Regissören Lear deBessonet, som gör sin debut som Lincoln Center Theaters nya konstnärliga ledare med denna månads återuppsättning av musikalen Ragtime på Vivian Beaumont-scenen, är inte främmande för tidsresor. Hennes första New York-produktion, som sattes upp i en kyrkkällare i Gramercy Park när hon var i tidiga tjugoårsåldern, var ett originalpjäs om Jerusalemsyndromet – en sällsynt form av religiös mani där besökare i det Heliga Landet tror att de är bibliska gestalter.

För att hitta inspiration till Ragtime, som utspelar sig i början av 1900-talet i och runt New York, träffades deBessonet och jag en ljus sensommarmorgon utanför Tenement Museum på Manhattans Lower East Side. I musikalen bor Tateh (spelad av Brandon Uranowitz), en konstnär som nyligen anlänt från Östeuropa, i en hyresfastighet nära där museet idag står.

När vi klev in anpassade mina ögon sig fortfarande till den dunkelt upplysta entrén med sitt plåttak och nötta träräcke när deBessonet upptäckte en målad dekor högst upp på den sotsvarta väggen: en liten, glödande oval som visade ett litet hus bland träd och fält under en klarblå himmel.

”Jag undrar vem som målade den”, sa hon medan vi betraktade den fredliga bilden – så annorlunda jämfört med de trånga, kvävande hallarna vi föreställde oss från för ett sekel sedan. Vi fick senare veta att konstnären var okänd – kanske en hyresgäst som bytte målarkonst mot lägre hyra, eller sökte tröst genom konst i en pastoral vision av den amerikanska drömmen.

Ragtime presenterar sin egen omfattande, komplexa vision av den amerikanska drömmen – dess bestående löfte och smärtan för dem som förnekats den – under det turbulenta tidiga 1900-talet. Baserad på E. L. Doctorows roman från 1975 följer den kalejdoskopiska berättelsen tre familjer: ett välbärgat vitt par och deras barn, en splittrad svart familj som försöker återförenas kring en nyfödd, och en judisk invandraranvända och hans unga dotter. Deras liv flätas samman med varandra och med historiska gestalter som anarkisten Emma Goldman, vaudevillestjärnan Evelyn Nesbit och medborgarrättsledaren Booker T. Washington.

Berättelsen börjar i förstaden New Rochelle, där Mother (Caissie Levy) tar farväl av Father (Colin Donnell), en fyrverkeritillverkare och amatörupptäckare som ansluter sig till amiral Pearys arktiska expedition. När deras skepp avgår passerar det ett ”trasskepp” på väg till Ellis Island med Tateh och hans dotter (Tabitha Lawing). Samtidigt vänds Mothers ordnade liv upp och ner när hon hittar en övergiven svart baby i sin trädgård och erbjuder skydd till både barnet och hans desperata mor, Sarah (Nichelle Lewis). Snart börjar barnets far, Coalhouse Walker Jr. (Joshua Henry) – en begåvad afroamerikansk pianist som en gång friade till Sarah med ragtime-musik men sedan gjorde henne orätt – köra från Harlem varje söndag för att vinna tillbaka henne.

Är det då någon överraskning att det går fruktansvärt illa? Terrence McNallys originalmanus och Lynn Ahrens texter tycks förebåda dagens splittrande politiska retorik: Amiral Peary hänvisar till invandrare från ”avträdesländer”; bankiren J.P. Morgan skryter om män som ”gör ett land stort”; Tateh, en nyinvandrare, har sin dotter i koppel, livrädd för att bli separerad från henne. Lägg till rasism, celebritetsfixering och polisbrutalitet, så har du ingredienserna till en modern amerikansk tragedi.

Ändå bär Stephen Flahertys episka partitur – som följer karaktärernas förvandlingar genom synkoperad ragtime, skärande jazzdissonans, sorgesamma sorgevisor, gripande ballader och klezmer-influerade inslag – också på glimtar av hopp och motståndskraft. Den vidlyftiga och generöst amerikanska klangen, som påminner om Aaron Copland, bär i sig en känsla av längtan och hopp.

RÖDT ALARM
Regissören Lear deBessonet, klädd i Gabriela Hearst.

Uppe på Tenement Museum utforskade deBessonet och jag lägenheten från cirka 1902 som tillhörde Jennie och Harris Levine, ett ryskt-judiskt par som drev en konfektionsfabrik samtidigt som de uppfostrade sina fem barn i dessa tre små rum. Regissören hämtade inspiration till sina scenografier från Levine familjs oxblodsfärgade skåp och ljusblå tryckta tapeter. I grannlägenheten, som fortfarande var under restaurering, rördes jag till tårar av några enkla leksaker som grävt fram: fyra glaskulor och en liten docka, inte större än ett barnfinger, tillverkad av svart metall. (Fullständig redovisning: Enligt familjeberättelser föddes och växte min avlidne far upp i en hyresfastighet precis över gatan, där han bodde med sina föräldrar och sex syskon i två trånga rum.)

