Nous venons tout juste de dépasser la mi-2026, et il y a déjà une tonne d'excellente musique à montrer pour cela. Ça a été une année particulièrement chargée pour les pop stars : Charli xcx a sorti deux albums—l'un étant le réflexif et obsédant Les Hauts de Hurlevent, et l'autre un virage vers le rock. Pendant ce temps, Harry Styles a mis à bon usage toutes ces heures passées aux concerts de LCD Soundsystem sur le dansant Kiss All the Time, Disco Occasionally, tandis qu'Olivia Rodrigo a retracé les hauts et les bas d'une relation vouée à l'échec sur you seem pretty sad for a girl so in love—son œuvre la plus mature à ce jour.

Nous avons aussi vu des retours très attendus, du premier album de BTS après avoir terminé leur service militaire obligatoire, aux réflexions profondes de Phoebe Bridgers sur l'amour et la perte dans le folk évocateur Lost Weekend, en passant par la suite tant attendue de Madonna à Confessions.

Si quoi que ce soit, 2026 s'annonce comme une année de sorties marquantes. Slayyyter reçoit enfin la reconnaissance qu'elle mérite avec WOR$T GIRL IN AMERICA (il suffit de regarder son public à Lollapalooza !), les hits dancefloor de Fcukers sur Ö leur ont valu une première partie sur la tournée de Styles, et le disque de synth-pop des années 80 de Haute & Freddy, Big Disgrace—avec un sens du style baroque—a reçu des éloges immédiats.

Ci-dessous, découvrez les choix du personnel de Vogue pour les meilleurs albums de 2026 jusqu'à présent.

Arca, XXXXX

Même si Arca n'a pas sorti d'album depuis près de cinq ans, elle n'a cessé de façonner la pop, plus récemment avec sa reprise de "Aquamarine" d'Addison Rae—"Arcamarine." Alors quand la nouvelle de son dernier album, XXXXX, est arrivée sans aucun single, je ne savais pas à quoi m'attendre. Ses sorties précédentes, la trilogie en trois parties kick i–iii, nous ont donné de tout, du reggaeton et du neoperreo aux pièces de piano improvisées. Dès le morceau d'ouverture, "No End", j'ai été ravie d'entendre Arca revenir à ses racines : une musique électronique de danse expérimentale percutante. Peu d'artistes peuvent créer des morceaux de danse qui donnent autant envie de réfléchir que de bouger, et cet album fait exactement cela. Il est rempli de percussions cliquetantes, de synthés en dents de scie ludiques et de la signature sonore d'Arca, prouvant une fois de plus qu'elle et SOPHIE partageaient une ADN musicale similaire. —Chelsea Daniel

BTS, Arirang

Oubliez les Grammys—BTS a sorti l'un des meilleurs albums de l'année avec Arirang, leur dixième album studio et le premier depuis que les sept membres ont terminé leur service militaire obligatoire en Corée du Sud. Honnêtement, leur premier retour après le service militaire n'avait pas besoin d'être extraordinaire ; il aurait été facile pour eux de revenir avec les mêmes gros hits pop et radiophoniques qu'ils faisaient avant leur pause. Au lieu de cela, ils sont revenus à leurs racines rap et hip-hop qui les ont distingués au début, et ont construit sur cette base avec tout ce qu'ils ont appris sur l'utilisation de leurs voix uniques. Il y a tant à aimer ici : "Body to Body" est un frisson (et l'interpolation de clôture Arirang fait un moment live incroyable), tandis que "Like Animals" et "Normal" les voient explorer un vibe alt-rock intéressant (la façon dont V chante "Got me feelin' things unusual" sur ce dernier est sérieusement accrocheuse). Ils sont audacieux et stupides, pointus et doux, tout à la fois. Dans l'ensemble, Arirang est un instantané captivant d'où BTS a été et où ils espèrent aller. —P. Claire Dodson

