Ist queeres Kino eine Meditation über verbotene Liebe, wie sie in Filmen wie Tea and Sympathy oder Maurice erkundet wird? Wird es definiert durch den rauen, DIY-Geist von Derek Jarman in den 1980er Jahren oder die New Queer Cinema-Bewegung der 1990er Jahre, angeführt von Regisseuren wie Gregg Araki und Gus Van Sant? Oder finden sich die besten Beispiele im neuen Zeitalter des queeren Kinos, das wir im 21. Jahrhundert erleben, da große Studios endlich LGBTQ+-Geschichten auf der Leinwand unterstützen und Filme wie Barry Jenkins' Moonlight den Oscar für den besten Film gewinnen?
Am Ende des Tages liegt die Magie des queeren Films in seiner Fähigkeit, sich zu verändern und anzupassen. Es kann eine herzergreifende Geschichte über zwei trans Sexarbeiterinnen sein, die auf einem iPhone gedreht wurde, wie Sean Bakers Tangerine; ein fesselnder Dokumentarfilm, der Licht auf einen vergessenen Teil der queeren Geschichte wirft, wie Jennie Livingstones tiefes Eintauchen in die Ballroom-Kultur in Paris is Burning; oder ein opulenter Studiofilm mit einer hochkarätigen Hollywood-Besetzung, wie Tom Fords A Single Man. Hier haben wir all unsere Lieblings-LGBTQ+-Filme versammelt, von übersehenen Underground-Perlen bis hin zu protzigen, hochbudgetierten Spektakeln.
Pillion (2025)
Harry Melling und Alexander Skarsgård in Pillion.
Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Schnell und unverfroren versaut, folgt Harry Lightons Pillion Colin (Harry Melling), einem schüchternen schwulen Mann, der bei seinen Eltern in den Londoner Vororten lebt und sich plötzlich in einer Sub-Dom-Beziehung mit Ray (Alexander Skarsgård) wiederfindet, dem launischen und etwas mysteriösen Mitglied einer lokalen schwulen Bikergang. Das Ergebnis ist eine bemerkenswert originelle und überraschend bewegende Geschichte der Selbstfindung. —Marley Marius
Love Lies Bleeding (2024)
Katy O'Brian und Kristen Stewart in Love Lies Bleeding.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Kristen Stewart und Katy O'Brian glänzen in diesem queeren Krimi-Thriller über eine Bodybuilderin auf dem Weg zu einer Convention in Los Angeles, die sich in eine Fitnessstudiobesitzerin verliebt. Bald holt sie die kriminelle Vergangenheit ihrer Familie ein und bedroht beide. Mehr Filme über extrem muskulöse Lesben, bitte! —Emma Specter
I Saw the TV Glow (2024)
Justice Smith und Brigette Lundy-Paine in I Saw the TV Glow.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung von A24
Jane Schoenbruns A24-Debüt dreht sich um zwei einsame Highschool-Kids, die von einer nächtlichen TV-Show besessen werden, die (brillant, möchte ich hinzufügen) als Allegorie für trans Identität und Zugehörigkeit fungiert. In seiner Rezension lobte Vogue-Vize-Chefredakteur Taylor Antrim den Film als Paradebeispiel für "unheimliches, sehnsüchtiges, durchdringlich nostalgisches Independent-Filmemachen". Hoffentlich werden wir in Zukunft noch viele weitere queere und trans Filme von Schoenbrun haben, mit denen wir ihn vergleichen können. —ES
Bottoms (2023)
Ayo Edebiri und Rachel Sennott in Bottoms.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Zwei unbeliebte queere Highschool-Schülerinnen gründen einen Fight Club, um ihren Cheerleader-Schwärmen näher zu kommen, in dieser vulgären, leicht lächerlichen und entzückend temporeichen Komödie von Shiva Baby-Regisseurin Emma Seligman. Die gesamte Besetzung ist perfekt, aber Ayo Edebiri könnte die Herausragende sein, wenn sie einen rechten Haken landet. —ES
