Czy kino queer to medytacja nad zakazaną miłością, podobną do tej ukazanej w filmach takich jak Tea and Sympathy czy Maurice? Czy definiuje je surowy, zrób-to-sam duch Dereka Jarmana z lat 80. lub ruch Nowego Kina Queer z lat 90., prowadzony przez reżyserów takich jak Gregg Araki i Gus Van Sant? A może najlepsze przykłady znajdują się w nowej erze kina queer, którą obserwujemy w XXI wieku, gdy wielkie studia wreszcie zaczynają wspierać historie LGBTQ+ na ekranie, a filmy takie jak Moonlight Barry’ego Jenkinsa zdobywają Oscara dla najlepszego filmu?
Ostatecznie magia queerowego filmu polega na jego zdolności do zmiany i adaptacji. Może to być poruszająca historia o dwóch transpłciowych pracownicach seksualnych nakręcona iPhonem, jak Tangerine Seana Bakera; wciągający dokument rzucający światło na zapomnianą część queerowej historii, jak głębokie zanurzenie Jennie Livingston w kulturę ballroom w Paris is Burning; lub wystawny film studyjny z gwiazdorską obsadą Hollywood, jak A Single Man Toma Forda. Tutaj zebraliśmy wszystkie nasze ulubione filmy LGBTQ+, od pomijanych undergroundowych perełek po krzykliwe, wysokobudżetowe spektakle.
Pillion (2025)
Harry Melling i Alexander Skarsgård w Pillion.
Dzięki uprzejmości Everett Collection
Szybki i bezwstydnie perwersyjny, Pillion Harry’ego Lightona opowiada o Colinie (Harry Melling), nieśmiałym geju mieszkającym z rodzicami na londyńskich przedmieściach, który nagle znajduje się w relacji dominacji i uległości z Rayem (Alexander Skarsgård), ponurym i nieco tajemniczym członkiem lokalnego gejowskiego gangu motocyklowego. Efektem jest uderzająco oryginalna i zaskakująco wzruszająca historia odkrywania siebie. —Marley Marius
Love Lies Bleeding (2024)
Katy O'Brian i Kristen Stewart w Love Lies Bleeding.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Kristen Stewart i Katy O'Brian błyszczą w tym queerowym kryminalnym thrillerze o kulturystce jadącej na konwencję do Los Angeles, która zakochuje się we właścicielce siłowni. Wkrótce przeszłość kryminalna jej rodziny powraca, by prześladować je obie. Więcej filmów o niezwykle umięśnionych lesbijkach, prosimy! —Emma Specter
I Saw the TV Glow (2024)
Justice Smith i Brigette Lundy-Paine w I Saw the TV Glow.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości A24
Debiut Jane Schoenbrun w A24 koncentruje się na dwojgu samotnych nastolatkach z liceum, które mają obsesję na punkcie nocnego programu telewizyjnego, który działa (znakomicie, dodam) jako alegoria transpłciowej tożsamości i przynależności. W swojej recenzji zastępca redaktora naczelnego Vogue, Taylor Antrim, pochwalił film jako doskonały przykład „niesamowitego, tęsknego, przeszywająco nostalgicznego niezależnego kina”. Miejmy nadzieję, że w przyszłości będziemy mieli wiele więcej queerowych i transpłciowych filmów Schoenbrun do porównania. —ES
Bottoms (2023)
Ayo Edebiri i Rachel Sennott w Bottoms.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Dwie niepopularne queerowe licealistki zakładają klub walki, by zbliżyć się do swoich cheerleaderek, w tej wulgarnej, nieco niedorzecznej i zachwycająco szybkiej komedii od reżyserki Shiva Baby, Emmy Seligman. Cała obsada jest idealna, ale Ayo Edebiri może być tą, która wyróżnia się, gdy zadaje prawy sierpowy. —ES
Fire Island (2022)
Matt Rogers, Zane Phillips, Tomas Matos, Joel Kim Booster, Torian Miller i Bowen Yang w Fire Island.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Ta (bardzo luźna) adaptacja Dumy i uprzedzenia Jane Austen, w reżyserii Andrew Ahna oraz według scenariusza i z udziałem Joela Kim Boostera, opowiada o grupie gejowskich przyjaciół podczas ich corocznego letniego wyjazdu do kultowego queerowego miejsca wypoczynku, Fire Island. Wkrótce zdają sobie sprawę, że ich słoneczne dni mogą być policzone. W Fire Island nie brakuje romansu, ale film naprawdę błyszczy w przedstawianiu wzlotów i upadków queerowej przyjaźni. —ES
