Le cinéma queer est-il une méditation sur l'amour interdit, comme celui exploré dans des films tels que Tea and Sympathy ou Maurice ? Est-il défini par l'esprit débrouillard et DIY de Derek Jarman dans les années 1980, ou par le mouvement du Nouveau Cinéma Queer des années 1990, mené par des réalisateurs comme Gregg Araki et Gus Van Sant ? Ou les meilleurs exemples se trouvent-ils dans le nouvel âge du cinéma queer que nous voyons au 21e siècle, alors que les grands studios commencent enfin à soutenir les histoires LGBTQ+ à l'écran, et que des films comme Moonlight de Barry Jenkins remportent l'Oscar du meilleur film ?
En fin de compte, la magie du film queer réside dans sa capacité à changer et à s'adapter. Il peut s'agir d'une histoire sincère sur deux travailleuses du sexe trans filmée sur un iPhone, comme Tangerine de Sean Baker ; d'un documentaire captivant qui met en lumière une partie oubliée de l'histoire queer, comme la plongée profonde de Jennie Livingston dans la culture du bal dans Paris is Burning ; ou d'un film de studio somptueux avec un casting hollywoodien de stars, comme A Single Man de Tom Ford. Ici, nous avons rassemblé tous nos films LGBTQ+ préférés, des joyaux underground méconnus aux spectacles clinquants et gros budgets.
Pillion (2025)
Harry Melling et Alexander Skarsgård dans Pillion.
Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Rapide et sans vergogne coquin, Pillion de Harry Lighton suit Colin (Harry Melling), un homme gay timide vivant avec ses parents dans la banlieue de Londres, qui se retrouve soudainement dans une relation de soumission avec Ray (Alexander Skarsgård), le membre maussade et quelque peu mystérieux d'un gang de motards gay local. Le résultat est une histoire de découverte de soi remarquablement originale et étonnamment émouvante. —Marley Marius
Love Lies Bleeding (2024)
Katy O'Brian et Kristen Stewart dans Love Lies Bleeding.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Kristen Stewart et Katy O'Brian brillent dans ce thriller criminel queer à propos d'une culturiste en route pour une convention à Los Angeles qui tombe amoureuse d'un propriétaire de salle de sport. Bientôt, le passé criminel de sa famille revient les hanter tous les deux. Plus de films sur des lesbiennes extrêmement musclées, s'il vous plaît ! —Emma Specter
I Saw the TV Glow (2024)
Justice Smith et Brigette Lundy-Paine dans I Saw the TV Glow.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'A24
Les débuts de Jane Schoenbrun chez A24 se concentrent sur deux lycéens solitaires qui deviennent obsédés par une émission de télévision tardive qui fonctionne (brillamment, puis-je ajouter) comme une allégorie de l'identité trans et de l'appartenance. Dans sa critique, le rédacteur en chef adjoint de Vogue, Taylor Antrim, a salué le film comme un exemple parfait de « cinéma indépendant étrange, ardent et poignant nostalgique ». Espérons que nous aurons beaucoup plus de films queer et trans de Schoenbrun à comparer à celui-ci à l'avenir. —ES
Bottoms (2023)
Ayo Edebiri et Rachel Sennott dans Bottoms.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Deux lycéennes queer impopulaires créent un club de combat pour se rapprocher de leurs béguins pom-pom girls dans cette comédie grossière, légèrement ridicule et délicieusement rapide de la réalisatrice de Shiva Baby, Emma Seligman. Tout le casting est parfait, mais Ayo Edebiri pourrait être la plus remarquable lorsqu'elle assène un crochet du droit. —ES
Fire Island (2022)
Matt Rogers, Zane Phillips, Tomas Matos, Joel Kim Booster, Torian Miller et Bowen Yang dans Fire Island.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Cette adaptation (très libre) de Orgueil et Préjugés de Jane Austen, du réalisateur Andrew Ahn et de l'écrivain et star Joel Kim Booster, suit un groupe d'amis gays lors de leur voyage estival annuel dans le lieu de vacances queer emblématique de Fire Island. Ils réalisent bientôt que leurs jours ensoleillés pourraient être comptés. Il y a beaucoup de romance dans Fire Island, mais le film brille vraiment par sa représentation des hauts et des bas de l'amitié queer. —ES
Tár (2022)
Cate Blanchett dans Tár.
Photo : Avec l'aimable autorisation de Focus Features
Il est difficile de penser à un film queer récent qui a suscité plus de discussions que Tár, le drame psychologique de Todd Field sur une chef d'orchestre de renommée mondiale confrontée à des allégations d'inconduite. Cate Blanchett apporte tellement d'étendue et de profondeur à Lydia Tár que le personnage ne semble jamais être un simple méchant. L'exploration par le film de la queerness et du genre (« Je suis le père de Petra », quelqu'un ?) est également stimulante. Il est important de se rappeler que les membres de la communauté LGBTQ+ sont tout à fait capables de causer du tort. —ES
Benediction (2021)
Jeremy Irvine et Jack Lowden dans Benediction.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Jack Lowden livre une autre performance puissante dans le rôle de Siegfried Sassoon, un soldat décoré de la Première Guerre mondiale devenu critique du gouvernement et poète célèbre, dans Benediction de Terence Davies. Le film oscille entre esprit vif et profonde tristesse, suivant Sassoon (et ses amours) alors qu'il évolue dans les cercles aristocratiques, littéraires et théâtraux de l'Angleterre d'après-guerre, à la recherche d'une sorte de rédemption. —Lisa Wong Macabasco
The Power of the Dog (2021)
Kodi Smit-McPhee et Benedict Cumberbatch dans The Power of the Dog.
