On kaunis kesäkuun päivä, ja Arlene Shechet esittelee minulle studioaan Kingstonissa, noin kahden tunnin ajomatkan päässä New Yorkista pohjoiseen. "Tässä on pieni moottorisahaperheemme", hän sanoo. Se on ihastuttavan odottamaton tapa aloittaa kierros, ja sopiva taiteilijalle, jonka keramiikkaa, puuta ja metallia yhdistävät veistokset ovat tehneet hänestä yhden innovatiivisimmista elossa olevista kuvanveistäjistä.
5 000 neliömetrin tila on vaikuttavan monipuolinen. Siellä on käytännössä jokainen työkalu, jonka voi kuvitella, sekä metallipaja, räätälöity puunkuivausuuni, alue tietokone- ja paperimallinnukseen, hyllyt, joihin on pinottu saviastioita, ja rauhallinen sisäpiha, jota ympäröivät betoniseinät. "Oma pieni LA:ni Kingstonissa", hän vitsailee sisäpihasta.
Shechet, 75, on pitänyt studiota Kingstonissa 10 vuoden ajan, joista neljä tässä tilassa. Siellä hän tekee suuret työnsä. Hänellä on edelleen studio Woodstockissa, jossa hän on asunut yli kaksi vuosikymmentä, mutta hän—tai pikemminkin hänen työnsä—oli kasvanut siitä ulos. "Se on hiekkatie, veistosten siirtäminen on hyvin vaikeaa, minkä ajattelin olevan oikea idea pitääkseni itseni kurissa", hän sanoo viekkaasti hymyillen. "Mutta menetin hallinnan."
Tässä tapauksessa se on hyvä asia. Hänen vuoden 2024 näyttelynsä "Girl Group" Storm Kingissä, joka toi kuusi korkealle kohoavaa veistosta Hudson Valleyn taidepuiston alueelle, ylistettiin voittona. (Eräässä The New York Review'n arvostelussa sanottiin: "Kollaasintekijänä ja yhdistelijänä, koloristina, muotojen luojana ja suoraviivaisena feministisenä sankarittarena Shechetillä on harvoja vertaisia.") Se oli hänen ensimmäinen kertansa tehdä ulkoveistoksia tällaisessa monumentaalisessa mittakaavassa, mutta Shechetille—joka siihen aikaan tunnettiin parhaiten keramiikkatyön nostamisesta kuvataiteen piiriin—se tuntui luonnolliselta jatkeelta käytännölle, joka juurtui rajojen rikkomiseen.
Tänä syksynä Shechet seuraa Storm Kingiä teoksella "She Said She Said", joka on nyt esillä Pace Galleryssa Chelseassa. Näyttelyä varten hän on tehnyt kolme uutta monumentaalista veistosta—kaksi "Girl Groupin" värikkäässä, oikukkaassa tyylissä ja yhden Cortenista, ensimmäistä kertaa käyttäen säänkestävää terästä—sekä sarjan tuonpuoleisia keramiikka-asennuksia.
Asennuskuva "Arlene Shechet: She Said She Said" -näyttelystä osoitteessa 508 & 510 West 25th Street, New York, NY.
Kuva: Pace Galleryn luvalla
"Jokaisen teoksen takana on monta vuotta, jolloin päästin siitä irti, palasin siihen ja päästin siitä taas irti", Shechet sanoo. Tämä kiireetön lähestymistapa tuottaa veistoksia, jotka yllättävät joka kulmasta. Et voi ymmärtää koko tarinaa yhdestä näkökulmasta.
Otetaan esimerkiksi Eve, ensimmäinen teos, jonka kohtaat astuessasi etugalleriaan. 16 jalan korkuisena se on uusista teoksista korkein (mitattu tuuman tarkkuudella huoneeseen sopivaksi) ja maalattu vaaleanvihreillä ja harmaansinisillä sävyillä, "kuin asioiden alku", Shechet sanoo. Yhden sivun aivan yläosassa on pieni kiemurainen leikkaus alumiinissa, palkinto niille, jotka katsovat aivan ylös. Jalustassa hopeinen möykky, joka muistuttaa litistynyttä litsiä, tukee kaarevaa, terassoitua metalliosaa. Koko juttu muistuttaa minua vesiliukumäestä, sellaisena kuin Tohtori Seuss sen kuvittelisi.