Tár (2022)
Cate Blanchett w Tár.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Focus Features
Trudno pomyśleć o nowszym queerowym filmie, który wywołałby więcej dyskusji niż Tár, psychologiczny dramat Todda Fielda o światowej sławy dyrygentce mierzącej się z zarzutami o niewłaściwe zachowanie. Cate Blanchett wnosi tyle zakresu i głębi do postaci Lydii Tár, że postać ta nigdy nie wydaje się prostym złoczyńcą. Eksploracja queerowości i płci w filmie („Jestem ojcem Petry”, ktoś?) jest również skłaniająca do myślenia. Ważne jest, aby pamiętać, że członkowie społeczności LGBTQ+ są w pełni zdolni do wyrządzania krzywdy. —ES
Benediction (2021)
Jeremy Irvine i Jack Lowden w Benediction.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Jack Lowden po raz kolejny daje potężny występ jako Siegfried Sassoon, odznaczony żołnierz I wojny światowej, który stał się krytykiem rządu i cenionym poetą, w filmie Terence’a Daviesa Benediction. Film balansuje między ostrym dowcipem a głębokim smutkiem, śledząc Sassoona (i jego romanse) podczas jego wędrówki przez powojenne angielskie kręgi arystokratyczne, literackie i teatralne w poszukiwaniu jakiegoś odkupienia. —Lisa Wong Macabasco
The Power of the Dog (2021)
Kodi Smit-McPhee i Benedict Cumberbatch w The Power of the Dog.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Netflix
Osadzony w Montanie lat 20. XX wieku, The Power of the Dog bada napięcia i sekrety, które pojawiają się, gdy zamożny ranczer (Jesse Plemons) sprowadza swoją nową żonę (Kirsten Dunst) i jej syna (Kodi Smit-McPhee), by mieszkali z jego szorstkim bratem kowbojem (Benedict Cumberbatch). To powolne spojrzenie na toksyczną męskość przyniosło 12 nominacji do Oscara. Film Jane Campion wywołał debatę na temat tego, czy ma „piękną, nieokreśloną queerowość” czy „problem z queerowością”, a także dyskusje na temat heteroseksualnych aktorów grających queerowe postacie. —LWM
Disclosure (2020)
Laverne Cox w Disclosure.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Laverne Cox jest narratorką tego dokumentu o historii transpłciowej reprezentacji na ekranie. Występują w nim transpłciowe celebrytki, takie jak Alexandra Billings, Trace Lysette, Michaela Jaé Rodriguez, Zackary Drucker, Lilly Wachowski i Ser Anzoategui, które dyskutują o tym, jak – i czy – doświadczenia transpłciowych i niebinarnych osób w Hollywood zmieniły się w ciągu ostatnich kilku dekad. —ES
Shiva Baby (2020)
Molly Gordon i Rachel Sennott w Shiva Baby.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Brigade Publicity
Kto umarł? Czy to ma znaczenie? Od Emmy Seligman, Shiva Baby to komedia znana ze swojej unikalnej historii, błyskotliwych dialogów i wybitnych występów – zwłaszcza Molly Gordon, Dianny Agron i gwiazdy Rachel Sennott. Sennott gra Danielle, biseksualną studentkę ostatniego roku, która odprawia sziwę z rodziną po tym, jak przespała się ze swoim sponsorem. Ale jej sponsor jest również na sziwie, wraz ze swoją żoną „Malibu Barbie” i wrzeszczącym dzieckiem, a także była dziewczyna Danielle. Inteligentna i mrocznie zabawna, Shiva Baby już teraz wydaje się klasykiem. —Gia Yetikyel
Portrait of a Lady on Fire (2019)