Fire Island (2022)
Matt Rogers, Zane Phillips, Tomas Matos, Joel Kim Booster, Torian Miller und Bowen Yang in Fire Island.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Diese (sehr lockere) Adaption von Jane Austens Stolz und Vorurteil von Regisseur Andrew Ahn und Autor und Star Joel Kim Booster folgt einer Gruppe schwuler Freunde auf ihrem jährlichen Sommerausflug zum ikonischen queeren Urlaubsort Fire Island. Sie erkennen bald, dass ihre sonnigen Tage gezählt sein könnten. Es gibt viel Romantik in Fire Island, aber der Film glänzt wirklich in seiner Darstellung der Höhen und Tiefen queerer Freundschaft. —ES
Tár (2022)
Cate Blanchett in Tár.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Focus Features
Es ist schwer, sich einen queeren Film der letzten Zeit vorzustellen, der mehr Diskussionen ausgelöst hat als Tár, Todd Fields psychologisches Drama über eine weltberühmte Dirigentin, die mit Fehlverhaltensvorwürfen konfrontiert wird. Cate Blanchett verleiht Lydia Tár so viel Bandbreite und Tiefe, dass die Figur nie wie eine einfache Schurkin wirkt. Die Erkundung von Queerness und Geschlecht ("Ich bin Petras Vater", schon vergessen?) ist ebenfalls zum Nachdenken anregend. Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass Mitglieder der LGBTQ+-Gemeinschaft durchaus in der Lage sind, Schaden anzurichten. —ES
Benediction (2021)
Jeremy Irvine und Jack Lowden in Benediction.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Jack Lowden liefert eine weitere kraftvolle Leistung als Siegfried Sassoon, ein dekorierter WWI-Soldat, der zum Regierungskritiker und gefeierten Dichter wurde, in Terence Davies' Benediction. Der Film wechselt zwischen scharfem Witz und tiefer Traurigkeit und folgt Sassoon (und seinen Liebesaffären), während er sich durch Englands aristokratische, literarische und Theaterkreise der Nachkriegszeit bewegt, auf der Suche nach einer Art Erlösung. —Lisa Wong Macabasco
The Power of the Dog (2021)
Kodi Smit-McPhee und Benedict Cumberbatch in The Power of the Dog.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Netflix
Im Montana der 1920er Jahre angesiedelt, erkundet The Power of the Dog die Spannungen und Geheimnisse, die entstehen, als ein wohlhabender Rancher (Jesse Plemons) seine neue Frau (Kirsten Dunst) und ihren Sohn (Kodi Smit-McPhee) zu sich holt, um mit seinem grobschlächtigen Cowboy-Bruder (Benedict Cumberbatch) zu leben. Diese langsam brennende Betrachtung toxischer Männlichkeit erhielt 12 Oscar-Nominierungen. Jane Campions Film löste Debatten darüber aus, ob er eine "schöne, undefinierbare Queerness" oder "ein Queer-Problem" habe, sowie Diskussionen über heterosexuelle Schauspieler, die queere Charaktere spielen. —LWM
Disclosure (2020)
Laverne Cox in Disclosure.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Laverne Cox erzählt diesen Dokumentarfilm über die Geschichte der Trans-Darstellung auf der Leinwand. Er zeigt Trans-Prominente wie Alexandra Billings, Trace Lysette, Michaela Jaé Rodriguez, Zackary Drucker, Lilly Wachowski und Ser Anzoategui, die diskutieren, wie – und ob – sich die Erfahrungen von trans und geschlechtsnonkonformen Menschen in Hollywood in den letzten Jahrzehnten verändert haben. —ES
Shiva Baby (2020)
Molly Gordon und Rachel Sennott in Shiva Baby.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Brigade Publicity
