Hier sind die besten Alben des Jahres 2026 bisher.

Wir sind gerade über den Halbzeitpunkt des Jahres 2026 hinaus, und es gibt bereits eine Menge großartiger Musik, die sich sehen lassen kann. Es war ein besonders geschäftiges Jahr für Popstars: Charli xcx veröffentlichte zwei Platten – eine davon das reflektierende, eindringliche Wuthering Heights, und die andere ein Ausflug in den Rock. In der Zwischenzeit setzte Harry Styles all die Stunden, die er bei LCD-Soundsystem-Konzerten verbracht hatte, auf dem tanzbaren Kiss All the Time, Disco Occasionally gut ein, während Olivia Rodrigo auf you seem pretty sad for a girl so in love die Höhen und Tiefen einer zum Scheitern verurteilten Beziehung nachzeichnete – ihr bisher reifstes Werk.

Wir haben auch einige mit Spannung erwartete Comebacks gesehen, von BTS' erstem Album nach ihrem Pflichtwehrdienst bis zu Phoebe Bridgers' nachdenklichen Betrachtungen über Liebe und Verlust auf dem folkigen, eindrucksvollen Lost Weekend, und Madonnas lang erwartete Fortsetzung zu Confessions.

Wenn überhaupt, entwickelt sich 2026 zu einem Jahr für Durchbruchsveröffentlichungen. Slayyyter bekommt endlich die Anerkennung, die sie verdient, mit WOR$T GIRL IN AMERICA (schaut euch nur ihre Lollapalooza-Menge an!), Fcukers' Dancefloor-Hits auf Ö brachten ihnen einen Vorprogrammplatz auf Styles' Tournee ein, und Haute & Freddys 80er-Synth-Pop-Album Big Disgrace – komplett mit einem barocken Sinn für Stil – erntete sofortiges Lob.

Unten findet ihr die Auswahl der Vogue-Mitarbeiter für die besten Alben des Jahres 2026 bisher.

Arca, XXXXX

Obwohl Arca seit fast fünf Jahren kein Album mehr veröffentlicht hat, prägt sie weiterhin die Popmusik, zuletzt mit ihrer Interpretation von Addison Raes "Aquamarine" – "Arcamarine." Als also die Nachricht von ihrem neuesten Album, XXXXX, ohne Vorab-Singles eintraf, wusste ich nicht, was mich erwarten würde. Ihre früheren Veröffentlichungen, die dreiteilige kick i–iii-Trilogie, gaben uns alles von Reggaeton und Neoperreo bis hin zu improvisierten Klavierstücken. Vom Eröffnungstrack "No End" an war ich begeistert zu hören, dass Arca zu ihren Wurzeln zurückkehrt: harte, experimentelle elektronische Tanzmusik. Nur wenige Künstler können Tanzstücke machen, die einen genauso sehr zum Nachdenken anregen wie zum Bewegen, und diese Platte schafft genau das. Sie ist vollgepackt mit klickender Perkussion, verspielten Sägezahn-Synths und Arcas charakteristischem Sounddesign, was weiterhin beweist, dass sie und SOPHIE eine ähnliche musikalische DNA teilten. —Chelsea Daniel

BTS, Arirang

Vergesst die Grammys – BTS haben mit Arirang eines der besten Alben des Jahres veröffentlicht, ihr zehntes Studioalbum und das erste seit alle sieben Mitglieder ihren Pflichtwehrdienst in Südkorea abgeschlossen haben. Ehrlich gesagt, ihr erstes Comeback nach dem Militär musste nicht außergewöhnlich sein; es wäre einfach für sie gewesen, mit denselben großen, poppigen, radiofreundlichen Hits zurückzukehren, die sie vor ihrer Pause machten. Stattdessen gingen sie zurück zu den Rap- und Hip-Hop-Wurzeln, die sie früh ausgezeichnet haben, und bauten auf diesem Fundament mit allem auf, was sie darüber gelernt haben, ihre einzigartigen Stimmen einzusetzen. Es gibt so viel zu lieben hier: "Body to Body" ist ein Nervenkitzel (und die abschließende Arirang-Interpolation ergibt einen unglaublichen Live-Moment), während "Like Animals" und "Normal" sie dabei zeigen, eine interessante Alternative-Rock-Stimmung zu erkunden (die Art, wie V auf letzterem "Got me feelin' things unusual" singt, ist wirklich eingängig). Sie sind frech und albern, pointiert und süß, alles gleichzeitig. Als Ganzes ist Arirang eine fesselnde Momentaufnahme davon, wo BTS war und wohin sie hoffentlich gehen. —P. Claire Dodson