Bladee, Sulfur Surfer

Bladee nous emmène dans un voyage médiéval (notez le clavecin sur "Fox & Birch") avec son nouvel album, produit par Whitarmor. Le paysage est varié, à la fois spirituel et physique, s'étendant sur terre et sur mer, grâce aux contributions de style marin de Current 93. Le thème "souffrir pour être vivant" est attendu ; le côté hard rock de l'avatar de Bladee sur la pochette et le son strident de "Blondie" sont plus surprenants. (La façon dont il prononce la phrase "Sulfur surfer, saint usurper" sur ce morceau est un moment fort.) Bladee n'est pas un chevalier en armure brillante sur cet album. Je l'imagine comme un personnage pris entre un roman gothique et The Matrix—un moine errant en robe à capuche avec une corde nouée, ou un méchant en cuir qu'on ne voudrait pas croiser dans une ruelle sombre. Contrairement à l'ironie apparente de "I Don't Like People", il y a un côté assoiffé de sang dans Sulfur Surfer ; un choc d'envies de violence et de rédemption, des ténèbres brisées par la lumière. Fidèle à lui-même, les répliques acérées de Bladee atterrissent avec une livraison aussi douce et sucrée que l'hydromel, portée par sa voix éthérée. Les harmonies sont angéliques. C'est surtout un album luxuriant dans lequel s'enfoncer ; "Blondie", pour moi, est un morceau auquel on peut chanter. Je vois Sulfur Surfer comme un graffiti sonore—écrit avec une plume. —Laird Borrelli Persson

Charli xcx, Music, Fashion, Film
Il y avait quelque chose d'astucieusement incisif dans le retour de Charli XCX après la surcharge culturelle de Brat avec "Rock Music", un premier single fort et gratté à la guitare qui déclarait la piste de danse morte. Non pas parce qu'elle avait tourné le dos à la pop, mais parce que cela capturait une idée centrale du monde XCX : faire de la musique qui frappe le moment avant même que le moment ne sache que ça arrive. Sur Music, Fashion, Film, Charli, Finn Keane et AG Cook démêlent soigneusement comment fonctionne la célébrité pop, mais ce sont les plongées étonnamment profondes dans certaines de nos vérités humaines les plus compliquées—l'ego, le plaisir, l'échec, la quête d'un magnifique nouveau sac à main pour combler le vide—qui frappent le plus fort. "Card Declined" est le succès discret. "Wink Wink" est Charli à son meilleur : stupide, sexy et consciente d'elle-même. "No One Lasts Forever", avec David Cronenberg, capture le double sens central de l'album : rien ne dure, et pour un artiste—ou n'importe qui, vraiment—c'est la liberté ultime. —Anna Cafolla

Charli xcx, Les Hauts de Hurlevent
Qu'on l'aime ou qu'on la déteste, la version 2026 des Hauts de Hurlevent d'Emerald Fennell, une chose est sûre—Charli xcx comprend vraiment le célèbre roman gothique d'Emily Brontë. Je dirais même que c'est la meilleure interprétation depuis la chanson de Kate Bush de 1978 du même nom. D'une manière ou d'une autre, elle a réussi à mélanger le son alt-cyber-pop que nous aimons chez cette icône britannique avec les thèmes autrefois scandaleux du livre. Je n'ai jamais—et ne verrai jamais—le roman gothique comme une romance (aucune excuse !), mais plutôt comme un conte d'avertissement sur l'obsession, l'enchevêtrement et les cycles d'abus. Charli réussit cela avec des morceaux viraux comme "House" (que j'appellerais une relecture précise du piège d'Isabella qui épouse Heathcliff) et des bangers entraînants comme "Dying for You" (vous vous souvenez quand Heathcliff a déterré la tombe de Cathy pour la voir ? Beurk !). Un autre moment fort, "Seeing Things", capture l'élément fantomatique et spectral qui était clé dans le livre et largement absent du film. —Conçetta Ciarlo

Drake, Maid of Honour
J'adore Drake. Je pourrais blâmer le fait d'être canadien, mais ce ne serait pas honnête—la vérité est qu'il est tout simplement trop bon, et cet album le prouve. Sans doute le meilleur des trois albums qu'il a sortis le même jour en mai, Maid of Honour m'a porté en douceur vers un été de plaisir. C'est l'un des meilleurs disques de danse que j'aie entendus depuis longtemps—plein de beats éclectiques et de paroles accrocheuses et ludiques. Mes préférés sont "Road Trips", l'un des morceaux les plus populaires, ainsi que "Stuck", "Goose and The Juice" et "Princess", qui closent l'album sur une note profondément nostalgique—mais indéniablement hype. —Fred Sahai