Wer ist gestorben? Spielt das eine Rolle? Von Emma Seligman, Shiva Baby ist eine Komödie, die für ihre einzigartige Geschichte, ihren cleveren Dialog und ihre herausragenden Leistungen bekannt ist – besonders von Molly Gordon, Dianna Agron und Star Rachel Sennott. Sennott spielt Danielle, eine bisexuelle College-Studentin im Abschlussjahr, die mit ihrer Familie Schiwa sitzt, nachdem sie mit ihrem Sugar Daddy geschlafen hat. Aber ihr Sugar Daddy ist auch bei der Schiwa, zusammen mit seiner "Malibu-Barbie"-Frau und dem schreienden Kind, und auch danielles Ex-Freundin ist da. Klug und düster komisch, fühlt sich Shiva Baby bereits wie ein Klassiker an. —Gia Yetikyel
Portrait of a Lady on Fire (2019)
Noémie Merlant und Adèle Haenel in Portrait of a Lady on Fire.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Bereits darin geübt, aufkeimendes queeres Begehren auf der Leinwand einzufangen – sehen Sie sich 2007 Water Lilies und 2011 Tomboy an, falls Sie es noch nicht getan haben – schuf Céline Sciamma mit Portrait of a Lady on Fire ihren bis dahin schwungvollsten romantischen Film. Dieses Historiendrama schöpft außergewöhnliche Emotionen aus perfekter Zurückhaltung. Noémie Merlant spielt Marianne, eine Künstlerin, die damit beauftragt wird, das Porträt einer jungen Frau (Adèle Haenel) zu malen, die an einen italienischen Adligen verheiratet werden soll. Als die beiden Frauen langsam Freundinnen werden, verwandelt sich diese Freundschaft in eine kurze, aber leidenschaftliche Liebesaffäre – und in einige der atemberaubendsten Filmaufnahmen des Jahrzehnts. —MM
Rafiki (2018)
Sheila Munyiva und Samantha Mugatsia in Rafiki.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Benannt nach dem Swahili-Wort für "Freund", folgt dieses kenianische Drama von Wanuri Kahiu zwei jungen Frauen in Nairobi, die flirten und schließlich eine Romanze in einer Gemeinschaft mit strengen Anti-Homosexuell-Gesetzen aufbauen. (Traurigerweise sind diese Gesetze nur allzu real – Rafiki ist in Kenia verboten.) Der Film ist hell, berauschend, intim und voller Farbe. Wenn man ihn einmal gesehen hat, ist die Beziehung zwischen Kena und Ziki schwer zu vergessen. —ES
The Miseducation of Cameron Post (2018)
Forrest Goodluck, Sasha Lane und Chloe Grace Moretz in The Miseducation of Cameron Post.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Desiree Akhavan ist bekannt für ihre lebendige Darstellung des zeitgenössischen queeren Lebens in ihrer TV-Serie The Bisexual, aber in diesem Film geht sie das dunkle Thema der Konversionstherapie an... mit verheerender Wirkung. Chloë Grace Moretz spielt eine junge Frau, die in ein christliches Konversionstherapiecamp namens God's Promise geschickt wird, nachdem sie beim Sex mit einem Mädchen auf dem Homecoming-Ball erwischt wurde. Ihrer Reise durch das Trauma hin zur heilenden Kraft der queeren Gemeinschaft zuzusehen, fühlt sich zutiefst bedeutsam an. —ES
Duck Butter (2018)
Das Poster für Duck Butter.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Die Chemie zwischen Alia Shawkat und Laia Costa springt einem förmlich entgegen in diesem unbeschwerten, aber nachdenklichen Film. Er folgt zwei Frauen, die beschließen, 24 Stunden miteinander zu verbringen, um zu sehen, ob sie das näher zusammenbringen kann. (Das tut es, aber nicht so, wie man erwarten würde.) —ES
120 BPM (2017)