Arlene Shechet, Eve, 2026, hitsattu ja valettu alumiini, epoksi-uretaanimaali, 16' × 9' 2" × 7' 6".
Kuva: © Arlene Shechet. Pace Galleryn luvalla
Tarvitaan sekä intuitiota että täysillä kaasulla toimivaa itseluottamusta avata näyttely näin massiivisella ja hullunkurisella teoksella. "Kukaan ei asentaisi suurinta teosta eteen; sen täytyy olla takana tai keskellä", Marc Glimcher, Pacen toimitusjohtaja, sanoo lehdistötilaisuudessa. "Hän tiesi, että sen täytyy olla edessä."
Even ohi on eloisa Jewel, merenvihreäsävyinen herkku, jonka kerrokset kiertyvät ja törmäävät. Kuten Eve, sen hitsatun alumiinin osat on muotoiltu käsin, ei muoteilla. Inhimillisen kosketuksen merkit ovat kauan olleet Shechetille tärkeitä, riippumatta siitä, mitä materiaalia hän käyttää.
Holding courHuoneen takaosassa on Flo, Corten-terästeos. Se on portaittain laskeutuvien muotojen ihme, jokainen hieman vinossa: melkein-ovaaleja, ei-aivan-kolmioita ja mikä näyttää parilta jaloilta, jotka laskeutuvat alas valmiina tanssimaan. Jokainen tuuma on yhtenäinen upeassa luonnollisessa patinassa, raidallinen kuin tiikerinsilmä—seurausta sään vaikutuksesta, jonka se kesti Kingstonin sisäpihalla. Siinä on Cortenin kauneus: "Se maalaa itsensä", Shechet sanoo. Kuten hänen aiemmat metalliteoksensa Storm Kingissä, hän ottaa perinteisesti miehisen materiaalin (Corten yhdistetään useimmiten Richard Serraan) ja ruiskuttaa siihen feminiinistä herkkyyttä, mikä näkyy pyöreissä muodoissa ja jopa nimessä. Flo on kunnianosoitus Florine Stettheimerille, 1900-luvun alun taidemaalarille, jolla, Shechet selittää, "oli vapaus, jota niin monilla naistaiteilijoilla ei ollut."
Arlene Shechet, Flo, 2026, Corten-teräs, 10' 1¼" × 7' 1" × 6' 8½". Kuva: © Arlene Shechet. Pace Galleryn luvalla
Shechet on myös kauan kulkenut omaa tietään. Syntynyt vuonna 1951 Forest Hillsissä, Queensissa, hän oli aina kiinnostunut asioiden yhdistämisestä. "En ottanut ompelua. Otin puutyöpajan", hän sanoo. Hän oli ainoa tyttö sillä tunnilla. Hän opiskeli New Yorkin yliopistossa perustutkintoa varten ja sitten Rhode Island School of Designissa (RISD) jatko-opintoja varten. Hän ja hänen miehensä kasvattivat kaksi lastaan ensin Tribecassa, jossa hänellä oli studio kellarissa, ja sitten Woodstockissa, jonne perhe muutti vuonna 2002. Hän opetti RISD:ssä ja Parsonsissa, tasapainoillen työn, äitiyden ja oman praktiikkansa välillä. Se ei ollut helppoa. "Kestin paljon", hän sanoo. Taidemaailma ei ollut aina ystävällinen naisille, saati äideille. "Ihmiset vain kirjoittivat sinut ulos."