Ear, Rumspringa
Jonah Paz et Yaelle de Ear se sont rencontrés à Bard College et vivent dans le nord de l'État de New York, mais ils ont enregistré cet album dans une banlieue de Copenhague pendant l'hiver. Le titre fait référence à un rituel de passage à l'âge adulte masculin, mais les méthodes analogiques partiellement utilisées par le duo suggèrent un retour à quelque chose de passé et ludique, peut-être même enfantin—bien que la musique montre une réelle croissance dans l'ensemble. Les styles de production acoustique et électronique sont glitchy et pourraient être décrits comme une approche gorp-core de l'hyperpop, mélangée à des éléments mignons et twee qui correspondent au vibe nostalgique du milieu des années 2000. (Le livre de Marc Spitz Twee : La révolution douce dans la musique, les livres, la télévision, la mode et le cinéma est sorti en 2014.) Le morceau titre donne l'impression de donner un coup de pied à un caillou le long d'une route ou de regarder la poussière flotter dans un rayon de lumière. —LBP

Fcukers se rapprochent du grand public depuis quelques années, mais le duo new-yorkais Shanny Wise et Jackson Walker Lewis pourrait enfin avoir percé avec leur dernier projet, Ö. Ils emmènent leur son électronique inspiré des années 90 et teinté de reggae en tournée, en première partie de Harry Styles sur sa tournée Together, Together. Avec Ö, sorti en mars, Fcukers livrent un vibe cool et détaché posé sur des beats accrocheurs qui vous hypnotisent presque. Pourtant, il y a un côté joueur et arrogant dans leur musique, comme sur "Shake It Up" quand Wise chante, "Tu m'aimes, je sais / Tu aimes quand je descends bas." Pensez-y comme à la bande-son parfaite pour une nuit sexy et moite sur la piste de danse. —Hannah Jackson

Glaive et Kurtains, God Save The Three

Une chose qui ressort tout de suite, c'est la quantité de chant sur le dernier album de l'artiste électronique glaive avec son ami et collaborateur kurtains. Il y a aussi des beats—les rythmes sombres influencés trap que glaive a perfectionnés sur ses excellentes sorties récentes (Y'all et May It Never Falter)—mais l'ambiance ici est plus douce, plus affectueuse et optimiste, avec des pauses balladiques à la guitare acoustique et au piano. Le tout est un hommage à l'amitié, au succès inattendu et à la fête. Les morceaux qui se démarquent incluent "The Front", "The Band" et "Let's Link Up and Die", mais allez directement à "The Troubles", le banger indéniable de l'album avec son refrain joyeux : "On a de l'argent, comme les Troubles, on le dépense au centre commercial." —Taylor Antrim

Good Sleepy, Constant Humming

L'emo punk ne disparaît jamais vraiment, et cette année il m'a frappé fort grâce à Good Sleepy, un quatuor de gars au milieu de la vingtaine de Worcester, dans le Massachusetts. Constant Humming fait suite à leurs débuts de 2021 eversinglelittlebit et à une série d'EP DIY auto-publiés avant cela. Tout cela était bon, mais c'est un grand pas en avant—l'ensemble de chansons le plus poli et le plus complet que le groupe ait fait. Dans la plus pure tradition emo, on a des moments de sincérité brute mélangés à des explosions bruyantes d'agressivité. Il y a quatorze morceaux, et certains des meilleurs arrivent plus tard (comme "Trap" et "Looming"). Je ne cesse de trouver des hymnes émotionnels à aimer. —TA

Grace Ives, Girlfriend

Grace Ives a beaucoup grandi depuis Janky Star de 2022. Sur son dernier album, Girlfriend, elle traite du fait de vieillir, de devenir plus sage et sobre. Sur "Avalanche", l'un des premiers moments forts de l'album, Ives équilibre l'honnêteté brute d'avoir touché le fond avec une production retenue, chantant, "Et je veux, veux, veux, et je prends, prends, prends / Me sentant désolée-pas-désolée pour le désordre que je fais," sur un beat clairsemé et incisif. Tout au long de Girlfriend, Ives examine comment d'autres parties de sa vie—des relations au respect de soi (et ne sont-ils pas souvent la même chose ?)—ont été liées à sa consommation de substances. Mais elle a fait la paix avec cela. Sur "Stupid Bitches", elle déclare triomphalement, "Mais les stupides salopes ne peuvent pas me blesser / Ouais, j'ai traversé l'aiguille maintenant, je vois / Je ne volerai pas en éclats dans l'après-coup / Je suis une balle sur le chemin d'une flèche." C'est brûlant et plein d'espoir—Ives à son meilleur. —HJ