Nahuel Perez Biscayart in 120 BPM.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Angesiedelt in einer leidenschaftlichen, aber zerstrittenen Gruppe von HIV/AIDS-Aktivisten im Frankreich der frühen 90er Jahre, fängt 120 BPM einen entscheidenden Wendepunkt in der LGBTQ+-Geschichte ein, als ACT UPs radikale, direkte Aktion die Sache in den Mainstream trieb. Aber darüber hinaus ist es eine fröhliche, energiegeladene Reise durch die Musik (und ja, den Sex), die die Bewegung antrieb, angeführt von atemberaubenden Darbietungen von Nahuel Pérez Biscayart, Arnaud Valois und Adèle Haenel. Der Film ist ebenso herzzerreißend wie letztlich inspirierend. —Liam Hess
Call Me By Your Name (2017)
Timothée Chalamet in Call Me by Your Name.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Angesiedelt in Norditalien im Jahr 1983, erzählt Call Me by Your Name die Geschichte der Romanze zwischen dem Teenager Elio (Timothée Chalamet) und einem gutaussehenden jungen amerikanischen Doktoranden (Armie Hammer), der mit Elis Archäologenvater arbeitet. In goldenes Licht getaucht, mit gemütlichen Mahlzeiten im Freien und gestohlenen sinnlichen Momenten, erhielt der Film vier Oscar-Nominierungen (darunter Bester Film und Bester Hauptdarsteller für Chalamet, den mit 22 Jahren drittjüngsten in dieser Kategorie) und ließ Millionen für Chalamet schwärmen. —LWM
God’s Own Country (2017)
Josh O’Connor, Francis Lee und Alec Secăreanu.
Foto: Getty Images
Johnny (Josh O’Connor, in einer frühen Durchbruchsrolle) arbeitet hart, um die Schaffarm seiner Familie in Yorkshire am Laufen zu halten. Gheorghe (Alec Secăreanu), ein rumänischer Wanderarbeiter, wird angeheuert, um ihm während der Lammzeit zu helfen. Obwohl sie einige raue Momente haben, während sie sich kennenlernen, verwandelt sich ihr Arbeitsverhältnis langsam in sexuelle Spannung und liebevolle Intimität. Der Film gewann den Regiepreis für Weltkino beim Sundance Film Festival 2017, wobei die New York Times seine Geschichte als "ebenso sehr vom Wiederentdecken eines Ortes wie vom Finden der Liebe" beschrieb. —GY
Princess Cyd (2017)
Jessie Pinnick in Princess Cyd.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Für den Sommer von South Carolina nach Chicago geschickt, lernt eine junge Frau (Jessie Pinnick) ihre lange entfremdete Tante (Rebecca Spence) besser kennen – und beginnt, ihre aufkeimende Queerness zu erkunden – in diesem süßen, aber zutiefst bewegenden Film, der dem Kern dessen nahekommt, was wir aus familiären und romantischen Beziehungen lernen können. —ES
The Handmaiden (2016)
Kim Tae-ri und Kim Min-hee in The Handmaiden.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Park Chan-wooks köstlich düstere Neuerfindung von Fingersmith von Sarah Waters verlegt die Handlung aus dem viktorianischen England ins frühe 20. Jahrhundert nach Korea unter japanischer Besatzung – mit fesselnden, atemberaubenden Ergebnissen. Der verbotenen Romanze zwischen einem Bauernmädchen, das als Dienstmädchen für eine reiche Erbin arbeitet, durch eine Reihe widersprüchlicher Perspektiven im Rashomon-Stil folgend, ist The Handmaiden ein sorgfältig gearbeiteter erotischer Thriller für die Ewigkeit. —LH
Moonlight (2016)
Alex R. Hibbert in Moonlight.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Obwohl eine Verwechslung bei den Oscars 2016 Moonlight eine andere Art von Ruhm einbrachte, gilt der Film immer noch weithin als der klare Gewinner des besten Films des Jahres. Unter der Regie von Barry Jenkins und adaptiert aus einem Theaterstück von Tarell Alvin McCraney, ist Moonlight eine kraftvolle Coming-of-Age-Geschichte, erzählt in drei Kapiteln, über einen schwulen schwarzen Mann, der in einem armen Teil von Miami aufwächst. Die Höhepunktszene des Films, in der die beiden romantischen Hauptfiguren... Eine Gruppe alter Freunde trifft sich nach Jahren der Trennung in einem Diner wieder, und es wird zu einer der bewegendsten Erkundungen der unzerbrechlichen Bande queerer Liebe der letzten Zeit. —LH
