Ecco la traduzione in italiano del testo fornito, senza aggiunte, modifiche o suggerimenti di traduzioni alternative:

«Non mi piace davvero aspettare per lavorare, e amo lavorare». Basta dare un’occhiata al curriculum di Kara Young per capirlo. Ma lei vende la battuta—proprio come sta facendo ora nel primo revival a Broadway di Proof, l’opera vincitrice del Premio Pulitzer di David Auburn del 2000. Dopo aver vinto due Tony Award consecutivi (per Purlie Victorious nel 2024 e Purpose l’anno scorso) e una stagione off-Broadway in Gruesome Playground Injuries (che è entrata in produzione rapidamente quando l’ambito Lucille Lortel Theater è diventato disponibile prima del previsto), l’attrice aveva programmato di prendersi una meritata pausa—almeno dalla recitazione. Young sapeva che i due film che aveva girato alla fine del 2024—l’adattamento di Aleshea Harris della sua stessa opera Is God Is e I Love Boosters di Boots Riley (che, per coincidenza, vede come co-protagonista il suo futuro collega in Proof, Don Cheadle)—sarebbero usciti più o meno nello stesso periodo, e fare promozione è un lavoro a sé.

Ma la vita ha presto messo i bastoni tra le ruote. Una serie di voli persi, sbarchi e cancellazioni ha fatto sì che perdesse la première di Boosters al South by Southwest—e poi è arrivata la chiamata. Avrebbe potuto sostituire Samira Wiley, che aveva dovuto abbandonare Proof per motivi di salute? Young è volata di nuovo a New York lunedì, ha iniziato le prove il giorno dopo, ed era in anteprima poco più di una settimana dopo. Il processo è stato «rapido e sporco, come si faceva una volta», dice, ricordando il trambusto dei suoi primi anni di carriera. «Lavori veloce, fai delle scelte, ti butti nel fuoco e vai».

Proof—che Young descrive come «una di quelle opere di cui tutti i ragazzi al botteghino mi dicono di aver interpretato una scena»—segue due sorelle che affrontano la perdita del loro padre genio della matematica. Il personaggio di Young, Claire, è quella con la mentalità imprenditoriale, desiderosa di prendere il comando—un tratto che condivide con il suo personaggio in Is God Is, Racine. Il film di Harris, tuttavia, scambia dialoghi intelligenti con violenza brutale, mentre due gemelle, gravemente sfregiate da un incendio infantile, intraprendono un viaggio per affrontare la fonte del loro trauma.

Young inizierà le prove per un revival off-Broadway ricco di star di The Whoopi Monologues durante le ultime settimane della messa in scena di Proof, momento in cui un’altra veterana del teatro, Adrienne Warren, prenderà il suo posto. Ma prima di allora, l’attrice carismatica si è seduta con Vogue per parlare di coincidenze di carriera, rabbia sullo schermo e crescita ad Harlem.

Vogue: Con circa due settimane e mezza per trovare Claire, sei soddisfatta di dove sei arrivata?

Kara Young: Non sono mai soddisfatta in nessun processo, a dire il vero. Cerco sempre di costruire più storia, più sfumature, più umanità. Claire ha navigato lontano dalla sua famiglia per tutto questo tempo. Ha fatto un enorme sacrificio finanziario per assicurarsi che la sua famiglia fosse accudita. Continuerò a costruire fino alla mia ultima performance—è sempre così. C’è sempre spazio per di più. Come onoro qualcuno nelle cinque scene che abbiamo? Come rendo questa persona reale e piena di vita in solo quelle poche scene?

Come lasci andare le performance sullo schermo?

È davvero diverso superarlo. Abbiamo avuto la nostra première al BAM l’altra sera, e c’erano persone che ti conoscono e altre no—un misto, per lo più di comunità, in una certa misura. È difficile, ma allo stesso tempo, ricordo la prima volta che l’ho visto. L’ho visto da sola in un teatro, sono uscita e ho chiamato i miei. Hanno chiesto: «Come ci si sente a essere la protagonista di un film?» E ho detto: «Onestamente, ho smesso di guardarmi perché riguardava la storia». Era così accuratamente e artisticamente messo insieme nella visione di Aleshea, e ogni inquadratura era così intenzionale che la storia mi ha portato in viaggio. Mi sono dimenticata di esserci.

Di solito sei più autocosciente quando ti guardi?

Certamente! Ma anche, non credo di aver mai avuto questa esperienza. Ho interpretato ruoli da protagonista in film e li ho visti al cinema, ma non ho avuto questo tipo di esperienza. L’opera è stata ora adattata in un film. Vedo il viaggio un po’ diversamente ora, dopo averlo visto al Soho Rep nel 2018. Sono rimasta completamente sbalordita dalle performance e dalla storia. Conoscendo il peso e l’importanza di questa opera di culto che Aleshea ci ha dato—è stata prodotta in tutto il mondo, e ora è, tipo, chiusa in un caveau—c’è qualcosa in questo che sembra al di là di me. La mia performance non è nemmeno la cosa principale, capisci?

