È una bellissima giornata di giugno, e Arlene Shechet mi sta facendo fare un giro del suo studio a Kingston, a circa due ore a nord di New York City. "Ecco la nostra piccola famiglia di motoseghe", dice. È un modo deliziosamente inaspettato di iniziare il tour, e adatto a un'artista le cui sculture che combinano ceramica, legno e metallo l'hanno resa una delle scultrici viventi più innovative.

Lo spazio di 5.000 piedi quadrati è impressionantemente versatile. Ha praticamente ogni strumento che si possa immaginare, più un laboratorio metalmeccanico, una fornace personalizzata per l'essiccazione del legno, un'area per la modellazione al computer e su carta, scaffali pieni di contenitori di argilla e un cortile tranquillo circondato da muri di cemento. "La mia piccola Los Angeles a Kingston", scherza riguardo al cortile.

Shechet, 75 anni, ha uno studio a Kingston da 10 anni, quattro dei quali in questo spazio. È qui che realizza le sue grandi opere. Mantiene ancora uno studio a Woodstock, dove vive da più di due decenni, ma lei—o meglio, il suo lavoro—lo aveva superato. "Si trova in cima a una strada sterrata, molto difficile spostare le sculture, cosa che pensavo fosse l'idea giusta per tenermi sotto controllo", dice con un sorriso malizioso. "Ma ho perso il controllo."

In questo caso, è una buona cosa. La sua mostra del 2024 "Girl Group" a Storm King, che ha portato sei sculture svettanti nel parco d'arte della Hudson Valley, è stata lodata come un trionfo. (Una recensione sul New York Review diceva: "Come collagista e amalgamatrice, come colorista, come generatrice di forme e come eroina femminista senza fronzoli, Shechet ha pochi eguali.") Era la sua prima volta che realizzava sculture all'aperto su una scala così monumentale, ma per Shechet—a quel punto meglio conosciuta per aver elevato il lavoro ceramico al regno dell'arte raffinata—sembrava un'estensione naturale di una pratica radicata nello spingere i confini.

Quest'autunno, Shechet fa seguito a Storm King con "She Said She Said", ora in mostra alla Pace Gallery a Chelsea. Per la mostra, ha realizzato tre nuove sculture monumentali—due nello stile colorato e stravagante di "Girl Group" e una in Corten, la sua prima volta con l'acciaio resistente alle intemperie—insieme a una suite di installazioni ceramiche ultraterrene.

Veduta dell'allestimento di "Arlene Shechet: She Said She Said" al 508 e 510 West 25th Street, New York, NY.
Foto: Per gentile concessione della Pace Gallery

"Ogni pezzo ha molti anni dietro di sé, in cui lo lascio andare, poi ci torno, poi lo lascio andare di nuovo", dice Shechet. Questo approccio senza fretta produce sculture che ti sorprendono da ogni angolazione. Non puoi cogliere l'intera storia da un solo punto di vista.

Prendi Eve, il primo pezzo che si incontra entrando nella galleria anteriore. Alta 16 piedi, è la più alta delle nuove opere (misurata al centimetro per adattarsi alla stanza) e dipinta in verdi pallidi e grigi-blu, "come l'inizio delle cose", dice Shechet. In cima a un lato c'è un piccolo ritaglio ondulato nell'alluminio, una ricompensa per chi guarda fino in alto. Alla base, una massa argentata che ricorda un litchi schiacciato sostiene una sezione ricurva di metallo a terrazze. Il tutto mi ricorda uno scivolo acquatico immaginato dal Dr. Seuss.

Arlene Shechet, Eve, 2026, alluminio saldato e fuso, vernice epossidica-uretanica, 16' × 9' 2" × 7' 6".
Foto: © Arlene Shechet. Per gentile concessione della Pace Gallery

Ci vogliono sia intuizione che piena fiducia per aprire una mostra con un'opera così massiccia e bizzarra. "Nessuno installerebbe il pezzo più grande davanti; deve stare dietro o nel mezzo", dice Marc Glimcher, CEO di Pace, durante un'anteprima stampa. "Lei sapeva che doveva stare davanti."