Carol (2015)
Rooney Mara und Cate Blanchett in Carol.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Todd Haynes, ein Meister des modernen Melodrams (siehe: 2002 Dem Himmel so fern), erweckte einen frühen Roman von Patricia Highsmith mit dem im der 1950er Jahre angesiedelten Carol zu aufregendem, schmachtendem Leben. Ausgehend von einem Drehbuch, das fast 20 Jahre in der Entwicklung war – Drehbuchautorin Phyllis Nagy schrieb ihren ersten Entwurf in den späten 1990er Jahren – besetzte Haynes Cate Blanchett und Rooney Mara als die zentralen lesbischen Liebenden der Geschichte. Das Paar sieht sich Bedrohungen und Erpressung durch seine derzeitigen Partner ausgesetzt, nur um sich weiterhin treffen zu können. Bereits mit einer starken Kultgemeinde, erhielt der Film 2016 sechs Oscar-Nominierungen, darunter Beste Hauptdarstellerin, Beste Nebendarstellerin und Bestes adaptiertes Drehbuch. —MM
Tangerine (2015)
Kitana Kiki Rodriguez und Mickey O’Hagan in Tangerine.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Sean Bakers Durchbruchsfilm Tangerine – berühmt dafür, komplett auf einem iPhone gedreht worden zu sein, auch wenn man das bei seinen verschwommenen, pink-violetten Sonnenuntergängen über Los Angeles nie vermuten würde – ist ein wilder, brillant komischer und überraschend berührender Blick auf einen Tag im Leben von zwei trans Sexarbeiterinnen. Sie suchen Rache an einem Freund, der betrogen hat, während eine von ihnen im Gefängnis saß. Ein schillerndes Porträt einer unzerbrechlichen Freundschaft, die an den Rändern der Gesellschaft geschmiedet wurde, die beiden unendlich charismatischen Stars des Films – Mya Taylor und Kitana Kiki Rodriguez – bringen in jede Szene grenzenlose Energie und einen boshaften Sinn für Humor. —LH
Blue Is the Warmest Colour (2013)
Adèle Exarchopoulos und Lea Seydoux in Blue Is The Warmest Colour.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Nach seiner Premiere bei den Filmfestspielen von Cannes 2013, die eine gespaltene kritische Reaktion hervorrief – sowohl wegen seiner grafischen Darstellungen von lesbischem Sex als auch wegen Vorwürfen der Misshandlung am Set durch Regisseur Abdellatif Kechiche – bleibt Blue Is the Warmest Colour dennoch ein kraftvolles Zeugnis der turbulenten Liebe zwischen seinen beiden Hauptfiguren Emma und Adèle, während sie über viele Jahre hinweg in und aus dem Leben der anderen treiben. Die wahren Höhepunkte sind jedoch die star- machenden Leistungen von Léa Seydoux und Adèle Exarchopoulos. Ihre außergewöhnlichen, rohen Erkundungen von Sinnlichkeit und Herzschmerz brachten ihnen gemeinsam mit dem Regisseur des Films eine (wohlverdiente) Goldene Palme ein. —LH
Weekend (2011)
Tom Cullen und Chris New in Weekend.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Andrew Haighs sinnliches, zärtliches und absolut bezauberndes Porträt folgt zwei jungen britischen Männern (Tom Cullen und Chris New), die sich innerhalb von 48 Stunden treffen und verlieben. Der Film ist ehrlich in seiner Darstellung sowohl von Sexualität als auch Emotion, berührt die Besonderheiten des schwulen Lebens heute sowie die universelle Erfahrung einer elektrisierenden, unmittelbaren Verbindung. Mit langen, beobachtenden Einstellungen und vielen aufschlussreichen Details und Dialogen ist es ein verlängerter One-Night-Stand, von dem man hofft, dass er niemals endet. —LWM