Cosa significa questa storia per te? È piena di miti e inizia un po’ come L’Odissea, ma poi non è affatto così. Sfida ogni aspettativa.

Per me, la storia parla di due giovani donne che si sono fatte strada nel mondo come sopravvissute. Sono persone resilienti che sono cresciute nel sistema di affidamento dopo che un incendio traumatico ha ucciso la loro madre. Questo è tutto ciò che hanno conosciuto. Hanno costruito un mondo il più gioioso possibile, e stanno bene insieme. Certo, il mondo le tratta molto diversamente, ma esistono insieme. Poi ricevono una lettera che dice che la loro madre è in realtà sul letto di morte e vuole che la visitino. Così il viaggio diventa quasi come un viaggio per capire se stesse un po’ di più. Quando incontrano la loro madre, lei dice loro che il loro padre ha cercato di ucciderle, e il suo ultimo desiderio è che loro lo uccidano. Si tratta di tagliare la radice del dolore. Is God Is è la storia di sorellanza più epica, meridionale, da odissea greca in viaggio. Riguarda capire da dove veniamo e tagliare quella radice.

Il film ha una visione interessante della violenza. Si tratta di tagliare la radice del trauma, ma senza svelare nulla, i personaggi principali non sono eroi Disney. Le radici di quella violenza si sono diffuse ovunque. Cosa ne pensi?

Quello che mi ha davvero colpito è che un personaggio crede di essere un’assassina. C’è quella battuta: «Veniamo da un uomo che ha cercato di uccidere la nostra mamma, e la nostra mamma vuole uccidere quell’uomo. È nel sangue». C’è qualcosa nell’accettarlo come ciò che sei. Ma non lo sapevo prima. Pensa a un bambino che non ha mai saputo chi fosse, e ora lo sa. La violenza nel film è sicuramente presente, ma c’è qualcosa nel fatto che Racine la persegue mentre Anaia non vuole. Rappresenta la speranza e rompere i cicli, anche stuzzicare le nostre cicatrici, ma continuano a sanguinare. Ha ragione Racine? Sta al pubblico deciderlo. Il pubblico con cui l’ho visto ha reagito fortemente quando è successo qualcosa. Stuzzicare le cicatrici e riaprire le ferite potrebbe non essere mai la cosa più sana, ma se non apri la ferita, è ancora lì, e sai ancora che è lì. Questo è il viaggio di Racine—riaprire completamente, obliterare e fare chirurgia sulla ferita.

Il film è davvero cruento. Sei schizzinosa?

Ero seduta accanto a mia mamma l’altro giorno, e continuava a dire: «No!» È molto schizzinosa. Non dirò che mi piace. Non so cosa mi piace, in realtà. Davvero non lo so. Ma mi piace ciò che vedo—una rabbia giustificata sullo schermo. Ho sentito Aleshea dire l’altro giorno qualcosa come: «Assistere allo spettro completo della nostra rabbia, della nostra umanità—non l’abbiamo mai visto sullo schermo. Non l’abbiamo mai sperimentato da personaggi neri, vedere lo spettro completo della nostra umanità». E quella rabbia, la nostra rabbia, esiste. Mentre le persone guardano questo, specialmente persone di colore e donne nere, c’è una catarsi in ciò che significa guarire ed essere pieni di speranza, e arrivare al nucleo di ciò che ti rende arrabbiato e pieno di rabbia. Questi sono sentimenti validi. Abbiamo visto il patriarcato farlo sullo schermo più e più volte. È radicato nelle nostre menti. Ma non abbiamo mai visto donne nere così, mai. È greco! È come Medea che uccide i suoi figli.

Parlami di Boosters. So che hai già lavorato con Boots. È una parte così divertente—non l’ho visto!

Stai scherzando? Cosa ne sai? Di quello? Beh, conosco la storia. Ho letto la sceneggiatura e ho pensato che fosse un viaggio davvero selvaggio.

Quindi non sai come appari nel film?

No! Ecco cosa so: ero sul set. Ho finito di girare Is God Is alla fine del 2024 e sono finita per restare una settimana in più a New Orleans. Ho molta famiglia lì, quindi ho passato il mio primo Ringraziamento in città e ho pensato, fammi volare ad Atlanta, dove si stava girando Boosters, e salutare Boots. È un volo veloce. Sono nel Sud, quindi perché no? Volevo visitare il set perché, quando stavamo girando I’m a Virgo, mi aggiravo anche quando non stavo filmando. Avevo sentito che il mondo di I Love Boosters è totalmente folle, quindi sono andata al soundstage e—cavolo. Era la scena con Demi Moore e il carrello rotante. Ho pensato, è così bello. Boots aveva già menzionato che voleva qualcuno per questa parte e mi ha chiesto se ero disponibile. Poi ha detto: «Penso che tu abbia una prova ora».

Ma l’altra storia è ancora più folle. Stavo parlando con questo tizio, solo chiacchierando. Era in protesi, quindi non riuscivo a vedere bene che aspetto avesse. E Boots fa: «Sai che quello è Don Cheadle, vero?» Non ci eravamo mai incontrati prima. Quindi sul set, stiamo parlando di teatro, e lui mi dice che vogliono che legga per Proof. Gli dico che è una grande opera, e poi il mio telefono vibra con un messaggio: «Offerta di lettura per Proof».