Gracie Abrams, Daughter From Hell

Si The Secret of Us était Gracie Abrams ouvrant son journal intime, Daughter from Hell la trouve en train d'y retourner avec un stylo rouge. Le titre promet la rébellion, mais le règlement de comptes ici est surtout interne : Abrams revient sur les versions d'elle-même qui ont blessé les autres, sont restées trop longtemps, ont voulu trop, et se demande quoi en faire maintenant. "Je voyais clair autrefois, mais c'est injecté de sang," chante-t-elle, capturant ce sentiment de vision floue et de regret. Elle chante avec une qualité légère et enveloppante sur le morceau d'ouverture "Hit the Wall". "Men Like You"—un hymne de rupture amicale s'il en est—apporte une vraie morsure à sa livraison habituellement douce et aérienne. "Minibar", écrit avec Audrey Hobert, est l'explosion d'énergie tant attendue, et "Look At My Life" montre Abrams et son partenaire de production, Aaron Dessner des National, à leur plus audacieux et ludique. Après la ruée profondément personnelle de son dernier album, Daughter from Hell trouve Abrams à l'étape la plus difficile—et la plus gratifiante—de l'honnêteté et de la découverte de soi. —AC

Harry Styles, Kiss All the Time, Disco Occasionally

C'est quand j'ai vu pour la première fois cette photo de Harry Styles et Zoë Kravitz blottis devant le superclub berlinois Berghain à la lumière du matin, ayant probablement dansé pendant des heures, que j'ai su que nous étions promis à quelque chose de génial. Le quatrième album de Styles célèbre toutes ces heures passées à crier de joie dans les oreilles d'amis sur les pistes de danse et à chevaucher des beats techno profonds qui secouent le corps jusqu'à bien après le lever du soleil. Dès le début, le morceau d'ouverture "Aperture" nous donne le message éclatant de l'album : "Nous appartenons ensemble !" Il y a de délicieux morceaux de danse à combustion lente comme "Ready Steady Go", le "Dance No More" inspiré de Nile Rodgers, et le richement superposé "Are You Listening Yet ?" dont je peux confirmer qu'il sonne incroyablement en live. "Pop" est un centre hypnotique—comme "As It Was" ou "Watermelon Sugar"—et le morceau de clôture "Carla's Song" ne demande qu'à être accompagné d'une énorme et spectaculaire pluie de confettis. —AC

Haute & Freddy, Big Disgrace

Je craque pour un album pop plein de hits, et si vous n'avez pas encore découvert le duo Haute & Freddy, vous passez sérieusement à côté. Après des années à écrire des chansons accrocheuses pour d'autres grands artistes—dont Katy Perry, Britney Spears et Kylie Minogue—les deux musiciens se sont lancés en solo, et ils arrivent armés de leurs propres morceaux prêts pour la danse, lourds en synthés style années 80. Venez pour leurs hymnes de club comme "Dance the Pain Away" et "Scantily Clad" ; restez pour leur mode excentrique et stylée et leurs clips artistiques, pleins de looks vintage inspirés des clowns. —Christian Allaire

HC et Subaru, Bygdetrapen

Ces deux artistes norvégiens de 22 ans et leur album ont été l'une des surprises les plus rafraîchissantes de mon 2026. Ils ont un son vraiment unique—pas du tout poli—et un concept intelligent. Bygdetrapen se traduit par "trap rural". "On a pensé que ce serait cool de faire ce genre de hip-hop dur dans, genre, ce dialecte bizarre qui n'a vraiment rien à voir avec le hip-hop du tout," m'a dit Subaru. Les meilleurs amis viennent de Bø, une petite ville rurale avec une culture automobile juvénile animée appelée råning ou rægging. Selon Wikipédia, le dialecte local a des racines vikings, ce qui le rend très difficile à comprendre, mais comme HC et Subaru chantent sur leurs amis non seulement en dialecte mais aussi en argot local, les paroles seraient probablement déroutantes de toute façon. La qualité chaude et flexible de la voix de Subaru adoucit la livraison nette et mécanique de la voix distinctive de HC. Dans l'ensemble, l'album a une énergie motrice ainsi qu'une atmosphère obsédante, semblable à un carnaval. Gud de Sad Boys a produit "Ettan Laus", qui combine un élan incessant avec des carillons délicats ; Woesum de Drain Gang, avec Stacy, est derrière "Vreimsida", qui a un vibe danse folk rencontre Midsommar. Écoutez Bygdetrapen—ce n'est peut-être pas votre truc, mais vous n'avez rien entendu de tel. —LBP

