Det är en vacker junidag, och Arlene Shechet visar mig runt i sin studio i Kingston, ungefär två timmar norr om New York City. "Här är vår lilla familj av kedjesågar", säger hon. Det är ett förtjusande oväntat sätt att börja rundturen, och passande för en konstnär vars skulpturer som kombinerar keramik, trä och metall har gjort henne till en av de mest innovativa levande skulptörerna.
Den 5 000 kvadratmeter stora lokalen är imponerande mångsidig. Den har nästan alla verktyg man kan tänka sig, plus en metallverkstad, en specialbyggd trätorkningsugn, ett område för dator- och pappersmodellering, hyllor staplade med backar av lera, och en fridfull innergård omgiven av betongväggar. "Mitt eget lilla LA i Kingston", skämtar hon om innergården.
Shechet, 75, har haft en studio i Kingston i 10 år, fyra av dem i denna lokal. Det är här hon gör sina stora verk. Hon har fortfarande en studio i Woodstock, där hon bott i över två decennier, men hon—eller snarare, hennes verk—hade vuxit ur den. "Det är uppför en grusväg, väldigt svårt att flytta skulpturer, vilket jag tyckte var rätt idé för att hålla mig under kontroll", säger hon med ett listigt leende. "Men jag tappade kontrollen."
I det här fallet är det en bra sak. Hennes utställning "Girl Group" från 2024 på Storm King, som förde sex svävande skulpturer till Hudson Valleys konstpark, hyllades som en triumf. (En recension i The New York Review sa: "Som collagekonstnär och sammansmältare, som kolorist, som formgenerator och som en rejäl feministisk hjältinna har Shechet få jämlikar.") Det var hennes första gång att göra utomhusskulpturer i en sådan monumental skala, men för Shechet—vid den tiden mest känd för att lyfta keramiskt arbete till konstens finrum—kändes det som en naturlig förlängning av en praktik rotad i att tänja gränser.
I höst följer Shechet upp Storm King med "She Said She Said", nu visad på Pace Gallery i Chelsea. För utställningen har hon gjort tre nya monumentala skulpturer—två i den färgrika, whimsiska stilen från "Girl Group" och en i Corten, hennes första gång med det väderbeständiga stålet—tillsammans med en svit av utomjordiska keramiska installationer.
Installationsvy av "Arlene Shechet: She Said She Said" på 508 & 510 West 25th Street, New York, NY.
Foto: Med tillstånd av Pace Gallery
"Varje verk har många år bakom sig, där jag låter det vara, kommer tillbaka till det, låter det vara igen", säger Shechet. Detta obraskade tillvägagångssätt producerar skulpturer som överraskar från varje vinkel. Man kan inte förstå hela historien från bara en synvinkel.
Ta Eve, det första verket man möter när man kommer in i främre galleriet. Med sina 16 fot är det det högsta av de nya verken (mätt till tummen för att passa rummet) och målat i bleka gröna och gråblå toner, "som början på saker", säger Shechet. Högst upp på ena sidan finns en liten slingrande urklippning i aluminiumet, en belöning för den som tittar hela vägen upp. Vid basen stöder en silverklump som liknar en tillplattad litchi en svepande sektion av terrasserad metall. Det hela påminner mig om en vattenrutschbana som Dr. Seuss skulle ha tänkt sig den.
Arlene Shechet, Eve, 2026, svetsad och gjuten aluminium, epoxi-uretanfärg, 16' × 9' 2" × 7' 6".
Foto: © Arlene Shechet. Med tillstånd av Pace Gallery
Det krävs både intuition och full gas av självförtroende för att öppna en utställning med ett verk så massivt och galet. "Ingen skulle installera det största verket längst fram; det måste vara längst bak eller i mitten", säger Marc Glimcher, Paces VD, under en pressvisning. "Hon visste att det måste vara längst fram."