Perché non hai dato seguito a quell’offerta per Proof?

Solo decisioni—volevo restare disponibile per film e TV.

Quanto tempo ti ha preso Boosters?

Penso di essere stata lì solo per tre giorni. La maggior parte del mio lavoro vocale e le scene successive sono state fatte al telefono o registrate dopo le riprese.

Boots sembra il tipo di persona con cui o ti trovi immediatamente o no, ma se ti trovi, c’è fiducia immediata.

Sì, totalmente. Boots è un visionario, la sua immaginazione è radicale. Tipo, che aspetto ha la libertà nella tua mente? Dove possono andare i nostri pensieri come artisti? Sono entrata in quel soundstage e sono rimasta completamente sbalordita. Pensa davvero fuori dagli schemi. È sempre in modalità creazione, qualunque cosa accada. Boots Riley: per sempre un’ispirazione.

Foto: Jenny Anderson

L’ultima cosa che il pubblico sa che stai lavorando è la première di Mix and Master di Dominique Morisseau a Broadway all’inizio del prossimo anno. È una storia del Bronx, ma tu sei di Harlem—di cosa si tratta?

Non vedo l’ora che la gente veda questo genio assoluto. Abbiamo fatto alcuni workshop insieme nell’ultimo anno, ma ora stiamo costruendo quel mondo e entrandoci. Alcune persone non sanno che sono nata all’Harlem Hospital, ma ho passato i miei primi anni nel Bronx. Come newyorkese, come abitante di Harlem, i due sono molto vicini. Amo il Bronx, davvero. Si tratta di onorare coloro che sono venuti prima di te, le persone sulle cui spalle stai. Ci sono storie dentro la storia, ma parla di due persone dove una ammira davvero l’altra, ed è ambientato nell’ultimo negozio di dischi rimasto nel Bronx. La gentrificazione è ovunque, e sembra senza speranza, onestamente, perché vengo da Harlem e ho visto quelle cose. Ma parla anche di cercare di salvare una vita, cercare di dire a qualcuno quanto significa per te, e come la musica può cambiarti, come può spostare così tanto dentro di te, e ricordarti della tua presenza sul pianeta.

Quella sarà una storia di New York, Boosters è una storia della Bay Area, Is God Is è gotico meridionale. Qual è la storia di Harlem che non hai ancora raccontato?

Non ho questi tipi di sogni di ruolo, ma mi sono sempre vista in un film epico di Harlem degli anni ’70. Parlo di cosa significa ballare ed essere liberi. Qual è stato un momento in cui eravamo solo liberi? Non so come descriverlo. Dovevo essere un adulto negli anni ’70. Era un periodo in cui i neri popolavano Harlem, e vorrei poter tornare indietro nel tempo. Ogni volta che vedo video o foto di donne nere ad Harlem negli anni ’70, penso, portami lì adesso.

Questa conversazione è stata modificata e accorciata per renderla più chiara.

Domande Frequenti
Ecco un elenco di FAQ su Kara Young vince basate sul contesto più comune

Domande Generali per Principianti

D Chi è Kara Young
R Kara Young è un’attrice teatrale e cinematografica americana molto acclamata È conosciuta soprattutto per le sue potenti performance in opere di Broadway come Clydes Purlie Victorious e Cost of Living

D Quale premio ha appena vinto Kara Young
R Ha vinto il Tony Award per la Miglior Attrice Non Protagonista in un’Opera per il suo ruolo in Purlie Victorious A NonConfederate Romp Through the Cotton Patch

D Quando ha vinto questo premio
R Ha vinto alla 77ª Edizione Annuale dei Tony Awards che si è tenuta il 16 giugno 2024

D È il suo primo Tony Award
R Sì questo è il suo primo Tony Award vinto Era la sua terza nomination in tre anni consecutivi

Domande Avanzate di Contesto

D Perché questa vittoria è considerata storica o significativa
R È significativa per diverse ragioni 1 Ha fatto storia come la prima attrice nera ad essere nominata per un Tony Award tre anni di fila 2 La sua vittoria è stata vista come un grande colpo di scena perché competeva contro altre due candidate incredibilmente forti della stessa opera 3 Ha consolidato il suo status come una delle attrici drammatiche più dominanti a Broadway

D Chi ha battuto per vincere il premio
R Ha battuto le sue stesse colleghe di cast Leslie Uggams e Lillias White così come Quincy Tyler Bernstine e Susannah Flood

D Che ruolo ha interpretato in Purlie Victorious
R Ha interpretato il ruolo di Lutiebelle Gussie Mae Jenkins una giovane donna ingenua ma vivace che cerca di reclamare un’eredità

D Qual è stata la sua reazione alla vittoria
R La sua reazione è stata emotiva e gioiosa Era visibilmente scioccata e in lacrime sul palco tenendo un discorso sentito ringraziando il drammaturgo Ossie Davis la sua famiglia e i suoi colleghi di cast