Vuosien varrella hänen taiteensa kehittyi pienemmistä savitöistä, joita hän pystyi tekemään Tribecan kellarissaan, suurempiin ja monimutkaisempiin luomuksiin, joissa käytettiin eri materiaaleja, kuten lasia, valurautaa ja betonia. Hänen työnsä 20 vuoden katsaus vuonna 2015 Bostonin Institute of Contemporary Artissa sai kriitikoiden ylistystä ja auttoi taiteilijaa näkemään, miten hänen erilaiset materiaalinsa ja lähestymistapansa ovat kaikki yhteydessä toisiinsa. "Olin todella hämmästynyt siitä, miten yhteen ommeltuja kaikki nämä eri työt olivat tavoilla, joita en ollut ennen nähnyt", hän sanoo. Hän on pysynyt kiireisenä, jahtaen loputtomia uteliaisuuksiaan residensseillä saksalaisen posliinivalmistaja Meissenin luona vuodesta 2012 alkaen, mikä johti paljastavaan näyttelyyn The Frickissä, ensimmäistä kertaa kun tuo museo esitti nykytaiteilijaa, ja kylpyhuonekalusteiden jättiläisen Kohlerin luona vuonna 2017, minkä jälkeen hän teki julkisen taiteen debyyttinsä Madison Square Parkissa.
Asennuskuva "Arlene Shechet: She Said She Said" -näyttelystä osoitteessa 508 & 510 West 25th Street, New York, NY. Kuva: Pace Galleryn luvalla
Pacen etuhuoneen viereisessä galleriatilassa on 14 keramiikkateosta, sarja nimeltä Touching Ground. Se on ensimmäinen kerta, kun Shechet on käyttänyt muinaista terra sigillata -tekniikkaa ("sinetöity maa" latinaksi), jossa savea jalostetaan yhä uudelleen ja uudelleen, jotta saadaan niin hienolaatuinen liete, että se on käytännössä vedenpitävä. Rooman valtakunnan aikana terra sigillataa käytettiin lisäämään suojaavaa kiiltoa maljakoihin ja ruokailuvälineisiin. Savi viimeistellään kerroksella sen omaa äärimmäisen jalostettua materiaalia, Shechet sanoo. "Se on hyvin elegantti täydennys." Häntä inspiroi osittain Agnes Martin, joka maalasi ohuina kerroksina saavuttaakseen koskettavat raidansa ja ruudukkonsa.
Touching Ground -teokset ovat harjoituksia rinnastuksessa: jotenkin sekä biomorfisia että täysin vieraita, tekstuurit vaihtelevat kiiltävästä hiekkapaperiin. Arkkitehtuuri näyttää vetelältä. "Ne ovat puoliksi romahtamassa, ja se on juuri se, mistä todella pidän", Shechet sanoo näyttäessään minulle muutamia niistä studiollaan kesäkuussa. Värit vaihtelevat beigestä ja sinertävänharmasta huomioraitaan oranssiin ja keskiyön mustaan, ja niissä on runsaasti ilmavia aukkoja, jotka estävät niitä tuntumasta liian tiiviiltä. Pacessa jotkut on upotettu seiniin tai ulokkeina Donald Juddin tapaan, kun taas toiset seisovat teräsjalustojen päällä. Usein ne näyttävät siltä kuin ne olisi leikattu keskeltä halki, sisukset paljaina. "Keramiikkataiteilijalle sisäpuolen onnistunut paljastaminen on tavallaan sääntöjen vastaista", Glimcher sanoo, "mikä on aina Arlenen lempiasia tehdä: mitä tahansa, mikä on sääntöjen vastaista." Arlene Shechet, Touching Ground: Like A Book, 2026, terra sigillata, lasitettu keramiikka ja teräs, 23½" × 27¾" × 7¾". Kuva: © Arlene Shechet. Pace Galleryn luvalla. Kokeilu on todellakin syvästi juurtunut Shechetin praktiikkaan—se on aina ollut. Hänen ei tarvinnut ottaa uutta materiaalia (Corten) tai tekniikkaa (terra sigillata) tässä uransa vaiheessa. Mutta rullaaminen ei ole hänen luonteensa mukaista. Pysymällä läsnä studiossa—buddhalainen käsite, jota hän arvostaa suuresti—hän pysyy avoimena kaikelle, mikä kuplii pintaan. Se on punainen lanka kaikessa hänen työssään. "Pystyn yllättämään itseni", hän sanoo katsellen ympärilleen studiossaan. "Se on se juttu. Minun täytyy pitää itseni kiinnostuneena ja yllättyneenä." "Arlene Shechet: She Said She Said" on esillä Pace Galleryn osoitteissa 508 ja 510 West 25th Street 24. lokakuuta 2026 asti.