Bladee, Sulfur Surfer

Bladee nimmt uns mit auf eine mittelalterliche Reise (beachtet das Cembalo auf "Fox & Birch") mit seinem neuen Album, produziert von Whitarmor. Die Landschaft ist vielfältig, sowohl spirituell als auch physisch, erstreckt sich über Land und Meer, dank der seefahrerischen Beiträge von Current 93. Das "zu leiden, um am Leben zu sein"-Thema ist erwartet; die Hard-Rock-Kante von Bladees Avatar auf dem Cover und der schrille Sound von "Blondie" sind überraschender. (Die Art, wie er die Zeile "Sulfur surfer, saint usurper" auf diesem Track liefert, ist ein herausragender Moment.) Bladee ist kein Ritter in glänzender Rüstung auf diesem Album. Ich stelle ihn mir als eine Figur vor, die zwischen einem Gothic-Roman und The Matrix gefangen ist – ein wandernder Mönch in einer Kapuzenrobe mit einem geknoteten Seil oder ein in Leder gekleideter Schurke, dem man in einer dunklen Gasse nicht begegnen möchte. Anders als die scheinbare Ironie von "I Don't Like People" gibt es eine blutrünstige Kante an Sulfur Surfer; ein Aufeinandertreffen von Trieben nach Gewalt und Erlösung, Dunkelheit, die von Licht durchbrochen wird. Wie es seine Art ist, landen Bladees scharfe Zeilen mit einer Darbietung, die so glatt und süß wie Met ist, getragen von seiner ätherischen Stimme. Die Harmonien sind engelhaft. Dies ist größtenteils ein üppiges Album zum Eintauchen; "Blondie" ist für mich eines, zu dem man mitsingen kann. Ich sehe Sulfur Surfer als klangliches Graffiti – geschrieben mit einer Feder. —Laird Borrelli Persson

Charli xcx, Music, Fashion, Film
Es war etwas klug Scharfes daran, dass Charli XCX von der kulturellen Überlastung von Brat mit "Rock Music" zurückkam, einer lauten, gitarrenkratzenden ersten Single, die den Dancefloor für tot erklärte. Nicht weil sie dem Pop den Rücken gekehrt hatte, sondern weil es eine Kernidee der XCX-Welt einfing: Musik zu machen, die den Moment trifft, bevor der Moment überhaupt weiß, dass er passiert. Auf Music, Fashion, Film entwirren Charli, Finn Keane und AG Cook sorgfältig, wie Pop-Star-Ruhm funktioniert, aber es sind die überraschend tiefen Einblicke in einige unserer kompliziertesten menschlichen Wahrheiten – Ego, Vergnügen, Scheitern, die Jagd nach einer fabelhaften neuen Handtasche, um die Leere zu füllen – die am härtesten treffen. "Card Declined" ist der heimliche Höhepunkt. "Wink Wink" ist Charli in Bestform: albern, sexy und selbstbewusst. "No One Lasts Forever", mit David Cronenberg, fängt die zentrale Doppeldeutigkeit des Albums ein: Nichts hält ewig, und für einen Künstler – oder wirklich jeden – ist das die ultimative Freiheit. —Anna Cafolla

Charli xcx, Wuthering Heights
Ob man es liebt oder hasst, Emerald Fennells 2026er-Interpretation von Wuthering Heights, eines ist sicher – Charli xcx versteht Emily Brontës berühmten Gothic-Roman wirklich. Ich würde sogar sagen, es ist die beste Interpretation seit Kate Bushs gleichnamigem Lied von 1978. Irgendwie hat sie es geschafft, den Alt-Cyber-Pop-Sound, den wir an der britischen Ikone lieben, mit den einst skandalösen Themen des Buches zu verschmelzen. Ich habe den Gothic-Roman nie – und werde es nie – als Liebesgeschichte gesehen (keine Entschuldigungen!), sondern eher als Warnung vor Besessenheit, Verstrickung und Missbrauchskreisläufen. Charli trifft das mit viralen Tracks wie "House" (das ich als treffende Nacherzählung von Isabellas Falle in die Ehe mit Heathcliff bezeichnen würde) und energiegeladenen Bängern wie "Dying for You" (erinnert ihr euch, als Heathcliff Cathys Grab ausgrub, um sie zu sehen? Autsch!). Ein weiteres Highlight, "Seeing Things", fängt das geisterhafte, spektrale Element ein, das für das Buch entscheidend war und im Film größtenteils fehlte. —Conçetta Ciarlo

