É um belo dia de junho, e Arlene Shechet está me dando um tour por seu estúdio em Kingston, cerca de duas horas ao norte da cidade de Nova York. "Aqui está nossa pequena família de motosserras", ela diz. É uma maneira deliciosamente inesperada de começar o tour, e adequada para uma artista cujas esculturas combinando cerâmica, madeira e metal a tornaram uma das escultoras vivas mais inovadoras.
O espaço de 5.000 pés quadrados é impressionantemente versátil. Tem praticamente todas as ferramentas que você possa imaginar, além de uma oficina de metal, um forno personalizado para secagem de madeira, uma área para modelagem em computador e papel, prateleiras empilhadas com caixas de argila e um pátio tranquilo cercado por paredes de concreto. "Minha própria pequena Los Angeles em Kingston", ela brinca sobre o pátio.
Shechet, 75 anos, tem um estúdio em Kingston há 10 anos, quatro deles neste espaço. É onde ela faz suas obras grandes. Ela ainda mantém um estúdio em Woodstock, onde vive há mais de duas décadas, mas ela — ou melhor, seu trabalho — o superou. "Fica no alto de uma estrada de terra, muito difícil mover esculturas, o que eu achava que era a ideia certa para me manter sob controle", ela diz com um sorriso malicioso. "Mas eu perdi o controle."
Neste caso, isso é uma coisa boa. Sua exposição de 2024 "Girl Group" no Storm King, que trouxe seis esculturas imponentes para os terrenos do parque de arte do Vale do Hudson, foi elogiada como um triunfo. (Uma resenha na The New York Review dizia: "Como colagista e amalgamadora, como colorista, como geradora de formas e como heroína feminista sem papas na língua, Shechet tem poucos iguais.") Foi sua primeira vez fazendo esculturas ao ar livre em escala tão monumental, mas para Shechet — naquele momento mais conhecida por elevar o trabalho em cerâmica ao reino da belas artes — parecia uma extensão natural de uma prática enraizada em ultrapassar limites.
Neste outono, Shechet dá continuidade ao Storm King com "She Said She Said", agora em exibição na Pace Gallery em Chelsea. Para a exposição, ela fez três novas esculturas monumentais — duas no estilo colorido e whimsical de "Girl Group" e uma em Corten, sua primeira vez usando o aço resistente às intempéries — junto com uma suíte de instalações cerâmicas de outro mundo.
Vista da instalação de "Arlene Shechet: She Said She Said" na 508 & 510 West 25th Street, Nova York, NY.
Foto: Cortesia da Pace Gallery
"Cada peça tem muitos anos por trás, onde eu a deixo ir, depois volto a ela, depois a deixo ir de novo", diz Shechet. Essa abordagem sem pressa produz esculturas que surpreendem de todos os ângulos. Você não consegue apreender a história completa a partir de apenas um ponto de vista.
Pegue Eve, a primeira peça que você encontra ao entrar na galeria frontal. Com 16 pés de altura, é a mais alta das novas obras (medida ao centímetro para caber na sala) e pintada em verdes pálidos e azuis-acinzentados, "como o começo das coisas", diz Shechet. No topo de um dos lados há um pequeno recorte ondulado no alumínio, uma recompensa para quem olhar até o alto. Na base, uma bolha prateada que lembra uma lichia espremida sustenta uma seção curvada de metal em terraços. A coisa toda me lembra um tobogã aquático imaginado pelo Dr. Seuss.
Arlene Shechet, Eve, 2026, alumínio soldado e fundido, tinta epóxi-uretano, 16' × 9' 2" × 7' 6".
Foto: © Arlene Shechet. Cortesia da Pace Gallery
É preciso intuição e confiança total para abrir uma exposição com uma obra tão massiva e excêntrica. "Ninguém instalaria a peça maior na frente; ela tem que ficar atrás ou no meio", diz Marc Glimcher, CEO da Pace, durante uma prévia para a imprensa. "Ela sabia que tinha que ficar na frente."