Oltre Eve c'è la vibrante Jewel, una delizia color verde schiuma di mare con strati che si arricciano e si scontrano. Come Eve, i suoi pezzi di alluminio saldato sono modellati a mano, non con stampi. I segni del tocco umano sono da tempo importanti per Shechet, qualunque materiale usi.

In fondo alla stanza c'è Flo, un'opera in acciaio Corten. È una meraviglia di forme a cascata, ognuna un po' storta: quasi-ovali, non proprio triangoli, e quello che sembra un paio di gambe che toccano terra, pronte a ballare. Ogni centimetro è unito in una splendida patina naturale, striata come occhio di tigre—il risultato dell'esposizione alle intemperie subita nel cortile a Kingston. Questa è la bellezza del Corten: "Si dipinge da solo", dice Shechet. Come con i suoi precedenti pezzi in metallo a Storm King, sta prendendo un materiale tradizionalmente maschile (il Corten è più associato a Richard Serra) e lo sta iniettando con una sensibilità femminile, che si manifesta nelle forme arrotondate e persino nel titolo. Flo è un omaggio a Florine Stettheimer, una pittrice dei primi del Novecento che, spiega Shechet, "aveva una libertà che tante donne artiste non avevano".

Arlene Shechet, Flo, 2026, acciaio Corten, 10' 1¼" × 7' 1" × 6' 8½". Foto: © Arlene Shechet. Per gentile concessione della Pace Gallery

Anche Shechet ha da tempo seguito la propria strada. Nata nel 1951 a Forest Hills, Queens, è sempre stata interessata a mettere insieme le cose. "Non ho preso cucito. Ho preso falegnameria", dice. Era l'unica ragazza in quella classe. Ha studiato alla New York University per la laurea triennale, poi alla Rhode Island School of Design (RISD) per la specialistica. Lei e suo marito hanno cresciuto i loro due figli prima a Tribeca, dove aveva uno studio nel seminterrato, e poi a Woodstock, dove la famiglia si è trasferita nel 2002. Ha insegnato alla RISD e alla Parsons, destreggiandosi tra lavoro, maternità e la propria pratica. Non è stato facile. "Ho sopportato molto", dice. Il mondo dell'arte non è sempre stato gentile con le donne, tanto meno con le madri. "La gente ti liquidava e basta."

Nel corso degli anni la sua arte si è evoluta da piccoli pezzi in argilla che poteva realizzare nel seminterrato di Tribeca a creazioni più grandi e complicate che usano una miscela di materiali, tra cui vetro, ghisa e cemento. Una retrospettiva di 20 anni del suo lavoro nel 2015 all'Institute of Contemporary Art di Boston è stata lodata dalla critica e ha aiutato l'artista a vedere come i suoi vari materiali e approcci siano tutti collegati. "Sono rimasta davvero colpita da quanto tutte queste opere diverse fossero cucite insieme in modi che non avevo mai visto prima", dice. È rimasta occupata, inseguendo le sue curiosità senza fine con residenze presso il produttore tedesco di porcellana Meissen a partire dal 2012, che ha portato a una mostra rivelatrice alla Frick, la prima volta che quel museo esponeva un artista contemporaneo, e presso il gigante degli accessori per il bagno Kohler nel 2017, dopo di che ha fatto il suo debutto nell'arte pubblica al Madison Square Park.

Immagine dell'allestimento di "Arlene Shechet: She Said She Said" al 508 e 510 West 25th Street, New York, NY. Foto: Per gentile concessione della Pace Gallery

In uno spazio espositivo adiacente alla sala anteriore della Pace ci sono 14 opere in ceramica, una serie intitolata Touching Ground. È la prima volta che Shechet impiega l'antica tecnica della terra sigillata ("terra sigillata" in latino), in cui l'argilla viene raffinata più e più volte per creare una barbottina di qualità così fine da essere praticamente impermeabile. Durante l'Impero Romano, la terra sigillata era usata per aggiungere una lucentezza protettiva a vasi e stoviglie. C'è poesia nel rifinire l'argilla con uno strato del suo stesso materiale ultra-raffinato, dice Shechet. "È un complemento molto elegante." È stata in parte ispirata da Agnes Martin, che dipingeva a strati sottili per ottenere le sue struggenti strisce e griglie.