Drake, Maid of Honour
Ich liebe Drake. Ich könnte es darauf schieben, dass ich Kanadier bin, aber das wäre nicht ehrlich – die Wahrheit ist, er ist einfach zu gut, und diese Platte beweist es. Wohl das beste der drei Alben, die er im Mai am selben Tag veröffentlichte, trug mich Maid of Honour sanft in einen Sommer voller Spaß. Es ist eine der besten Dance-Platten, die ich seit langem gehört habe – voller eklektischer Beats und eingängiger, verspielter Texte. Meine Favoriten sind "Road Trips", einer der populäreren Tracks, zusammen mit "Stuck", "Goose and The Juice" und "Princess", die das Album auf eine zutiefst sehnsüchtige – doch unbestreitbar aufputschende – Note abschließen. —Fred Sahai

Ear, Rumspringa
Ears Jonah Paz und Yaelle trafen sich am Bard College und leben im Upstate New York, aber sie nahmen dieses Album in einem Vorort von Kopenhagen im Winter auf. Der Titel bezieht sich auf ein männliches Übergangsritual, aber die analogen Methoden, die das Duo teilweise verwendete, deuten auf eine Rückkehr zu etwas Vergangenem und Verspieltem hin, vielleicht sogar Kindlichem – obwohl die Musik insgesamt echtes Wachstum zeigt. Die akustischen und elektronischen Produktionsstile sind glitchig und könnten als eine Gorp-Core-Interpretation von Hyperpop beschrieben werden, gemischt mit niedlichen, tween Elementen, die zur Mid-2000er-Nostalgie passen. (Marc Spitz' Buch Twee: The Gentle Revolution in Music, Books, Television, Fashion, and Film erschien 2014.) Der Titeltrack fühlt sich an, als würde man einen Kieselstein eine Straße entlangtreten oder Staub in einem Lichtstrahl schweben sehen. —LBP

Fcukers haben sich in den letzten Jahren allmählich in den Mainstream vorgearbeitet, aber das New Yorker Duo Shanny Wise und Jackson Walker Lewis könnte mit ihrem neuesten Projekt, Ö, endlich den Durchbruch geschafft haben. Sie nehmen ihren von den 90ern inspirierten, von Reggae durchzogenen elektronischen Sound mit auf Tournee und eröffnen für Harry Styles auf seiner Together, Together-Tour. Mit Ö, das im März veröffentlicht wurde, liefern Fcukers eine coole, distanzierte Stimmung, die zu eingängigen Beats gesetzt ist, die einen fast hypnotisieren. Trotzdem gibt es eine verspielte, selbstbewusste Kante in ihrer Musik, wie auf "Shake It Up", wenn Wise singt: "You like me, I know / You like it when I get low." Denkt daran als den perfekten Soundtrack für eine sexy, verschwitzte Nacht auf der Tanzfläche. —Hannah Jackson

Glaive und Kurtains, God Save The Three

Eine Sache, die sofort auffällt, ist, wie viel Gesang es auf dem neuesten Album des Elektronik-Künstlers glaive mit seinem Freund und Kollaborateur kurtains gibt. Es gibt auch Beats – die dunklen, Trap-beeinflussten Rhythmen, die glaive auf seinen hervorragenden neueren Veröffentlichungen (Y'all und May It Never Falter) verfeinert hat – aber die Stimmung hier ist weicher, liebevoller und optimistischer, mit balladenartigen Unterbrechungen, die akustische Gitarre und Klavier zeigen. Das Ganze ist eine Hommage an Freundschaft, unerwarteten Erfolg und Feiern. Herausragende Tracks sind "The Front", "The Band" und "Let's Link Up and Die", aber geht direkt zu "The Troubles", dem unbestreitbaren Banger des Albums mit seinem freudigen Refrain: "We get money, like the Troubles, blow it at the mall." —Taylor Antrim