Jessie Ware, Superbloom

Un ami m'a fait découvrir Ware au cours de la dernière année environ, et je suis devenue captivée par ses voix soyeuses et son son luxuriant et groovy des années 70. En avril, elle a sorti Superbloom, qui la confirme solidement dans son style établi—décadent, presque indulgent. L'expérience d'écoute globale a une sensualité veloutée et chatoyante. C'est sexy, sensuel et tout à fait séduisant. L'épine dorsale est un beat de danse pulsant, mais il est superposé de voix soyeuses et ludiques. Un moment fort pour moi est "Sauna", qui mélange des beats nets avec une respiration lourde. "Je n'ai pas besoin de vite, j'ai besoin de plus fort, emmène-moi au sauna," halète Ware. Okay, maman ! J'ai hâte de la voir en live cet automne. —Max Berlinger

Kelela, new avatar
J'admets, je suis nouvelle dans le monde de Kelela. J'ai entendu "LMK" pour la première fois à sa sortie en 2017 ; il est resté dans ma bibliothèque musicale pendant des années, mais je n'y ai pas vraiment été attirée ni par grand-chose d'autre d'elle jusqu'à ce que Raven sorte en 2023. Ce projet m'a plongée dans une transe sonore et m'a laissée attendre avec impatience son prochain mouvement. Et voilà : new avatar. Juste au moment où le monde (et moi) avions besoin de son vibe R&B contemporain et plein d'âme, associé à son layering éthéré, Kelela a livré exactement cela et plus encore. Un sentiment de nostalgie mêlé à l'estime de soi traverse son travail, et il brille sur le dernier morceau (et un favori personnel), "if we meet again", où elle chante une relation manquant d'efforts, et la phrase "playing in my face" prend le devant de la scène au sein des mélodies vocales les plus angéliques. Ce que j'admire le plus dans l'art de Kelela, c'est que chaque collaboration semble intentionnelle—bien que je ne refuserais jamais un duo PinkPantheress x Kelela. Dans l'ensemble, new avatar prouve que vous pouvez apporter l'été de la fille triste au club (ou simplement vous détendre). —Edgar Gatsinzi

Kim Petras, Detour
Après près d'une décennie d'attente, le véritable premier album de Kim Petras, Detour, est enfin arrivé, et ma fille, ça valait la peine d'attendre. L'album est une explosion sonore de production maximaliste et de paroles tentaculaires, touchant à tout, des virées sans fin aux luttes des débuts de sa transition. Nous avons même un morceau approuvé par le maire de New York, Zohran Mamdani, avec "I Like Ur Look" ! Pour les fans de longue date, cet album ressemble moins à un détour qu'à un retour à la maison, alors qu'elle déambule à travers les sons pour lesquels nous la connaissons tout en améliorant ses compétences de pop star. Les moments sincères de l'album sont émouvants, rapidement suivis de bangers dancefloor qui frappent fort (dans le bon sens). "101" se démarque comme un morceau sur la personne qui ne veut jamais que la fête se termine, avec des montées de production qui taquinent un final avant de changer les choses et de pousser les auditeurs à se relever. "Basketball" est un rappel que le génie de SOPHIE perdure. Cet album prouve qu'avec une équipe de production stellaire et un contrôle créatif total, Kim Petras est une force avec laquelle il faut compter dans la pop. —Edward Horgan

Logan, angels
Une de mes découvertes cette année est le premier album complet de l'artiste électronique logan, qui sort aussi des morceaux sous le nom de heylog. Il mélange beats, samples, distorsion et voix traitées sur des morceaux qui se situent quelque part entre le hip-hop, l'alt-rock et l'hyperpop. Angels est impitoyable, mélodique et agressif—Pocket Pet et Achilles sont des moments forts—une course sombre et fiévreuse de paysages sonores glitchy et tendus. —TAL