Noémie Merlant i Adèle Haenel w Portrait of a Lady on Fire.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Już wcześniej biegła w uchwyceniu rodzącego się queerowego pożądania na ekranie – sprawdź Water Lilies z 2007 roku i Tomboy z 2011 roku, jeśli jeszcze nie widzieliście – Céline Sciamma stworzyła swój najbardziej rozległy romantyczny film z Portrait of a Lady on Fire. Ten dramat kostiumowy czerpie niezwykłe emocje z doskonałej powściągliwości. Noémie Merlant gra Marianne, artystkę wynajętą do namalowania portretu młodej kobiety (Adèle Haenel), która ma zostać wydana za mąż za włoskiego szlachcica. Gdy dwie kobiety powoli stają się przyjaciółkami, ta przyjaźń przeradza się w krótki, ale namiętny romans – i jedne z najbardziej oszałamiających ujęć filmowych dekady. —MM
Rafiki (2018)
Sheila Munyiva i Samantha Mugatsia w Rafiki.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Nazwany od suahilijskiego słowa oznaczającego „przyjaciela”, ten kenijski dramat Wanuri Kahiu opowiada o dwóch młodych kobietach w Nairobi, które flirtują i ostatecznie budują romans w społeczności z surowymi przepisami antygejowskimi. (Niestety, te przepisy są aż nazbyt realne – Rafiki jest zakazany w Kenii.) Film jest jasny, odurzający, intymny i pełen kolorów. Gdy już go obejrzycie, trudno zapomnieć o relacji Kena i Ziki. —ES
The Miseducation of Cameron Post (2018)
Forrest Goodluck, Sasha Lane i Chloe Grace Moretz w The Miseducation of Cameron Post.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Desiree Akhavan znana jest z żywego portretowania współczesnego queerowego życia w swoim serialu The Bisexual, ale w tym filmie podejmuje mroczny temat terapii konwersyjnej… z druzgocącym skutkiem. Chloë Grace Moretz gra młodą kobietę wysłaną do chrześcijańskiego obozu terapii konwersyjnej o nazwie Boża Obietnica po tym, jak zostaje przyłapana na seksie z dziewczyną na balu szkolnym. Obserwowanie, jak przechodzi przez traumę w kierunku uzdrawiającej mocy queerowej społeczności, jest głęboko poruszające. —ES
Duck Butter (2018)
Plakat filmu Duck Butter.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Chemia między Alią Shawkat i Laią Costa dosłownie skacze z ekranu w tym lekkim, ale przemyślanym filmie. Opowiada on o dwóch kobietach, które decydują się spędzić razem 24 godziny, aby sprawdzić, czy może to zbliżyć je do siebie. (Zbliża, ale nie w sposób, jakiego można by się spodziewać.) —ES
120 BPM (2017)
Nahuel Perez Biscayart w 120 BPM.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Osadzony wśród pełnych pasji, ale skonfliktowanych grup aktywistów HIV/AIDS we wczesnych latach 90. we Francji, 120 BPM uchwyca kluczowy punkt zwrotny w historii LGBTQ+, gdy radykalne, bezpośrednie działania ACT UP popchnęły sprawę do głównego nurtu. Ale poza tym jest to radosna, pełna energii przejażdżka przez muzykę (i tak, seks), która napędzała ruch, prowadzona przez oszałamiające występy Nahuela Péreza Biscayarta, Arnauda Valoisa i Adèle Haenel. Film jest tak samo łamiący serce, jak ostatecznie inspirujący. —Liam Hess
Call Me By Your Name (2017)
Timothée Chalamet w Call Me by Your Name.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Osadzony w północnych Włoszech w 1983 roku, Call Me by Your Name opowiada historię romansu nastolatka Elio (Timothée Chalamet) i przystojnego młodego amerykańskiego studenta (Armie Hammer), który pracuje z ojcem Elio, archeologiem. Skąpany w złotym świetle, leniwych posiłkach na świeżym powietrzu i skradzionych zmysłowych chwilach, film zdobył cztery nominacje do Oscara (w tym dla najlepszego filmu i najlepszego aktora dla Chalameta, trzeciego najmłodszego w tej kategorii w wieku 22 lat) i sprawił, że miliony zakochały się w Chalamecie. —LWM
God’s Own Country (2017)
Josh O’Connor, Francis Lee i Alec Secăreanu.