Good Sleepy, Constant Humming

Emo-Punk verschwindet nie wirklich, und dieses Jahr hat es mich hart getroffen dank Good Sleepy, einem Quartett von Männern Mitte zwanzig aus Worcester, Mass. Constant Humming folgt auf ihr 2021er-Debüt eversinglelittlebit und einer Reihe von selbstveröffentlichten DIY-EPs davor. Die waren alle gut, aber das ist ein großer Schritt nach vorne – die polierteste und vollständigste Sammlung von Songs, die die Band gemacht hat. In echter Emo-Manier bekommt man Momente roher Aufrichtigkeit gemischt mit lauten Ausbrüchen von lärmender Aggression. Es gibt vierzehn Tracks, und einige der besten kommen später (wie "Trap" und "Looming"). Ich finde immer wieder emotionale Hymnen zum Lieben. —TA

Grace Ives, Girlfriend

Grace Ives ist seit Janky Star von 2022 stark gewachsen. Auf ihrer neuesten Platte, Girlfriend, beschäftigt sie sich mit dem Älterwerden, Weiserwerden und Nüchternwerden. Auf "Avalanche", einem der frühen Highlights des Albums, balanciert Ives die rohe Ehrlichkeit des Tiefpunkts mit zurückhaltender Produktion aus und singt: "And I want, want, want, and I take, take, take / Feeling sorry-not-sorry for the mess that I make," über einem spärlichen, scharfen Beat. In Girlfriend untersucht Ives, wie andere Teile ihres Lebens – von Beziehungen bis zum Selbstrespekt (und sind das nicht oft dasselbe?) – mit ihrem Substanzkonsum verbunden waren. Aber sie hat Frieden damit geschlossen. Auf "Stupid Bitches" erklärt sie triumphierend: "But stupid bitches can't hurt me / Yeah, I've been through the needle now, I see / I won't shatter in the aftermath / I'm a bullet on an arrow's path." Es ist brennend und hoffnungsvoll – Ives in Bestform. —HJ

Gracie Abrams, Daughter From Hell

Wenn The Secret of Us Gracie Abrams war, die ihr Tagebuch aufschlägt, findet Daughter from Hell sie dabei, wie sie es mit einem roten Stift durchgeht. Der Titel verspricht Rebellion, aber die Abrechnung hier ist größtenteils intern: Abrams blickt auf die Versionen ihrer selbst zurück, die Menschen verletzt haben, zu lange blieben, zu viel wollten, und fragt sich, was sie jetzt mit ihnen anfangen soll. "I once saw clearly, but it's bloodshot," singt sie und fängt dieses Gefühl von verschwommener Sicht und Reue ein. Sie singt mit einer leichten, umhüllenden Qualität auf dem Album-Eröffner "Hit the Wall". "Men Like You" – eine Hymne für Freundschaftsbrüche, wenn es je eine gab – bringt echten Biss in ihre normalerweise weiche, luftige Darbietung. "Minibar", geschrieben mit Audrey Hobert, ist der dringend benötigte Energieschub, und "Look At My Life" zeigt Abrams und ihren Produktionspartner, den National's Aaron Dessner, in ihrer kühnsten und verspieltesten Form. Nach dem zutiefst persönlichen Rausch ihrer letzten Platte findet Daughter from Hell Abrams in der schwierigsten – und lohnendsten – Phase von Ehrlichkeit und Selbstentdeckung. —AC

Harry Styles, Kiss All the Time, Disco Occasionally

Es war, als ich zum ersten Mal das Foto von Harry Styles und Zoë Kravitz sah, wie sie im Morgenlicht vor Berlins Superclub Berghain kauerten, wahrscheinlich nach stundenlangem Tanzen, da wusste ich, dass uns etwas Großartiges bevorstand. Styles' viertes Album feiert all diese Stunden, in denen man Freunden Freude in die Ohren schrie und tiefe, körpererschütternde Techno-Beats bis weit nach Sonnenaufgang ritt. Gleich zu Beginn gibt uns der Eröffnungstrack "Aperture" die strahlende Botschaft des Albums: "We belong together!" Es gibt köstliche, langsam brennende Dance-Tracks wie "Ready Steady Go", das von Nile Rodgers inspirierte "Dance No More" und das reich geschichtete "Are You Listening Yet?", von dem ich bestätigen kann, dass es live erstaunlich klingt. "Pop" ist ein hypnotisierendes Herzstück – wie "As It Was" oder "Watermelon Sugar" – und der Abschluss "Carla's Song" bettelt geradezu um einen großen, spektakulären Konfettiregen. —AC