L'Rain, fata morgana
L'Rain est un pilier de la scène musicale de Brooklyn depuis ses débuts éponymes en 2017, qui ont présenté aux auditeurs son layering de guitare expérimental, son sampling textural et ses voix obsédantes. Depuis, l'artiste—dont le nom de scène et le projet sont inspirés par sa défunte mère—a sorti Fatigue et I Killed Your Dog, tous deux largement acclamés. Son nouveau projet, fata morgana, pousse son son vers de nouveaux territoires. "soulless cycle", l'un des premiers singles de l'album, penche vers un son plus granuleux, plus bruyant et plus chaotique à énergie libre tout en gardant la sensibilité mélodique qui est devenue sa signature. La chanson a une qualité cyclique, comme être coincé dans une boucle de pensées : "Je suis si fatiguée d'être si fatiguée ; je suis si désolée de me sentir si désolée ; psycho, je suis un cycle psycho, je suis un cycle psycho." D'autres morceaux qui se démarquent sont définitivement "glass ceiling", "borderline" et "july 5th", où elle s'associe à l'artiste dancehall Screechy Dan. Elle ajoute même une chanson metal surprise, qui est totalement addictive ! —CD

Madonna, Confessions II
Juste au moment où vous pensez que Madonna ne peut plus sortir un autre album plein de hits, la reine de la pop le refait. Sa suite très attendue de l'album de 2005 Confessions on a Dance Floor n'a pas déçu cet été. C'est vraiment une tracklist sans sauts. Sur "Danceteria", elle chante ses débuts en tant que club kid à New York. "Monte dans l'ascenseur—je tombe sur Debi Mazar !" Sur "Read My Lips", elle fait venir Feid pour un petit bop reggaeton. Même si l'album a un lourd vibe dance, Madonna livre aussi des moments tendres et intimes—comme "L.E.S. Girl", sur la nostalgie de ses jours plus jeunes et naïfs au début de sa carrière. Sa capacité à rester fraîche tout en se réinventant constamment prouve pourquoi elle est la reine. —CA

Muna, Dancing On The Wall
L'album éponyme de Muna de 2022, leur premier libéré de leur major et sorti sur Saddest Factory de Phoebe Bridgers, était un album pop de coming-out sans vergogne, rempli de touches country et de crochets brillants sur le fait de vivre sa vérité. Dancing on the Wall, sorti alors que l'été commençait à fleurir, s'est déployé avec des nuances plus sombres et plus sensuelles : les lignes de basse pulsent, et la riche gamme vocale de Katie Gavin oscille entre des falsettos planants et des plongées pop profondes. C'est un album sur le plaisir de soi et le plaisir partagé : "It Gets So Hot" est lubrique avec des synthés néon-lisses, "Wannabeher" un hommage flou et excité à Bikini Kill. Les chansons sur les peines de cœur et les schémas relationnels toxiques sont nettes et claires, même dans leurs illusions. Puis il y a "Big Stick" : leur morceau le plus politique et le plus moteur à ce jour, s'attaquant férocement à la cupidité et à la guerre sans retenue. Muna a aimé, DotW baise. —AC

Naomi Scott, F.I.G
F.I.G de Naomi Scott a été ma grande surprise de l'année—en partie parce que je n'avais aucune idée que Scott, qu'on peut se rappeler dans ses rôles principaux dans Aladdin et Smile 2, faisait même de la musique. Sur son premier album impressionnant de confiance et sérieusement stylé, elle mélange R&B, alt-pop et soul pour créer un autoportrait sonore sophistiqué mais aussi unique d'une "fille en devenir", comme elle l'a dit quand je lui ai parlé pour un article en juin. Je ne me souviens plus exactement comment je suis tombée dessus, mais ça a fini par être un de ces albums que je peux écouter n'importe où, n'importe quand, et il a une sérieuse valeur de réécoute. (Je ne serais pas surprise s'il finissait numéro un de mon Spotify Wrapped.) Je vous défie de trouver un refrain plus irrésistible que "Cherry" ou une ligne de basse plus groovy que "Gracie" sur n'importe quel autre album sorti cette année. —Liam Hess