Förbi Eve finns den vibrerande Jewel, en havsgrönfärgad konfekt med lager som krullar sig och kolliderar. Liksom Eve är dess delar av svetsad aluminium formade för hand, inte i formar. Spår av mänsklig beröring har länge varit viktiga för Shechet, oavsett vilket material hon använder.
Längst bak i rummet finns Flo, ett verk i Cortenstål. Det är ett under av kaskadformade former, var och en lite sned: nästan ovaler, inte riktigt trianglar, och vad som ser ut som ett par ben som landar, redo att dansa. Varje tum är förenad i en vacker naturlig patina, strimmig som tigereye—ett resultat av den väderpåverkan den utstått ute på innergården i Kingston. Det är det vackra med Corten: "Den målar sig själv", säger Shechet. Liksom med sina tidigare metallverk på Storm King tar hon ett traditionellt manligt material (Corten förknippas mest med Richard Serra) och injicerar det med en feminin känslighet, vilket visar sig i de rundade formerna och till och med i titeln. Flo är en nick till Florine Stettheimer, en tidig 1900-talsmålare som, förklarar Shechet, "hade en frihet som så många kvinnliga konstnärer inte hade."
Arlene Shechet, Flo, 2026, Cortenstål, 10' 1¼" × 7' 1" × 6' 8½". Foto: © Arlene Shechet. Med tillstånd av Pace Gallery
Även Shechet har länge gått sin egen väg. Född 1951 i Forest Hills, Queens, har hon alltid varit intresserad av att sätta ihop saker. "Jag tog inte syslöjd. Jag tog träslöjd", säger hon. Hon var den enda flickan i den klassen. Hon studerade vid New York University för grundutbildning, sedan Rhode Island School of Design (RISD) för forskarutbildning. Hon och hennes man uppfostrade sina två barn först i Tribeca, där hon hade en studio i källaren, och sedan i Woodstock, dit familjen flyttade 2002. Hon undervisade på RISD och Parsons, och jonglerade arbete med moderskap och sin egen praktik. Det var inte lätt. "Jag stod ut med mycket", säger hon. Konstvärlden var inte alltid snäll mot kvinnor, än mindre mot mödrar. "Folk skrev bara av dig."
Under åren utvecklades hennes konst från mindre lerföremål hon kunde göra i sin källare i Tribeca till större och mer komplicerade skapelser med en blandning av material, inklusive glas, gjutjärn och betong. En 20-årsöversikt av hennes verk 2015 på Institute of Contemporary Art i Boston hyllades av kritiker och hjälpte konstnären att se hur hennes varierade material och tillvägagångssätt hänger samman. "Jag blev verkligen slagen av hur sammansydda alla dessa olika verk var på sätt jag inte sett förut", säger hon. Hon har hållit sig sysselsatt, jagat sina oändliga nyfikenheter med residens hos den tyska porslinstillverkaren Meissen med start 2012, vilket ledde till en avslöjande utställning på The Frick, första gången det museet ställde ut en samtida konstnär, och badrumsinredningsjätten Kohler 2017, varefter hon gjorde sin offentliga konstdebut i Madison Square Park.
Installationsbild av "Arlene Shechet: She Said She Said" på 508 & 510 West 25th Street, New York, NY. Foto: Med tillstånd av Pace Gallery
I ett gallerirum intill det främre rummet på Pace finns 14 keramiska verk, en serie med titeln Touching Ground. Det är första gången Shechet använt den antika tekniken terra sigillata ("förseglad jord" på latin), där lera raffineras om och om igen för att göra en slipa av så fin kvalitet att den är praktiskt taget vattentät. Under Romerska riket användes terra sigillata för att ge en skyddande glans åt vaser och servis. Det finns poesi i att avsluta leran med ett lager av sitt eget ultrarenade material, säger Shechet. "Det är en mycket elegant komplement." Hon inspirerades delvis av Agnes Martin, som målade i tunna lager för att uppnå sina gripande ränder och rutnät.