Haute & Freddy, Big Disgrace

Ich bin ein Sucker für ein Pop-Album voller Hits, und wenn ihr das Duo Haute & Freddy noch nicht entdeckt habt, verpasst ihr ernsthaft etwas. Nach Jahren, in denen sie eingängige Songs für andere große Künstler schrieben – darunter Katy Perry, Britney Spears und Kylie Minogue – haben sich die beiden Musiker selbstständig gemacht, und sie kommen bewaffnet mit ihren eigenen tanzfertigen Tracks, die schwer auf 80er-Synths setzen. Kommt für ihre Club-Hymnen wie "Dance the Pain Away" und "Scantily Clad"; bleibt für ihren skurrilen, stilvollen Modegeschmack und künstlerischen Musikvideos, voller Vintage-, Clown-inspirierter Looks. —Christian Allaire

HC und Subaru, Bygdetrapen

Diese beiden 22-jährigen norwegischen Künstler und ihr Album waren eine der erfrischendsten Überraschungen meines Jahres 2026. Sie haben einen Sound, der wirklich einzigartig ist – überhaupt nicht poliert – und ein kluges Konzept. Bygdetrapen bedeutet übersetzt "ländlicher Trap". "Wir dachten, es wäre cool, diese Art von hartem Hip-Hop in, wie, diesem seltsamen Dialekt zu machen, der wirklich nichts mit Hip-Hop zu tun hat," erzählte mir Subaru. Die besten Freunde stammen aus Bø, einer kleinen ländlichen Stadt mit einer lebendigen Jugend-Autokultur namens råning oder rægging. Laut Wikipedia hat der lokale Dialekt Wikinger-Wurzeln, was ihn sehr schwer verständlich macht, aber da HC und Subaru über ihre Freunde nicht nur im Dialekt, sondern auch in lokalem Slang singen, wären die Texte wahrscheinlich sowieso verwirrend. Die warme, flexible Qualität von Subarus Stimme weicht die scharfe, mechanische Darbietung von HCs unverwechselbarer Stimme auf. Insgesamt hat das Album eine treibende Energie sowie eine eindringliche, karnevaleske Atmosphäre. Sad Boys' Gud produzierte "Ettan Laus", das unerbittlichen Schwung mit zarten Glockenspielen verbindet; Drain Gangs Woesum, mit Stacy, stehen hinter "Vreimsida", das eine Folk-Tanz-trifft-Midsommar-Stimmung hat. Gebt Bygdetrapen einen Hör – es könnte nicht euer Ding sein, aber ihr habt noch nichts Vergleichbares gehört. —LBP

Jessie Ware, Superbloom

Ein Freund hat mich im letzten Jahr oder so auf Ware gebracht, und ich bin von ihrer glatten Stimme und ihrem üppigen, groovigen 70er-Sound fasziniert. Im April veröffentlichte sie Superbloom, das sie fest in ihrem etablierten Stil zeigt – dekadent, fast genießerisch. Das gesamte Hörerlebnis hat eine samtige, schimmernde Sinnlichkeit. Es ist sexy, sinnlich und insgesamt verführerisch. Das Rückgrat ist ein pulsierender Dance-Beat, aber es ist mit seidigen, verspielten Vocals geschichtet. Ein Highlight für mich ist "Sauna", das knackige Beats mit schwerem Atmen mischt. "I don't need fast, I need stronger, take me to the sauna," keucht Ware. Okay, Mama! Ich freue mich darauf, sie diesen Herbst live zu sehen. —Max Berlinger

