber Dahingleiten liegt nicht in ihrer Natur. Indem sie im Atelier präsent bleibt – ein buddhistisches Konzept, das sie sehr schätzt –, bleibt sie offen für alles, was aufsteigt. Das ist der rote Faden in all ihrer Arbeit. „Ich bin in der Lage, mich selbst zu überraschen“, sagt sie und blickt sich in ihrem Atelier um. „Das ist die Sache. Ich muss mich selbst interessiert und überrascht halten.“ „Arlene Shechet: She Said She Said“ ist bis zum 24. Oktober 2026 in den Standorten 508 und 510 West 25th Street der Pace Gallery zu sehen.

Häufig gestellte Fragen
FAQs Vergangenheit und Zukunft treffen in Arlene Shechets außerweltlichen Skulpturen aufeinander



Anfängerfragen



Wer ist Arlene Shechet

Eine amerikanische Bildhauerin, geboren 1951 in New York City. Sie ist bekannt für verspielte, farbenfrohe Skulpturen, die Materialien wie Keramik, Holz und Metall auf unerwartete Weise mischen



Was macht ihre Skulpturen außerweltlich

Sie kombinieren vertraute Formen mit seltsamen, traumartigen Formen – klumpige Keramiken, die aus glattem Metall wachsen, leuchtende Farben auf rauen Oberflächen. Sie sehen aus wie Objekte von einem anderen Planeten, die sich dennoch seltsam vertraut anfühlen



Was bedeutet „Vergangenheit und Zukunft treffen“ in ihrer Arbeit

Sie paart antike Techniken mit modernen industriellen Materialien und Prozessen. Alt und Neu existieren Seite an Seite in einem Werk



Welche Materialien verwendet sie

Ton, Porzellan, Holz, Stahl, Aluminium, Bronze, Farbe und gegossenes Metall – oft alles in einer einzigen Skulptur



Warum ist ihre Arbeit wichtig

Sie brach die Hierarchie auf, die Keramik als Handwerk und Skulptur als bildende Kunst einstufte. Ihr Erfolg verhalf der Keramik zu ernsthafter Anerkennung in zeitgenössischen Kunstmuseen und Galerien



Wo kann ich ihre Arbeit sehen

Große Museen wie das Metropolitan Museum of Art, das Whitney und das Los Angeles County Museum of Art. Sie hatte auch öffentliche Aufträge, darunter Arbeiten in New Yorker Parks



Fortgeschrittene Fragen



Wie kombiniert sie tatsächlich alte und neue Techniken

Sie baut Keramikformen mit traditionellen Methoden von Hand auf, lässt sie dann in Bronze oder Aluminium gießen oder kombiniert sie mit gefertigtem Stahl. Sie verwendet auch digitale Werkzeuge wie 3D-Scannen und -Drucken, um zwischen Materialien zu übersetzen



Wie sieht ihr kreativer Prozess aus

Er ist intuitiv und experimentell. Sie arbeitet in ihrem Atelier ohne festen Plan und lässt den Ton sie führen. Sie beschreibt es als ein Gespräch mit dem Material – sie reagiert auf das, was passiert, anstatt ein Design zu erzwingen



Warum mischt sie so viele verschiedene Materialien

Die Kontraste erzeugen Spannung und Überraschung. Ein glänzender Keramikklumpen auf einem schweren Stahlträger lässt einen fragen, was natürlich vs. industriell, zerbrechlich vs. dauerhaft ist. Diese Reibung ist der Punkt



Was sind einige ihrer bekanntesten Werke