Depois de Eve vem a vibrante Jewel, uma confecção tonalizada em verde-mar com camadas que se curvam e colidem. Como Eve, suas peças de alumínio soldado são moldadas à mão, não em moldes. Sinais do toque humano há muito são importantes para Shechet, não importa qual material ela esteja usando.
Segurando courNo fundo da sala está Flo, uma obra em aço Corten. É uma maravilha de formas em cascata, cada uma um pouco torta: quase-ovais, não-exatamente triângulos, e o que parece um par de pernas tocando o chão, prontas para dançar. Cada centímetro está unido em uma linda pátina natural, estriada como olho de tigre — resultado do intemperismo que sofreu lá no pátio em Kingston. Essa é a beleza do Corten: "Ele se pinta sozinho", diz Shechet. Como com suas peças de metal anteriores no Storm King, ela está pegando um material tradicionalmente masculino (o Corten é mais associado a Richard Serra) e injetando-o com uma sensibilidade feminina, que aparece nas formas arredondadas e até no título. Flo é uma homenagem a Florine Stettheimer, uma pintora do início do século XX que, explica Shechet, "tinha uma liberdade que tantas mulheres artistas não tinham."
Arlene Shechet, Flo, 2026, aço Corten, 10' 1¼" × 7' 1" × 6' 8½". Foto: © Arlene Shechet. Cortesia da Pace Gallery
Shechet, também, há muito segue seu próprio caminho. Nascida em 1951 em Forest Hills, Queens, ela sempre se interessou por juntar coisas. "Eu não fiz costura. Fiz marcenaria", ela diz. Ela era a única menina naquela turma. Estudou na Universidade de Nova York na graduação, depois na Rhode Island School of Design (RISD) na pós-graduação. Ela e o marido criaram seus dois filhos primeiro em Tribeca, onde ela tinha um estúdio no porão, e depois em Woodstock, para onde a família se mudou em 2002. Ela lecionou na RISD e em Parsons, equilibrando trabalho com maternidade e sua própria prática. Não foi fácil. "Eu aguentei muita coisa", ela diz. O mundo da arte nem sempre foi gentil com mulheres, muito menos com mães. "As pessoas simplesmente te descartavam."
Ao longo dos anos, sua arte evoluiu de peças menores de argila que ela podia fazer em seu porão em Tribeca para criações maiores e mais complicadas usando uma mistura de materiais, incluindo vidro, ferro fundido e concreto. Uma retrospectiva de 20 anos de seu trabalho em 2015 no Institute of Contemporary Art em Boston foi elogiada pelos críticos e ajudou a artista a ver como seus variados materiais e abordagens estão todos conectados. "Fiquei realmente impressionada com o quão costuradas todas essas obras diferentes estavam de maneiras que eu não tinha visto antes", ela diz. Ela se manteve ocupada, perseguindo suas curiosidades infinitas com residências na fabricante alemã de porcelana Meissen a partir de 2012, o que levou a uma exposição reveladora na The Frick, a primeira vez que aquele museu exibiu um artista contemporâneo, e na gigante de acessórios para banheiro Kohler em 2017, após a qual ela fez sua estreia em arte pública no Madison Square Park.
Imagem da instalação de "Arlene Shechet: She Said She Said" na 508 & 510 West 25th Street, Nova York, NY. Foto: Cortesia da Pace Gallery
Em um espaço de galeria adjacente à sala frontal na Pace estão 14 obras cerâmicas, uma série intitulada Touching Ground. É a primeira vez que Shechet emprega a antiga técnica da terra sigillata ("terra selada" em latim), na qual a argila é refinada repetidas vezes para fazer um engobe de qualidade tão fina que é praticamente à prova d'água. Durante o Império Romano, a terra sigillata era usada para adicionar um brilho protetor a vasos e louças de mesa. Há poesia em finalizar a argila com uma camada de seu próprio material ultra-refinado, diz Shechet. "É um complemento muito elegante." Ela foi parcialmente inspirada por Agnes Martin, que pintava em camadas finas para alcançar suas listras e grades comoventes.