Kelela, new avatar
Ich gebe zu, ich bin neu in Kelelas Welt. Ich hörte "LMK" zum ersten Mal, als es 2017 herauskam; es saß jahrelang in meiner Musikbibliothek, aber ich fühlte mich nicht wirklich davon oder von viel anderem von ihr angezogen, bis Raven 2023 herauskam. Dieses Projekt zog mich in eine klangliche Trance und ließ mich gespannt auf ihren nächsten Schritt warten. Betreten Sie: new avatar. Gerade als die Welt (und ich) ihre seelenvolle, zeitgenössische R&B-Stimmung brauchte, gepaart mit ihrer ätherischen Schichtung, lieferte Kelela genau das und mehr. Ein Gefühl von Sehnsucht gemischt mit Selbstwertgefühl zieht sich durch ihre Arbeit, und es scheint auf dem letzten Track (und einem persönlichen Favoriten), "if we meet again", wo sie über eine Beziehung singt, der es an Anstrengung mangelt, und der Satz "playing in my face" im Zentrum der engelhaftesten Gesangsmelodien steht. Was ich an Kelelas Kunst am meisten bewundere, ist, dass jede Kollaboration absichtsvoll wirkt – obwohl ich einen PinkPantheress x Kelela-Team-Up nie ablehnen würde. Insgesamt beweist new avatar, dass man den traurigen-Mädchen-Sommer in den Club bringen kann (oder einfach chillen). —Edgar Gatsinzi

Kim Petras, Detour
Nach fast einem Jahrzehnt des Wartens ist Kim Petras' wahres Debütalbum Detour endlich da, und Mädchen, es war die Wartezeit wert. Das Album ist eine klangliche Explosion maximalistischer Produktion und ausufernder Texte, die von endlosen Spritztouren bis zu frühen Übergangskämpfen reichen. Wir bekommen sogar einen Track, der von New Yorker Bürgermeister Zohran Mamdani abgesegnet wurde, mit "I Like Ur Look"! Für langjährige Fans fühlt sich dieses Album weniger wie ein Umweg an, sondern eher wie ein Heimkommen, da sie durch die Sounds stolziert, für die wir sie kennen, während sie ihre Popstar-Fähigkeiten verbessert. Die aufrichtigen Momente des Albums sind bewegend, schnell gefolgt von Dancefloor-Bängern, die hart treffen (im guten Sinne). "101" sticht als Track über die Person hervor, die nie will, dass die Party endet, mit Produktionsaufbauten, die ein Finale andeuten, bevor sie die Dinge umschalten und die Zuhörer dazu drängen, wieder aufzustehen. "Basketball" ist eine Erinnerung daran, dass SOPHIES Genie weiterlebt. Dieses Album beweist, dass Kim Petras mit einem hervorragenden Produktionsteam und voller kreativer Kontrolle eine Macht im Pop ist, mit der man rechnen muss. —Edward Horgan

Logan, angels
Eine meiner Entdeckungen dieses Jahr ist das Debütalbum des Elektronik-Künstlers logan, der auch Tracks als heylog veröffentlicht. Er mischt Beats, Samples, Verzerrung und verarbeitete Vocals auf Tracks, die irgendwo zwischen Hip-Hop, Alternative-Rock und Hyperpop liegen. Angels ist unerbittlich, melodisch und aggressiv – Pocket Pet und Achilles sind Highlights – ein dunkler, fieberhafter Lauf durch glitchige, angespannte Klanglandschaften. —TAL

L'Rain, fata morgana
L'Rain ist seit ihrem selbstbetitelten Debüt 2017 eine feste Größe der Brooklyn-Musikszene, das die Hörer mit ihrem experimentellen Gitarren-Layering, texturalem Sampling und eindringlichen Vocals bekannt machte. Seitdem hat die Künstlerin – deren Künstlername und Projekt von ihrer verstorbenen Mutter inspiriert sind – Fatigue und I Killed Your Dog veröffentlicht, beide weithin gelobt. Ihr neues Projekt, fata morgana, treibt ihren Sound in neues Terrain. "soulless cycle", eine der ersten Singles des Albums, neigt zu einem grittigeren, lauteren, chaotischeren Free-Energy-Sound, während die melodische Sensibilität erhalten bleibt, die zu ihrem Markenzeichen geworden ist. Der Song hat eine zyklische Qualität, wie in einer Gedankenschleife gefangen: "I am so tired of being so tired; I am so sorry for feeling so sorry; psycho, I'm a psycho cycle, I'm a psycho cycle." Andere herausragende Tracks sind definitiv "glass ceiling", "borderline" und "july 5th", wo sie mit dem Dancehall-Künstler Screechy Dan zusammenarbeitet. Sie wirft sogar einen überraschenden Metal-Song ein, der total süchtig macht! —CD