Under lunch på Russ & Daughters Cafe strax nedanför gatan – jag åt kall borsjtj; deBessonet valde rökt lax, ägg och latkes – berättade min entusiastiska följeslagare om att växa upp i Baton Rouge, där hon upptäckte en passion för regi i tidig ålder. Hon rekryterade sin yngre syster, grannbarn och till och med familjehunden till improviserade föreställningar. Idag bor hon i Brooklyn med sin man och deras två små barn. På fritiden njuter hon av grannskapets potluck-middagar, hejar på sin sons basebollmatcher och sjunger i en lokal kör.

Hon spårade sitt intresse för teater som en kollektiv strävan – hon grundade och drev Public Works, ett hyllat program på New Yorks Public Theater i nästan nio år, som sammanför samhällsgrupper och professionella skådespelare i storskaliga produktioner – tillbaka till vad hon kallade barndomens ”teatrala textur”. Hon beskrev det som ”den ständiga närvaron av evenemang som Mardi Gras, fotbollsmatcher och kyrkan, som är fyllda av prakt, musik och färg, och sammanför människor i alla åldrar och från alla bakgrunder”.

Under sitt första år vid University of Virginia reste deBessonet till New York för att se den ursprungliga Broadwayproduktionen av Ragtime, med en legendarisk ensemble som inkluderade Brian Stokes Mitchell, Audra McDonald, Marin Mazzie och en 11-årig Lea Michele. (Musikalen vann flera Tony Awards, bland annat för McDonald som Sarah, Terrence McNallys manus, Lynn Ahrens texter och Stephen Flahertys musik.)

McDonald – som precis avslutat en bred hyllad Broadwaykörning som Momma Rose i Gypsy när vi talade – mindes början av 1998 års produktion. ”Jag visste att jag var del av något speciellt redan från den allra första workshopen, när vi hörde ’Wheels of a Dream’”, sa hon. ”Det fanns en elektrisk energi i rummet. Vi närmade oss slutet av ett millennie och hoppades att showen på något sätt skulle hjälpa samhället framåt.”

För deBessonet hade showen ”den här episka kvaliteten, som fångade människors och historiens rörelser, samtidigt som den berättade djupt personliga historier med emotionell närhet”, mindes hon. ”Att se hur musiken i showen fick historiens smärta och drömmar att kännas verkliga var revolutionerande för mig. Jag tänkte, Det är den sortens teater jag vill skapa.”

Hon besökte staden igen under vårterminen i sista året, då en slumpmässig träff på LaGuardia Airport med Anne Bogart, en inflytelserik gestalt inom experimentell teater, ledde till ett tillfälligt jobb som assistent åt Bogart. Denna erfarenhet gav henne självförtroende att flytta till New York. Men att slå sig in som regissör visade sig utmanande. ”Det finns inga provspelningar för regissörer”, förklarade deBessonet. ”Vem kommer att ge dig resurser, människor att arbeta med eller en plats?” Så hon kämpade, arbetade med dagjobb – inklusive nattskift på en illegal pokerklubb – medan hon satte upp pjäser i kyrkkällare och på tak. Så småningom gjorde hon sig ett namn med sin 2007-produktion av Bertolt Brechts SPå PS122 såg hon en produktion av ”Saint Joan of the Stockyards”, men vad verkligen slog henne var publikens smala demografi. Denna erfarenhet bränsle hennes samhällsarbete, senast genom One Nation/One Project – ett samarbete som involverar borgmästarkontor, hälsocentraler och lokala konstnärer i 18 amerikanska städer, alla skapade verk som hade premiär samma dag förra sommaren. Inspirerad av 1930-talets Federal Theatre Project och dess regissör Hallie Flanagan, som hon kallar ”den mest visionära figuren i amerikansk teaterhistoria”, delar deBessonet Flanagans tro att alla förtjänar konst som en del av vardagslivet.

Efter fem år som konstnärlig ledare för Encores!, en serie som återupplivar klassiska musikal på New York City Center, ansluter sig deBessonet nu till Lincoln Center Theater. I oktober förra året, runt valet, körde hennes produktion av ”Ragtime” i två veckor och möttes av glödande recensioner. Publik och kritiker fann djup emotionell resonans i karaktärernas ideal och besvikelser, som nådde bortom politiken.