Touching Ground-verken är övningar i juxtaposition: på något sätt både biomorfa och helt främmande, med texturer som varierar från glansiga till sandpapper. Arkitekturen ser mosig ut. "De är halvt fallande, och det är vad jag verkligen gillar", säger Shechet när hon visar mig några i sin studio i juni. Färgerna sträcker sig från beige och blågrå till hi-vis orange till midnattsvart, med gott om luftiga luckor för att förhindra att de känns för täta. På Pace är några inbäddade i väggarna eller utskjutande à la Donald Judd, medan andra står ovanpå stålbasar. Ofta ser de ut som om de skurits på mitten, med insidan blottad. "För en keramiker att framgångsrikt avslöja insidan är lite mot reglerna", säger Glimcher, "vilket alltid är Arlenes favoritsak att göra: vad som helst som är mot reglerna." Arlene Shechet, Touching Ground: Like A Book, 2026, terra sigillata, glaserad keramik och stål, 23½" × 27¾" × 7¾". Foto: © Arlene Shechet. Med tillstånd av Pace Gallery. Experimenterande är verkligen djupt inbäddat i Shechets praktik—det har det alltid varit. Hon behövde inte ta sig an ett nytt material (Corten) eller teknik (terra sigillata) vid denna punkt i sin karriär. Men att glida på rutin ligger inte i hennes natur. Genom att förbli närvarande i studion—ett buddhistiskt koncept hon värdesätter högt—förblir hon öppen för vad som än bubblar upp. Det är den röda tråden i allt hennes arbete. "Jag kan överraska mig själv", säger hon och ser sig omkring i sin studio. "Det är saken. Jag måste hålla mig intresserad och överraskad." "Arlene Shechet: She Said She Said" visas på Pace Gallerys lokaler på 508 och 510 West 25th Street till och med den 24 oktober 2026.
Vanliga frågor
Vanliga frågor Förflutet och framtid möts i Arlene Shechets utomjordiska skulpturer
Nybörjarfrågor
Vem är Arlene Shechet
En amerikansk skulptör född 1951 i New York City Hon är känd för lekfulla färgrika skulpturer som blandar material som keramik trä och metall på oväntade sätt
Vad gör hennes skulpturer utomjordiska
De kombinerar bekanta former med främmande drömlika former klumpiga keramikformer som växer ut ur slät metall starka färger på grova ytor De ser ut som föremål från en annan planet som ändå känns konstigt bekanta
Vad betyder förflutet och framtid möts i hennes arbete
Hon parar antika tekniker med moderna industriella material och processer Gammalt och nytt existerar sida vid sida i ett verk
Vilka material använder hon
Lera porslin trä stål aluminium brons färg och gjuten metall ofta allt i en enda skulptur
Varför är hennes arbete viktigt
Hon bröt ner hierarkin som rankade keramik som hantverk och skulptur som fin konst Hennes framgång hjälpte keramik att få seriöst erkännande i samtida konstmuseer och gallerier
Var kan jag se hennes arbete
Stora museer som Metropolitan Museum of Art Whitney och Los Angeles County Museum of Art Hon har också haft offentliga uppdrag inklusive verk i New York Citys parker
Mellanliggande frågor
Hur kombinerar hon faktiskt gamla och nya tekniker
Hon bygger keramiska former för hand med traditionella metoder och låter dem sedan gjutas i brons eller aluminium eller kombinerar dem med tillverkad stål Hon använder också digitala verktyg som 3D-scanning och -utskrift för att översätta mellan material
Hur ser hennes kreativa process ut
Den är intuitiv och experimentell Hon arbetar i sin studio utan en fast plan och låter leran vägleda henne Hon beskriver det som ett samtal med materialet hon svarar på vad som händer snarare än att tvinga fram en design
Varför blandar hon så många olika material
Kontrasterna skapar spänning och överraskning En glansig keramisk klump på en tung stålbalk får dig att ifrågasätta vad som är naturligt vs industriellt ömtåligt vs permanent Den friktionen är poängen
Vilka är några av hennes mest kända verk