The Kids Are All Right (2010)
Annette Bening, Julianne Moore und Mia Wasikowska in The Kids Are All Right.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Annette Bening und Julianne Moore spielen Ehefrauen und Eltern zweier Teenager in diesem schmerzhaft schönen Coming-of-Age-Film, der in Los Angeles spielt. Ihrer Beziehung beim Zerbrechen zuzusehen – besonders als ihr Samenspender, ein charmanter, motorradfahrender Restaurantbesitzer, gespielt von Mark Ruffalo, ins Bild tritt – ist eine herzzerreißende Erfahrung, ebenso wie die letzte Szene des Films. —ES
A Single Man (2009)
Colin Firth und Julianne Moore in A Single Man.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Als Tom Ford zum ersten Mal ankündigte, dass er Christopher Isherwoods Roman A Single Man von 1964 für die Leinwand adaptieren würde, befürchteten einige, der Film des Modedesigners könnte nur Stil und keine Substanz sein. Weit gefehlt: Während der Film in der Tat üppig stilvoll ist, mit seiner Architektur der Jahrhundertmitte und atemberaubenden 1960er-Jahre-Kostümen, hat er einen kraftvollen, schlagenden Kern. Fords Geschichte folgt einem trauernden Professor (Colin Firth), seiner weiblichen besten Freundin, die ihn heimlich liebt (Julianne Moore), und einem sexuell ambiguen Studenten, der die Gelegenheit für eine verbotene Romanze bietet (Nicholas Hoult). Es ist ein bewegender Blick auf Trauer und Verlangen und verdient all das Lob, das es erhalten hat. —LH
Brokeback Mountain (2005)
Jake Gyllenhaal und Heath Ledger in Brokeback Mountain.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
"Ich wünschte, ich wüsste, wie ich dich verlernen kann." Sie haben den Satz gehört, ich habe ihn gehört, und ich habe geweint, als ich hörte, wie Jake Gyllenhaals Jack ihn zu Heath Ledgers Ennis sagte. Brokeback Mountain ist ein neo-western romantisches Drama, das in den 1960er Jahren beginnt und sich über 30 Jahre erstreckt. Die Romanze ist sowohl herzergreifend als auch herzzerreißend, während Jack und Ennis ihre sexuelle und emotionale Beziehung durch persönliche Ängste, gesellschaftlichen Druck und Homophobie navigieren. Der Film von 2005 wurde für den besten Film nominiert und gewann bei der 78. Oscarverleihung die Preise für die beste Regie, das beste adaptierte Drehbuch und die beste Filmmusik. —GY
Mysterious Skin (2004)
Joseph Gordon-Levitt, Jeffrey Licon und Michelle Trachtenberg in Mysterious Skin.
Foto: Tartan Releasing / Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Es gibt zahlreiche Gregg Araki-Filme, die es auf diese Liste hätten schaffen können, aber der Regisseur – ein Pionier der New Queer Cinema-Bewegung der 1990er Jahre – erreichte seinen Höhepunkt wohl mit dem verheerenden Coming-of-Age-Drama Mysterious Skin. Mit einem unglaublichen Joseph Gordon-Levitt als Stricher, der sich mit dem Missbrauch auseinandersetzt, den er als Kind durch einen Baseballtrainer erlitten hat, machte der Film Schlagzeilen für seinen unerschrockenen Blick auf sexuellen Missbrauch. Aber er trägt auch ein leises, unerwartetes Gefühl der Hoffnung in sich, das sanft zeigt, dass die Traumata unserer Jugend uns nicht bis ins Erwachsenenalter definieren müssen. —LH
Saving Face (2004)
Lynn Chen und Michelle Krusiec in Saving Face.