Usein kysytyt kysymykset
UKK Menneisyys ja tulevaisuus kohtaavat Arlene Shechetin tuonpuoleisissa veistoksissa
Aloittelijan kysymykset
Kuka on Arlene Shechet
Amerikkalainen kuvanveistäjä, syntynyt vuonna 1951 New Yorkissa. Hänet tunnetaan leikkisistä, värikkäistä veistoksista, jotka sekoittavat materiaaleja kuten keramiikkaa, puuta ja metallia odottamattomilla tavoilla
Mikä tekee hänen veistoksistaan tuonpuoleisia
Ne yhdistävät tuttuja muotoja outoihin, unenomaisiin muotoihin—möykkyisiä keramiikkamuotoja, jotka kasvavat kiiltävästä metallista, kirkkaita värejä karkeilla pinnoilla. Ne näyttävät esineiltä toiselta planeetalta, jotka tuntuvat silti kummallisen tutuilta
Mitä menneisyys ja tulevaisuus kohtaavat tarkoittaa hänen työssään
Hän yhdistää muinaisia tekniikoita moderneihin teollisiin materiaaleihin ja prosesseihin. Vanha ja uusi ovat rinnakkain yhdessä teoksessa
Mitä materiaaleja hän käyttää
Savea, posliinia, puuta, terästä, alumiinia, pronssia, maalia ja valettua metallia—usein kaikkia yhdessä veistoksessa
Miksi hänen työnsä on tärkeää
Hän purki hierarkian, joka asetti keramiikan käsityöksi ja veistoksen kuvataiteeksi. Hänen menestyksensä auttoi keramiikkaa saamaan vakavaa tunnustusta nykytaiteen museoissa ja gallerioissa
Missä voin nähdä hänen työtään
Suurissa museoissa kuten Metropolitan Museum of Art, Whitney ja Los Angeles County Museum of Art. Hänellä on ollut myös julkisia toimeksiantoja, mukaan lukien teoksia New Yorkin puistoissa
Keskitasoiset kysymykset
Miten hän oikeastaan yhdistää vanhoja ja uusia tekniikoita
Hän rakentaa keramiikkamuotoja käsin perinteisiä menetelmiä käyttäen, sitten valattaa ne pronssiin tai alumiiniin tai yhdistää ne valmistettuun teräkseen. Hän käyttää myös digitaalisia työkaluja, kuten 3D-skannausta ja -tulostusta, siirtyäkseen materiaalien välillä
Millainen hänen luova prosessinsa on
Se on intuitiivinen ja kokeellinen. Hän työskentelee studiossaan ilman kiinteää suunnitelmaa antaen saven ohjata häntä. Hän kuvailee sitä keskusteluksi materiaalin kanssa—hän vastaa siihen, mitä tapahtuu, sen sijaan että pakottaisi suunnittelun
Miksi hän sekoittaa niin monia eri materiaaleja
Vastakohdat luovat jännitettä ja yllätystä. Kiiltävä keramiikkamöykky raskaalla teräspalkilla saa sinut kyseenalaistamaan mikä on luonnollista vs teollista, haurasta vs pysyvää. Tämä kitka on pointti
Mitkä ovat joitakin hänen tunnetuimpia teoksiaan