Olivia Rodrigo, you seem pretty sad for a girl so in love
Je suis fan d'Olivia Rodrigo depuis ses jours Disney. Chacun de ses albums m'a touchée, donc j'étais forcément destinée à aimer son dernier aussi. Dans les mois précédant la sortie, avant que nous connaissions le nom de l'album, nous, les fans, pensions que ce serait un album joyeux sur l'amour—pour découvrir que Rodrigo livrerait encore des hits accrocheurs avec des paroles auxquelles nous, filles célibataires qui avons aussi des crushs internet sur des gens que nous stalkons sur Instagram, pouvons nous identifier ! —Irene Kim

Phoebe Bridgers, Lost Weekend
Quand, en juin, Phoebe Bridgers a joué devant une foule à guichets fermés et sans téléphones au Madison Square Garden, l'atmosphère pendant le set était étonnamment intime, vu l'échelle du lieu. Le public ce soir-là était très sage, heureux d'entendre Bridgers fredonner les vieilles chansons qu'ils connaissaient tous bien—"Motion Sickness", "Waiting Room", "Kyoto", "Moon Song"—plutôt que de crier les paroles eux-mêmes ; et à d'autres moments, des taches de lumière se sont répandues sur le sol de l'arène, éclairé non par des écrans, mais par des briquets qui se balançaient. En d'autres termes, ils comprenaient le but de la soirée : juste être là et ressentir quelque chose.

Sur son troisième album studio, Lost Weekend—qu'elle a fortement teasé au MSG, tissant sept nouvelles chansons parmi les familières—Bridgers est tout aussi immergée. Non seulement elle chante magnifiquement l'amour, le deuil et le fait de se sentir parfois un peu déconnectée de son propre corps (mes morceaux préférés sont "The Outside", "Kill Me", "Bobby" et "As Before"), mais elle fait aussi beaucoup de hurlements, de cris et de jappements sur ces sentiments. Ces ad-libs laissent les émotions passer comme un bruit humain brut, peu importe à quel point la production autour est polie. Je ne sais pas pour vous, mais c'est exactement le genre d'énergie brute que je veux d'un projet de Phoebe Bridgers. —Marley Marius

Robyn, Sexistential

La sortie de dernière minute de "Dopamine" de Robyn en décembre dernier promettait un 2026 sexy et insouciant. Bien que cela reste à voir, la chanteuse a certainement tenu sa part du marché avec Sexistential. Ce n'est pas tout aussi grivois que le titre le suggère, cependant. Robyn brille quand elle mélange le frisson du bon sexe avec le vide profond de la solitude. Alors que "Dopamine" et "Talk to Me" (surtout la nouvelle collaboration avec Zara Larsson) sont des hits dancefloor sans vergogne, le plus doux "It Don't Mean A Thing" offre un regard déchirant sur une relation qui s'est effondrée. Alors que Robyn réfléchit à ce qui étaient autrefois de joyeux souvenirs, sa voix fond et se déforme à travers le vocoder : "Ça ne veut rien dire / Ça n'a aucune importance du tout." —HJ

Slayyyter, WOR$T GIRL IN AMERICA

Quand j'ai parlé à Slayyyter en septembre dernier avant la sortie de son excellent troisième album, Worst Girl in America, elle m'a dit que le manque d'intérêt pour son précédent disque avait failli la faire abandonner la musique complètement. Dieu merci, elle ne l'a pas fait. Worst Girl in America est sans conteste l'un des meilleurs albums de l'année : un voyage granuleux, sordide et sauvage à travers de mauvaises romances, la nostalgie des années 2000 et des moments d'honnêteté émotionnelle étonnamment brute. Musicalement, c'est aussi un grand pas en avant pour Slayyyter, que ce soit dans la production impressionnante de détails qui passe de l'electroclash au rock pur, ou dans l'utilisation ludique de sa voix sur des morceaux comme "Cannibalism" et le morceau de clôture chargé d'émotion "Brittany Murphy". J'ai noté dans cet article qu'il semble que le monde est prêt pour exactement ce genre de pop star—alors j'ai été ravie de voir que, à en juger par les foules à son set remarquable à Lollapalooza, beaucoup de gens sont d'accord. C'est le moment de Slayyyter. —LH

The Rolling Stones, Foreign Tongues

Je suis évidemment partiale en ce qui concerne les Rolling Stones, puisque la seule chose que j'ai jamais voulu tatouer sur mon corps est leur logo (j'avais 23 ans). Mais