Foto: Alamy
Regisseurin Alice Wus erster Spielfilm folgt Wilhelmina (Michelle Krusiec), einer erfolgreichen jungen chinesisch-amerikanischen Chirurgin, die mit der unehelichen Schwangerschaft ihrer Mutter und ihrer eigenen geheimen Beziehung zu ihrer Tänzerin-Freundin (Lynn Chen) umgeht. Dieser generationenübergreifende Film wurde 2004 gedreht, aber es lohnt sich, ihn sich (oder mehr als einmal, wenn Sie ein Fan von romantischen Komödien sind) anzusehen. —ES
Angels in America (2003)
Emma Thompson in Angels in America.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung von HBO
Es ist technisch gesehen kein Film, aber mit seinem legendären Regisseur und seiner hochkarätigen Besetzung fühlt sich die HBO-Version von Angels in America genauso filmisch an wie alles andere auf dieser Liste. Für die Leinwand adaptiert von Mike Nichols, wurde Tony Kushners ausufernde "schwule Fantasie" – eine mit dem Pulitzer, Tony und Drama Desk ausgezeichnete Geschichte über die AIDS-Epidemie im New York der 1980er Jahre – zu einer brillant verheerenden Miniserie. Sie spielt Al Pacino, Emma Thompson, Mary-Louise Parker, Patrick Wilson, Jeffrey Wright und eine brillante, gestaltwandelnde Meryl Streep. —MM
All About My Mother (1999)
Regisseur Pedro Almodóvar und Cecilia Smith am Set von All About My Mother.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Während fast jedes von Pedro Almodóvars campigen, farbenfrohen Melodramen aus den 1980er und 1990er Jahren auf dieser Liste stehen könnte, hatten nur wenige das gleiche Herz – oder die globale Wirkung, nachdem es einen Oscar für den besten fremdsprachigen Film gewonnen hatte – wie All About My Mother von 1999. Es erzählt die Geschichte von Manuela, einer alleinerziehenden Mutter, deren kürzlicher Tod ihres Sohnes sie auf eine Reise schickt, um die Verbindung zum Vater des Jungen wiederherzustellen, der jetzt eine Transgender-Frau ist. Die einfühlsame, menschliche Darstellung der Trans-Community durch den Film und seine tiefgründigen Fragen über Mutterschaft und Wahlfamilien machen ihn zu einer von Almodóvars größten Errungenschaften. —LH
Beau Travail (1999)
Eine Szene aus Beau Travail.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Janus Films
Lose basierend auf Herman Melvilles Novelle Billy Budd, erkundet Claire Denis' schöner (und brutaler) Beau Travail Eifersucht, Männlichkeit und verstecktes Verlangen in den Märkten, Nachtclubs und Wüsten Dschibutis. Denis Lavant spielt Galoup, einen Adjutanten-Chef in der Fremdenlegion, der eine angespannte und letztlich gefährliche Beziehung zu einem seiner Soldaten entwickelt – dem gutaussehenden und fähigen Kommandanten Bruno Forestier (Michel Subor). Kommen Sie für die subtilen Darbietungen und Agnès Godards meisterhafte Kameraführung; bleiben Sie für eines der großartigsten Enden der Filmgeschichte. (Sie werden Corons "The Rhythm of the Night" nie wieder so hören können.) —MM
But I’m a Cheerleader (1999)
Natasha Lyonne und Clea DuVall in But I’m a Cheerleader.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Jamie Babbits Spielfilm-Regiedebüt wurde von einem Artikel inspiriert, den sie über Konversionstherapie las, sowie von Erinnerungen an ihre Mutter, die ein Rehabilitationszentrum in Ohio leitete. Der Film folgt Megan (Natasha Lyonne), einer Highschool-Absolventin, deren Eltern vermuten, dass sie lesbisch ist. Ihre Begründung? Eine Mischung aus Megans Interesse an Vegetarismus und Melissa Etheridge und ihrem schweifenden Blick auf andere Cheerleader. Also wird Megan für zwei Monate in ein Konversionstherapiecamp geschickt – wo sie andere Teilnehmer trifft, gespielt von Clea DuVall, Melanie Lynskey und Dante Basco – und letztlich in der grellbunten Umgebung Gemeinschaft (und Liebe) findet. —GY