I pezzi di Touching Ground sono esercizi di giustapposizione: in qualche modo sia biomorfi che totalmente alieni, con texture che variano dal lucido alla carta vetrata. L'architettura sembra molliccia. "Sono mezzi crollati, ed è questo che mi piace davvero", dice Shechet mentre me ne mostra alcuni nel suo studio a giugno. I colori vanno dal beige e grigio-bluastro all'arancio ad alta visibilità al nero mezzanotte, con abbondanti spazi ariosi per evitare che sembrino troppo densi. Alla Pace, alcuni sono incastonati nelle pareti o a sbalzo à la Donald Judd, mentre altri poggiano su basi d'acciaio. Spesso sembrano essere stati tagliati a metà, con l'interno esposto. "Per un ceramista rivelare con successo l'interno è un po' contro le regole", dice Glimcher, "che è sempre la cosa preferita di Arlene: qualunque cosa sia contro le regole." Arlene Shechet, Touching Ground: Like A Book, 2026, terra sigillata, ceramica smaltata e acciaio, 23½" × 27¾" × 7¾". Foto: © Arlene Shechet. Per gentile concessione della Pace Gallery. In effetti, la sperimentazione è profondamente radicata nella pratica di Shechet—lo è sempre stata. Non aveva bisogno di adottare un nuovo materiale (il Corten) o una nuova tecnica (la terra sigillata) a questo punto della sua carriera. Ma andare avanti per inerzia non è nella sua natura. Rimanendo presente nello studio—un concetto buddista che apprezza molto—rimane aperta a qualunque cosa emerga. Questo è il filo conduttore in tutto il suo lavoro. "Riesco a sorprendere me stessa", dice, guardandosi intorno nello studio. "Questo è il punto. Devo mantenermi interessata e sorpresa." "Arlene Shechet: She Said She Said" è in mostra nelle sedi della Pace Gallery al 508 e 510 West 25th Street fino al 24 ottobre 2026.

Domande frequenti
Domande frequenti Passato e futuro si incontrano nelle sculture ultraterrene di Arlene Shechet



Domande per principianti



Chi è Arlene Shechet

Una scultrice americana nata nel 1951 a New York City È nota per sculture giocose e colorate che mescolano materiali come ceramica legno e metallo in modi inaspettati



Cosa rende le sue sculture ultraterrene

Combinano forme familiari con forme strane e oniricheceramiche informi che crescono da metallo levigato colori vivaci su superfici ruvide Sembrano oggetti di un altro pianeta che risultano comunque stranamente familiari



Cosa significa passato e futuro si incontrano nel suo lavoro

Abbina tecniche antiche con materiali e processi industriali moderni Vecchio e nuovo esistono fianco a fianco in un unico pezzo



Quali materiali usa

Argilla porcellana legno acciaio alluminio bronzo vernice e metallo fuso spesso tutti in un'unica scultura



Perché il suo lavoro è importante

Ha abbattuto la gerarchia che classificava la ceramica come artigianato e la scultura come arte raffinata Il suo successo ha aiutato la ceramica a ottenere un serio riconoscimento nei musei e nelle gallerie d'arte contemporanea



Dove posso vedere il suo lavoro

Grandi musei come il Metropolitan Museum of Art il Whitney e il Los Angeles County Museum of Art Ha anche avuto commissioni pubbliche tra cui opere nei parchi di New York City



Domande intermedie



Come combina effettivamente tecniche vecchie e nuove

Costruisce a mano forme in ceramica usando metodi tradizionali poi le fa fondere in bronzo o alluminio o le combina con acciaio fabbricato Usa anche strumenti digitali come la scansione e la stampa 3D per tradurre tra i materiali



Come appare il suo processo creativo

È intuitivo e sperimentale Lavora nel suo studio senza un piano fisso lasciando che l'argilla la guidi Lo descrive come una conversazione con il materiale risponde a ciò che accade invece di forzare un progetto



Perché mescola così tanti materiali diversi

I contrasti creano tensione e sorpresa Una massa ceramica lucida su una pesante trave d'acciaio ti fa interrogare su cosa sia naturale vs industriale fragile vs permanente Quell'attrito è il punto



Quali sono alcune delle sue opere più note