Som Mother framför Caissie Levy ”Back to Before”, en rörande, tidig feministisk ballad om kärlek och förändring. Levy beskriver den som ”en av dessa ikoniska låtar som säger så mycket om var vi står som kvinnor, som människor, som ett samhälle”. Shaina Taub repriserar sin roll som Emma Goldman, som hon kallar en ”aktivistdoula” för att väcka den politiska medvetenheten hos Mothers yngre bror, spelad av Ben Levi Ross. Taub noterar att Goldman, som frodades inför publiker, delade deBessonets syn på teaterns sociala roll: ”Hon kallade sina tal för sin ’ekstatiska sång’ och skrev en bok om hur teater håller upp en kraftfull spegel för samhället.”

Med 33 ensemblemedlemmar och ett 28-mannas orkester är ”Ragtime” ett stort projekt för vilken regissör som helst. Men Brandon Uranowitz, som spelar Tateh och är en Tony-vinnande skådespelare, säger att under deBessonets samhällsinriktade ledarskap känns erfarenheten meningsfull: ”Det är som ett samhälle med ett budskap. Att vara i en så stor ensemble är som ett stort tillitsfall – vi litar helt på varandra.”

Ragtime-musiken i sig är central för pjäsens inverkan, inte bara en bakgrund. Joshua Henry, som spelar Coalhouse Walker Jr., förklarar: ”Musiken rör sig som en fråga Amerika ställde till sig självt då: Hur hanterar vi dessa människor, och vilka blir vi?” För Henry talar Coalhouses kraftfulla sena ballad, ”Make Them Hear You”, direkt till våra splittrade tider: ”Hur ser och hör vi varandra i så komplicerade ögonblick?”

För deBessonet ligger svaret i en djup tro på teaterns helande kraft. ”Det kommer från en frigörelse av sanning”, säger hon. ”Det handlar om hur vi skapar heligt utrymme när vi fokuserar tillsammans på att lyssna och ta emot en berättelse. ’Ragtime’ är en epos med hela den emotionella skalan – en musikal av idéer, passion, våld, romantik, sociala rörelser, tragedi och hoppet som finns i gemenskap och kampen för rättvisa.”

I denna story:
Hår av Miwako Urasugi
Smink av Marco Campos
Skräddarsytt av Alanna Beneroff
Producerat av Modem Creative

Vanliga frågor och svar
Självklart. Här är en lista med vanliga frågor om den nya återuppsättningen av Ragtime på Broadway, utformad för att vara till hjälp för både nykomlingar och erfarna teaterentusiaster.



Allmän information



F: Vad handlar Ragtime om?

S: Det är en musikal som väver samman berättelserna om tre olika grupper i Amerika i början av 1900-talet: en välbärgad vit förstadsfamilj, en svart musiker från Harlem och en lettisk-judisk invandrare. Den behandlar teman som rasism, invandring och social förändring.



F: Är detta en ny musikal eller en återuppsättning?

S: Det är en återuppsättning. Den ursprungliga produktionen öppnade på Broadway 1998 och var en stor succé som vann flera Tony Awards. Detta är en ny produktion för en ny publik.



F: När och var spelas den?

S: Den kommer till Broadway. Den specifika teatern och exakta datumen för förhandsvisningar och premiär kommer att annonseras av produktionsbolaget. Håll ett öga på officiella Broadwaynyhetskällor för uppdateringar.



F: Vem är med i ensemblen och kreativa teamet?

S: Rollbesättning och det fullständiga kreativa teamet annonseras vanligtvis närmare starten av förhandsvisningarna. Denna information kommer att publiceras brett på showens officiella webbplats och sociala medier.



För dem som är nya till showen



F: Jag har aldrig hört talas om Ragtime. Varför är denna återuppsättning så stor?

S: Musikalen är baserad på en berömd roman av E.L. Doctorow och har ett kraftfullt, älskat partitur. Den anses vara en klassiker. En återuppsättning är en stor sak eftersom den ger en ny generation chansen att se en hyllad show som talar direkt till många frågor som fortfarande är relevanta idag.



F: Vilken typ av musik finns i den?

S: Partituret av Stephen Flaherty och Lynn Ahrens är en vacker blandning av traditionell Broadway, ragtime, gospel och folkmusik. Det är mycket svängigt och känslomässigt.



F: Är den lämplig för barn?

S: Showen behandlar mogna teman, inklusive rasistiskt våld och död. Den rekommenderas generellt för äldre tonåringar och vuxna. Du bör kontrollera den officiella innehållsvägledningen när den släpps.



Relevans och teman



F: Varför beskrivs den som slående relevant?