Velvet Goldmine (1998)
Toni Collette und Jonathan Rhys-Meyers in Velvet Goldmine.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Wenn es darum geht, die stilvollsten queeren Filme aller Zeiten zu nennen, können nur wenige mit Todd Haynes' kaleidoskopischer Hommage an den Geist des Glam Rock, Velvet Goldmine, mithalten. Mit Jonathan Rhys Meyers als dem wilden britischen Musiker Brian Slade, lose basierend auf David Bowie, und Ewan McGregor als seinem amerikanischen Pendant Curt Wild, lose basierend auf Iggy Pop, folgt die Geschichte Arthur (Christian Bale), einem schwulen Journalisten, der versucht, den inzwischen zurückgezogen lebenden Slade für eine Magazingeschichte aufzuspüren. Die rauschhaften Tage von Slades Weltruhm werden durch Rückblenden wieder aufleben lassen. Als Bowie selbst zu dieser offensichtlichen Hommage an sein Leben und Vermächtnis befragt wurde, sagte er: "Als ich den Film sah, fand ich das Beste daran die schwulen Szenen. Sie waren ehrlich gesagt der einzige gelungene Teil des Films." Worauf warten Sie noch? —LH
All Over Me (1997)
Tara Subkoff und Alison Folland in All Over Me.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Alison Folland, Tara Subkoff und eine junge Leisha Hailey (aka Alice aus The L Word!) spielen die Hauptrollen in diesem Vintage-Riot-Grrrl-Klassiker von Alex und Sylvia Sichel. In dem Film droht die Liebe einer jungen Frau zu ihrer besten Freundin, sie auf wirklich dunkle Wege zu führen, vor der Kulisse des Hell's Kitchen der 90er Jahre. Trotz der Intensität des Films ist es absolut bezaubernd, Folland und Hailey dabei zuzusehen, wie sie sich bei Eiscreme und Gitarrenriffs ineinander verlieben. —ES
Happy Together (1997)
Leslie Cheung und Tony Leung in Happy Together.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Wong Kar-wais Happy Together spielt Tony Leung und Leslie Cheung als Lai Yiu-Fai und Ho Po-Wing, ein streitsüchtiges Paar aus Hongkong, das eine Reise nach Argentinien plant, nur um kein Geld mehr zu haben und gezwungen zu sein, dort zu bleiben. Ein wichtiger Beitrag im Kanon des New Queer Cinema, Kar-wais Drama ist leidenschaftlich, stimmungsvoll und zutiefst evokativ, und zeichnet die scharfen Kanten einer On-Off-Romanze im schäbigen Buenos Aires der 1990er Jahre nach. —MM
The Birdcage (1996)
Nathan Lane und Robin Williams in The Birdcage.
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Everett Collection
Ein Remake von Édouard Molinaros La Cage aux Folles (1978) – selbst adaptiert von der gleichnamigen französischen Farce von 1973 – spielt The Birdcage Robin Williams als Armand, den Besitzer eines Drag-Clubs in South Beach, und Nathan Lane als seinen Partner Albert, den Stammgästen besser als Starina bekannt. Als Val (Dan Futterman), Armands Sohn aus einer längst vergangenen Affäre (Christine Baranski), seine Heiratspläne mit der Tochter (Calista Flockhart) eines konservativen Senators und seiner Frau (Gene Hackman, Dianne Wiest) bekannt gibt, versuchen Armand und Albert, als die perfekten zukünftigen Schwiegereltern durchzugehen. Wunderbare Verwicklungen sind die Folge. —MM
Bound (1996)
Bevor die Wachowski-Schwestern