Madonna, Confessions II
Gerade wenn man denkt, Madonna kann unmöglich ein weiteres Album voller Hits veröffentlichen, tut es die Königin des Pop wieder. Ihre mit Spannung erwartete Fortsetzung zu Confessions on a Dance Floor von 2005 enttäuschte diesen Sommer nicht. Es ist wirklich eine No-Skips-Liste. Auf "Danceteria" singt sie über ihre frühen Tage als Club-Kid in New York City. "Get into the elevator—I run into Debi Mazar!" Auf "Read My Lips" holt sie Feid für einen leicht reggaetonigen Bop dazu. Obwohl das Album eine schwere Dance-Stimmung hat, liefert Madonna auch einige zarte und intime Momente – wie "L.E.S. Girl", über die Sehnsucht nach ihren jüngeren, naiveren Tagen zu Beginn ihrer Karriere. Ihre Fähigkeit, frisch zu bleiben, während sie sich ständig neu erfindet, beweist, warum sie die Königin ist. —CA

Muna, Dancing On The Wall
Munas selbstbetiteltes Album von 2022, ihr erstes ohne Major-Label und veröffentlicht bei Phoebe Bridgers' Saddest Factory, war ein unapologetisches Coming-out-Pop-Album, voller Country-Anklänge und glänzender Hooks über das Leben seiner Wahrheit. Dancing on the Wall, veröffentlicht als der Sommer zu blühen begann, entfaltete sich mit dunkleren, sinnlicheren Schattierungen: Basslinien pulsieren, und Katie Gavins reicher Stimmumfang schwingt von schwebenden Falsettos bis zu tiefen Pop-Swoops. Es ist eine Platte über Selbstlust und geteilte Lust: "It Gets So Hot" ist lüstern mit Neon-glatten Synths, "Wannabeher" eine verschwommene, geile Bikini-Kill-Hommage. Songs über Herzschmerz und toxische Beziehungsmuster sind scharf und klar, sogar in ihren Wahnvorstellungen. Dann ist da "Big Stick": ihr politischster und treibendster Track bisher, der Gier und Krieg ohne Zurückhaltung angreift. Muna liebte, DotW fickt. —AC

Naomi Scott, F.I.G
Naomi Scotts F.I.G war meine große Überraschung des Jahres – teilweise weil ich keine Ahnung hatte, dass Scott, die man vielleicht aus ihren Hauptrollen in Aladdin und Smile 2 kennt, überhaupt Musik macht. Auf ihrem beeindruckend selbstbewussten und ernsthaft stilvollen Debütalbum mischt sie R&B, Alternative-Pop und Soul, um ein anspruchsvolles, aber auch einzigartiges klangliches Selbstporträt eines "Mädchens im Prozess" zu schaffen, wie sie sagte, als ich sie im Juni für eine Geschichte sprach. Ich kann mich nicht genau erinnern, wie ich darauf gestoßen bin, aber es wurde eines dieser Alben, die ich überall und jederzeit hören kann, und es hat ernsthaften Wiederspielwert. (Ich wäre nicht überrascht, wenn es auf Platz eins meines Spotify Wrapped landen würde.) Ich fordere euch heraus, einen unwiderstehlicheren Refrain als "Cherry" oder eine groovigere Basslinie als "Gracie" auf einem anderen Album zu finden, das dieses Jahr veröffentlicht wurde. —Liam Hess

Olivia Rodrigo, you seem pretty sad for a girl so in love
Ich bin ein Olivia-Rodrigo-Fan seit ihren Disney-Tagen. Jedes ihrer Alben hat mich getroffen, also war ich sicher, dass ich auch ihr neuestes genießen würde. In den Monaten vor der Veröffentlichung, bevor wir den Namen des Albums kannten, dachten wir Fans, es würde ein glückliches Album über Liebe sein – nur um festzustellen, dass Rodrigo immer noch eingängige Hits mit nachvollziehbaren Texten für uns Single-Mädchen liefern würde, die auch Internet-Schwärme für Leute haben, die wir auf Instagram stalken! —Irene Kim