Zdjęcie: Getty Images
Johnny (Josh O’Connor, we wczesnej przełomowej roli) ciężko pracuje, aby utrzymać rodzinną owczą farmę w Yorkshire. Gheorghe (Alec Secăreanu), rumuński pracownik migrujący, zostaje zatrudniony, aby pomóc mu w sezonie jagnienia. Chociaż mają kilka trudnych chwil, gdy się poznają, ich relacja zawodowa powoli przeradza się w napięcie seksualne i czułą intymność. Film zdobył nagrodę dla najlepszego reżysera kina światowego na Festiwalu Filmowym Sundance w 2017 roku, a New York Times opisał jego historię jako „równie wiele o odkrywaniu na nowo miejsca, co o znajdowaniu miłości”. —GY
Princess Cyd (2017)
Jessie Pinnick w Princess Cyd.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Wysłana z Karoliny Południowej do Chicago na lato, młoda kobieta (Jessie Pinnick) poznaje lepiej swoją dawno niewidzianą ciotkę (Rebecca Spence) – i zaczyna odkrywać swoją rodzącą się queerowość – w tym słodkim, ale głęboko poruszającym filmie, który dociera do sedna tego, czego możemy się nauczyć z relacji rodzinnych i romantycznych. —ES
The Handmaiden (2016)
Kim Tae-ri i Kim Min-hee w The Handmaiden.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Mroczna i rozkoszna reinterpretacja Fingersmith Sarah Waters w wykonaniu Park Chan-wooka przenosi akcję z wiktoriańskiej Anglii do Koreki z początku XX wieku pod japońską okupacją – z porywającymi, oszałamiającymi rezultatami. Śledząc zakazany romans między wiejską dziewczyną pracującą jako służąca bogatej dziedziczki przez serię sprzecznych perspektyw w stylu Rashomon, The Handmaiden to starannie skonstruowany erotyczny thriller na wieki. —LH
Moonlight (2016)
Alex R. Hibbert w Moonlight.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Choć pomyłka podczas rozdania Oscarów w 2016 roku przyniosła Moonlight inny rodzaj sławy, film wciąż jest powszechnie postrzegany jako wyraźny zwycięzca w kategorii najlepszy film tego roku. Wyreżyserowany przez Barry’ego Jenkinsa i zaadaptowany ze sztuki Tarella Alvina McCraneya, Moonlight to potężna historia dojrzewania opowiedziana w trzech rozdziałach o czarnoskórym geju dorastającym w biednej części Miami. Kulminacyjna scena filmu, w której dwoje romantycznych bohaterów… Grupa starych przyjaciół spotyka się ponownie w barze po latach rozłąki, staje się jednym z najbardziej poruszających badań nad nierozerwalnymi więzami queerowej miłości w najnowszej pamięci. —LH
Carol (2015)
Rooney Mara i Cate Blanchett w Carol.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Todd Haynes, mistrz nowoczesnego melodramatu (patrz: Far from Heaven z 2002 roku), ożywił wczesną powieść Patricii Highsmith w porywający, oszałamiający sposób w osadzonym w latach 50. Carol. Pracując na podstawie scenariusza, który był w fazie rozwoju przez prawie 20 lat – scenarzystka Phyllis Nagy napisała swój pierwszy szkic pod koniec lat 90. – Haynes obsadził Cate Blanchett i Rooney Marę jako centralne lesbijskie kochanki. Para stawia czoła groźbom i szantażowi ze strony swoich obecnych partnerów, aby tylko móc się dalej spotykać. Mając już silny kultowy fandom, film zdobył sześć nominacji do Oscara w 2016 roku, w tym dla najlepszej aktorki, najlepszej aktorki drugoplanowej i najlepszego scenariusza adaptowanego. —MM
Tangerine (2015)