As peças de Touching Ground são exercícios de justaposição: de alguma forma tanto biomórficas quanto totalmente alienígenas, com texturas que variam de brilhante a lixa. A arquitetura parece mole. "Elas estão meio caindo, e é disso que eu realmente gosto", diz Shechet enquanto me mostra algumas em seu estúdio em junho. As cores variam de bege e cinza-azulado a laranja vibrante a preto meia-noite, com muitos espaços arejados para evitar que pareçam densas demais. Na Pace, algumas estão embutidas nas paredes ou em balanço à la Donald Judd, enquanto outras ficam sobre bases de aço. Frequentemente parecem ter sido cortadas ao meio, com seus interiores expostos. "Para um ceramista revelar com sucesso o interior é meio que contra as regras", diz Glimcher, "o que é sempre a coisa favorita de Arlene fazer: tudo o que é contra as regras." Arlene Shechet, Touching Ground: Like A Book, 2026, terra sigillata, cerâmica esmaltada e aço, 23½" × 27¾" × 7¾". Foto: © Arlene Shechet. Cortesia da Pace Gallery. De fato, a experimentação está profundamente enraizada na prática de Shechet — sempre esteve. Ela não precisava assumir um novo material (Corten) ou técnica (terra sigillata) neste ponto de sua carreira. Mas acomodar-se não está em sua natureza. Ao permanecer presente no estúdio — um conceito budista que ela valoriza muito —, ela permanece aberta a tudo o que surgir. Essa é a linha condutora em todo o seu trabalho. "Eu sou capaz de me surpreender", ela diz, olhando ao redor de seu estúdio. "É isso. Eu tenho que me manter interessada e surpresa." "Arlene Shechet: She Said She Said" está em exibição nas unidades da Pace Gallery na 508 e 510 West 25th Street até 24 de outubro de 2026.
Perguntas Frequentes
FAQs Passado e Futuro se Encontram nas Esculturas de Outro Mundo de Arlene Shechet
Perguntas para Iniciantes
Quem é Arlene Shechet
Uma escultora americana nascida em 1951 na cidade de Nova York Ela é conhecida por esculturas lúdicas e coloridas que misturam materiais como cerâmica madeira e metal de maneiras inesperadas
O que torna suas esculturas de outro mundo
Elas combinam formas familiares com formas estranhas e oníricas cerâmicas disformes crescendo de metal elegante cores vivas em superfícies ásperas Elas parecem objetos de outro planeta que ainda assim parecem estranhamente familiares
O que significa passado e futuro se encontram em seu trabalho
Ela combina técnicas antigas com materiais e processos industriais modernos Antigo e novo existem lado a lado em uma única peça
Quais materiais ela usa
Argila porcelana madeira aço alumínio bronze tinta e metal fundido frequentemente todos em uma única escultura
Por que seu trabalho é importante
Ela derrubou a hierarquia que classificava a cerâmica como artesanato e a escultura como belas artes Seu sucesso ajudou a cerâmica a ganhar reconhecimento sério em museus e galerias de arte contemporânea
Onde posso ver seu trabalho
Grandes museus como o Metropolitan Museum of Art o Whitney e o Los Angeles County Museum of Art Ela também teve encomendas públicas incluindo obras em parques da cidade de Nova York
Perguntas Intermediárias
Como ela realmente combina técnicas antigas e novas
Ela constrói formas cerâmicas à mão usando métodos tradicionais depois as faz fundir em bronze ou alumínio ou as combina com aço fabricado Ela também usa ferramentas digitais como escaneamento e impressão 3D para traduzir entre materiais
Como é seu processo criativo
É intuitivo e experimental Ela trabalha em seu estúdio sem um plano fixo deixando a argila guiá-la Ela descreve como uma conversa com o material ela responde ao que acontece em vez de forçar um design
Por que ela mistura tantos materiais diferentes
Os contrastes criam tensão e surpresa Uma bolha cerâmica brilhante sobre uma viga de aço pesada faz você questionar o que é natural vs industrial frágil vs permanente Essa fricção é o ponto
Quais são algumas de suas obras mais conhecidas