Phoebe Bridgers, Lost Weekend
Als Phoebe Bridgers im Juni vor einem ausverkauften, handyfreien Publikum im Madison Square Garden spielte, war die Atmosphäre während des Sets überraschend gemütlich, angesichts der Größe des Ortes. Das Publikum an diesem Abend war sehr brav, glücklich, Bridgers die alten Songs, die sie alle gut kannten – "Motion Sickness", "Waiting Room", "Kyoto", "Moon Song" – säuseln zu hören, anstatt die Texte selbst zu schreien; und an anderen Momenten breiteten sich Lichtpunkte über den Boden der Arena aus, nicht durch Bildschirme, sondern durch schwingende Feuerzeuge. Mit anderen Worten, sie verstanden den Sinn des Abends: einfach da sein und etwas fühlen.

Auf ihrem dritten Studioalbum, Lost Weekend – das sie im MSG stark angeteasert hatte, indem sie sieben neue Songs unter die vertrauten webte – ist Bridgers genauso vertieft. Sie singt nicht nur wunderschön über Liebe, Trauer und manchmal das Gefühl, ein wenig von ihrem eigenen Körper getrennt zu sein (meine Lieblingstracks sind "The Outside", "Kill Me", "Bobby" und "As Before"), sondern sie jault, schreit und jippt auch reichlich über diese Gefühle. Diese Ad-libs lassen die Emotionen als rohes, menschliches Geräusch durchkommen, egal wie poliert die Produktion um sie herum ist. Ich weiß nicht, wie es euch geht, aber genau diese Art von roher Energie will ich von einem Phoebe-Bridgers-Projekt. —Marley Marius

Robyn, Sexistential

Die Last-Minute-Veröffentlichung von Robyns "Dopamine" im letzten Dezember versprach ein sexy, sorgloses 2026. Während das noch in der Schwebe ist, hat die Sängerin definitiv ihren Teil des Deals mit Sexistential eingehalten. Es ist nicht alles so derb, wie der Titel vermuten lässt. Robyn glänzt, wenn sie den Nervenkitzel von gutem Sex mit der tiefen Leere der Einsamkeit verbindet. Während "Dopamine" und "Talk to Me" (besonders die neue Zara-Larsson-Feature) unapologetisch geile Dancefloor-Hits sind, bietet das weichere "It Don't Mean A Thing" einen herzzerreißenden Rückblick auf eine Beziehung, die auseinanderfiel. Als Robyn auf einst glückliche Erinnerungen zurückblickt, schmilzt und verzerrt ihre Stimme durch den Vocoder: "It don't mean a thing / It don't matter at all." —HJ

Slayyyter, WOR$T GIRL IN AMERICA

Als ich letzten September mit Slayyyter vor der Veröffentlichung ihres fantastischen dritten Albums, Worst Girl in America, sprach, erzählte sie mir, dass das mangelnde Interesse an ihrer vorherigen Platte sie fast dazu gebracht hätte, mit der Musik ganz aufzuhören. Gott sei Dank tat sie das nicht. Worst Girl in America ist leicht eines der besten Alben des Jahres: eine düstere, schmierige, wilde Fahrt durch schlechte Romanzen, Nostalgie für die 00er und Momente überraschend roher emotionaler Ehrlichkeit. Musikalisch ist es auch ein großer Schritt nach vorne für Slayyyter, sei es in der beeindruckend detaillierten Produktion, die zwischen Electroclash und vollem Rock wechselt, oder im verspielten Einsatz ihrer Stimme auf Tracks wie "Cannibalism" und dem emotional aufgeladenen Abschluss "Brittany Murphy". Ich bemerkte in diesem Stück, dass es sich anfühlt, als wäre die Welt bereit für genau diese Art von Popstar – also war ich begeistert zu sehen, dass, nach den Mengen bei ihrem herausragenden Lollapalooza-Set zu urteilen, viele Leute zustimmen. Es ist Slayyyter Moment. —LH

The Rolling Stones, Foreign Tongues

Ich bin offensichtlich voreingenommen, wenn es um die Rolling Stones geht, da das Einzige, was ich je auf meinem Körper t