Kitana Kiki Rodriguez i Mickey O’Hagan w Tangerine.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Przełomowy film Seana Bakera Tangerine – słynący z tego, że został nakręcony w całości iPhonem, choć nigdy byście nie zgadli po jego zamglonych, różowo-fioletowych zachodach słońca w Los Angeles – to dzikie, znakomicie zabawne i zaskakująco wzruszające spojrzenie na jeden dzień z życia dwóch transpłciowych pracownic seksualnych. Szukają zemsty na chłopaku, który zdradził, gdy jedna z nich była w więzieniu. Olśniewający portret nierozerwalnej przyjaźni wykutej na marginesie społeczeństwa, dwie nieskończenie charyzmatyczne gwiazdy filmu – Mya Taylor i Kitana Kiki Rodriguez – wnoszą do każdej sceny nieograniczoną energię i diabelskie poczucie humoru. —LH
Blue Is the Warmest Colour (2013)
Adèle Exarchopoulos i Lea Seydoux w Blue Is The Warmest Colour.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Premierowo pokazany na Festiwalu Filmowym w Cannes w 2013 roku, spotkał się z podzielonymi reakcjami krytyków – zarówno ze względu na graficzne przedstawienie seksu gejowskiego, jak i zarzuty o złe traktowanie na planie przez reżysera Abdellatifa Kechiche – Blue Is the Warmest Colour wciąż pozostaje potężnym świadectwem burzliwej miłości między dwiema głównymi bohaterkami, Emmą i Adèle, gdy dryfują one w swoich życiach i z nich wypływają przez wiele lat. Prawdziwymi atutami są jednak role, które uczyniły gwiazdami Léę Seydoux i Adèle Exarchopoulos. Ich niezwykłe, surowe eksploracje zmysłowości i złamanego serca przyniosły im wspólną (i w pełni zasłużoną) Złotą Palmę obok reżysera filmu. —LH
Weekend (2011)
Tom Cullen i Chris New w Weekend.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Zmysłowy, czuły i absolutnie uroczy portret Andrew Haigha śledzi dwóch młodych Brytyjczyków (Tom Cullen i Chris New), którzy spotykają się i zakochują w ciągu 48 godzin. Film jest szczery w przedstawianiu zarówno seksualności, jak i emocji, dotykając specyfiki gejowskiego życia dziś, a także uniwersalnego doświadczenia elektryzującej, natychmiastowej więzi. Dzięki długim, obserwacyjnym ujęciom i mnóstwu odkrywczych szczegółów i dialogów, to przedłużony romans na jedną noc, który, miejmy nadzieję, nigdy się nie kończy. —LWM
The Kids Are All Right (2010)
Annette Bening, Julianne Moore i Mia Wasikowska w The Kids Are All Right.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Annette Bening i Julianne Moore grają żony i matki dwojga nastolatków w tym przejmująco pięknym filmie o dorastaniu osadzonym w Los Angeles. Obserwowanie, jak ich związek się rozpada – zwłaszcza gdy na scenę wkracza ich dawca nasienia, czarujący właściciel restauracji jeżdżący na motocyklu, grany przez Marka Ruffalo – to łzawy doświadczenie, podobnie jak finałowa scena filmu. —ES
A Single Man (2009)
Colin Firth i Julianne Moore w A Single Man.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Gdy Tom Ford po raz pierwszy ogłosił, że zaadaptuje powieść Christophera Isherwooda A Single Man z 1964 roku na ekran, niektórzy obawiali się, że film projektanta mody będzie tylko stylem bez treści. Nic bardziej mylnego: choć film jest rzeczywiście przepysznie stylowy, z architekturą z połowy wieku i oszałamiającymi kostiumami z lat 60., ma u swego potężne, bijące serce. Historia Forda opowiada o pogrążonym w żałobie profesorze (Colin Firth), jego najlepszej przyjaciółce, która potajemnie go kocha (Julianne Moore), i seksualnie niejednoznacznym studencie, który oferuje szansę na zakazany romans (Nicholas Hoult). To poruszające spojrzenie na żałobę i pożądanie, w pełni zasługujące na wszystkie pochwały, jakie otrzymało. —LH
Brokeback Mountain (2005)
Jake Gyllenhaal i Heath Ledger w Brokeback Mountain.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
„Chciałbym wiedzieć, jak cię rzucić”. Słyszeliście to zdanie, ja słyszałem, i płakałem, słysząc, jak Jack (Jake Gyllenhaal) mówi je do Ennisa (Heath Ledger). Brokeback Mountain to neo-western romantyczny dramat, który zaczyna się w latach 60. i obejmuje ponad 30 lat. Romans jest zarówno szczery, jak i łamiący serce, gdy Jack i Ennis poruszają się w swojej seksualnej i emocjonalnej relacji przez osobiste lęki, presję społeczną i homofobię. Film z 2005 roku był nominowany do Oscara dla najlepszego filmu i zdobył nagrody dla najlepszego reżysera, najlepszego scenariusza adaptowanego i najlepszej muzyki oryginalnej podczas 78. ceremonii wręczenia Oscarów. —GY
Mysterious Skin (2004)
Joseph Gordon-Levitt, Jeffrey Licon i Michelle Trachtenberg w Mysterious Skin.
Zdjęcie: Tartan Releasing / Dzięki uprzejmości Everett Collection
Jest wiele filmów Gregga Arakiego, które mogłyby znaleźć się na tej liście, ale reżyser – pionier ruchu Nowego Kina Queer w latach 90. – osiągnął prawdopodobnie swój szczyt z druzgocącym dramatem o dorastaniu Mysterious Skin. Z niesamowitym Josephem Gordonem-Levittem w roli chłopca do towarzystwa, który godzi się z nadużyciami, jakich doznał ze strony dziecięcego trenera baseballu, film trafił na pierwsze strony gazet za swoje bezkompromisowe spojrzenie na wykorzystywanie seksualne. Ale niesie też ciche, nieoczekiwane poczucie nadziei, delikatnie pokazując, że traumy z młodości nie muszą definiować nas w dorosłym życiu. —LH
Saving Face (2004)
Lynn Chen i Michelle Krusiec w Saving Face.
Zdjęcie: Alamy
Pierwszy film fabularny reżyserki Alice Wu opowiada o Wilhelminie (Michelle Krusiec), odnoszącej sukcesy młodej chińsko-amerykańskiej chirurg, która radzi sobie z pozamałżeńską ciążą swojej matki i własnym sekretnym związkiem z dziewczyną tancerką (Lynn Chen). Ten międzypokoleniowy film powstał w 2004 roku, ale zdecydowanie warto go obejrzeć ponownie (lub więcej niż raz, jeśli jesteś fanem komedii romantycznych). —ES
Angels in America (2003)
Emma Thompson w Angels in America.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości HBO
Technicznie nie jest to film, ale dzięki legendarnemu reżyserowi i gwiazdorskiej obsadzie, wersja Angels in America od HBO wydaje się równie kinowa jak wszystko inne na tej liście. Zaadaptowana na ekran przez Mike’a Nicholsa, rozległa „gejowska fantazja” Tony’ego Kushnera – nagrodzona Pulitzerem, Tony i Drama Desk historia o epidemii AIDS w Nowym Jorku lat 80. – stała się znakomicie druzgocącym miniserialem. Występują w nim Al Pacino, Emma Thompson, Mary-Louise Parker, Patrick Wilson, Jeffrey Wright i genialna, zmiennokształtna Meryl Streep. —MM
All About My Mother (1999)
Reżyser Pedro Almodóvar i Cecilia Smith na planie All About My Mother.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Choć prawie każdy z kampowych, kolorowych melodramatów Pedra Almodóvara z lat 80. i 90. mógłby znaleźć się na tej liście, niewiele miało takie samo serce – ani globalny wpływ, po zdobyciu Oscara dla najlepszego filmu nieanglojęzycznego – jak All About My Mother z 1999 roku. Opowiada historię Manueli, samotnej matki, której niedawna śmierć syna wysyła ją w podróż, by ponownie połączyć się z ojcem chłopca, obecnie transpłciową kobietą. Czułe, ludzkie przedstawienie społeczności transpłciowej w filmie i jego głębokie pytania o macierzyństwo i wybrane rodziny czynią go jednym z największych osiągnięć Almodóvara. —LH
Beau Travail (1999)
Scena z Beau Travail.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Janus Films
Luźno oparty na noweli Hermana Melville’a Billy Budd, piękny (i brutalny) Beau Travail Claire Denis bada zazdrość, męskość i ukryte pożądanie na targowiskach, w klubach nocnych i na pustyniach Dżibuti. Denis Lavant wciela się w Galoupa, adiutanta-szefa w Legii Cudzoziemskiej, który rozwija napiętą i ostatecznie niebezpieczną relację z jednym ze swoich żołnierzy – przystojnym i zdolnym komendantem Bruno Forestierem (Michel Subor). Przyjdźcie dla subtelnych występów i mistrzowskich zdjęć Agnès Godard; zostańcie dla jednego z najlepszych zakończeń w historii kina. (Nigdy więcej nie usłyszycie „The Rhythm of the Night” Corony w ten sam sposób.) —MM
But I’m a Cheerleader (1999)
Natasha Lyonne i Clea DuVall w But I’m a Cheerleader.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Debiut reżyserski Jamie Babbit został zainspirowany artykułem, który przeczytała o terapii konwersyjnej, a także wspomnieniami z czasów, gdy jej matka prowadziła ośrodek rehabilitacyjny w Ohio. Film opowiada o Megan (Natasha Lyonne), uczennicy ostatniej klasy liceum, której rodzice podejrzewają, że jest lesbijką. Ich uzasadnienie? Mieszanka zainteresowania Megan wegetarianizmem i Melissą Etheridge oraz jej błądzące spojrzenie w stronę koleżanek z drużyny cheerleaderek. Megan zostaje więc wysłana na dwumiesięczny obóz terapii konwersyjnej – gdzie spotyka innych uczestników granych przez Cleę DuVall, Melanie Lynskey i Dante Basco – i ostatecznie znajduje społeczność (i miłość) w jaskrawo kolorowym otoczeniu. —GY
Velvet Goldmine (1998)
Toni Collette i Jonathan Rhys-Meyers w Velvet Goldmine.
Zdjęcie: Dzięki uprzejmości Everett Collection
Jeśli chodzi o wymienienie najbardziej stylowych queerowych filmów wszech czasów, niewiele może dorównać kalejdoskopowemu hołdowi Todda Haynesa dla ducha glam rocka, Velvet Goldmine. Z Jonathanem Rhysem Meyersem jako dzikim brytyjskim muzykiem Brianem Slade, luźno opartym na Davidzie Bowiem, i Ewanem McGregorem jako jego amerykańskim odpowiednikiem Curtem Wildem, luźno opartym na Iggym Popie, historia opowiada o Arthurowi (Christian Bale), gejowskim dziennikarzu próbującym wyśledzić obecnie żyjącego w odosobnieniu Slade’a na potrzeby artykułu do magazynu. Szalone dni globalnej sławy Slade’a są przywoływane we wspomnieniach. Gdy samego Bowiego zapytano o ten pozorny hołd dla jego życia i dziedzictwa, powiedział: „Kiedy zobaczyłem film, pomyślałem, że najlepsze w nim były sceny gejowskie. Były