Photo : Avec l'aimable autorisation de Netflix
Situé dans le Montana des années 1920, The Power of the Dog explore les tensions et les secrets qui surgissent lorsqu'un riche éleveur (Jesse Plemons) amène sa nouvelle épouse (Kirsten Dunst) et son fils (Kodi Smit-McPhee) vivre avec son frère cowboy bourru (Benedict Cumberbatch). Ce regard lent sur la masculinité toxique a obtenu 12 nominations aux Oscars. Le film de Jane Campion a suscité un débat sur le point de savoir s'il avait « une beauté queer indéfinissable » ou « un problème queer », ainsi que des discussions sur les acteurs hétérosexuels jouant des personnages queer. —LWM
Disclosure (2020)
Laverne Cox dans Disclosure.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Laverne Cox raconte ce documentaire sur l'histoire de la représentation trans à l'écran. Il met en vedette des célébrités trans comme Alexandra Billings, Trace Lysette, Michaela Jaé Rodriguez, Zackary Drucker, Lilly Wachowski et Ser Anzoategui, qui discutent de la manière dont les expériences des personnes trans et non conformes dans le genre à Hollywood ont changé au cours des dernières décennies. —ES
Shiva Baby (2020)
Molly Gordon et Rachel Sennott dans Shiva Baby.
Photo : Avec l'aimable autorisation de Brigade Publicity
Qui est mort ? Est-ce que ça a de l'importance ? De Emma Seligman, Shiva Baby est une comédie connue pour son histoire unique, ses dialogues intelligents et ses performances exceptionnelles, en particulier de Molly Gordon, Dianna Agron et la star Rachel Sennott. Sennott joue Danielle, une étudiante bisexuelle en dernière année qui observe la shiva avec sa famille après avoir couché avec son sugar daddy. Mais son sugar daddy est aussi à la shiva, avec sa femme « Malibu Barbie » et son enfant qui crie, et l'ex-petite amie de Danielle est également présente. Intelligent et sombrement drôle, Shiva Baby semble déjà un classique. —Gia Yetikyel
Portrait de la jeune fille en feu (2019)
Noémie Merlant et Adèle Haenel dans Portrait de la jeune fille en feu.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Déjà experte dans la capture du désir queer naissant à l'écran—jetez un œil à Naissance des pieuvres (2007) et Tomboy (2011) si vous ne l'avez pas fait—Céline Sciamma a réalisé son film le plus romantique et le plus ample avec Portrait de la jeune fille en feu. Ce drame d'époque tire une émotion extraordinaire d'une retenue parfaite. Noémie Merlant joue Marianne, une artiste engagée pour peindre le portrait d'une jeune femme (Adèle Haenel) qui est mariée à un noble italien. Alors que les deux femmes deviennent lentement amies, cette amitié se transforme en une brève mais passionnée histoire d'amour—et certains des plus beaux moments de cinéma de la décennie. —MM
Rafiki (2018)
Sheila Munyiva et Samantha Mugatsia dans Rafiki.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Nommé d'après le mot swahili pour « ami », ce drame kenyan de Wanuri Kahiu suit deux jeunes femmes à Nairobi alors qu'elles flirtent et construisent finalement une romance dans une communauté aux lois anti-gay strictes. (Malheureusement, ces lois sont bien réelles—Rafiki est interdit au Kenya.) Le film est lumineux, enivrant, intime et plein de couleurs. Une fois que vous l'avez regardé, la relation entre Kena et Ziki est difficile à oublier. —ES
La Mauvaise Éducation de Cameron Post (2018)
Forrest Goodluck, Sasha Lane et Chloe Grace Moretz dans La Mauvaise Éducation de Cameron Post.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Desiree Akhavan est connue pour dépeindre de manière vivante la vie queer contemporaine dans sa série télévisée The Bisexual, mais dans ce film, elle aborde le sujet sombre de la thérapie de conversion... avec un effet dévastateur. Chloë Grace Moretz joue une jeune femme envoyée dans un camp de thérapie de conversion chrétien appelé God's Promise après avoir été surprise en train d'avoir des relations sexuelles avec une fille au bal de promo. La regarder traverser le traumatisme vers le pouvoir guérisseur de la communauté queer semble profondément résonnant. —ES
Duck Butter (2018)
L'affiche de Duck Butter.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
La chimie entre Alia Shawkat et Laia Costa saute littéralement à l'écran dans ce film léger mais réfléchi. Il suit deux femmes qui décident de passer 24 heures ensemble pour voir si cela peut les rapprocher. (Cela le fait, mais pas de la manière à laquelle on pourrait s'attendre.) —ES
120 Battements par Minute (2017)
Nahuel Perez Biscayart dans 120 Battements par Minute.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Situé parmi un groupe passionné mais conflictuel de militants du VIH/SIDA dans la France du début des années 90, 120 Battements par Minute capture un tournant clé dans l'histoire LGBTQ+, alors que l'action radicale et directe d'ACT UP a poussé la cause vers le grand public. Mais au-delà de cela, c'est un voyage joyeux et énergique à travers la musique (et, oui, le sexe) qui a alimenté le mouvement, mené par des performances époustouflantes de Nahuel Pérez Biscayart, Arnaud Valois et Adèle Haenel. Le film est aussi déchirant qu'il est finalement inspirant. —Liam Hess
Call Me By Your Name (2017)
Timothée Chalamet dans Call Me by Your Name.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Situé dans le nord de l'Italie en 1983, Call Me by Your Name raconte l'histoire de la romance entre l'adolescent Elio (Timothée Chalamet) et un beau jeune étudiant diplômé américain (Armie Hammer) qui travaille avec le père archéologue d'Elio. Baigné de lumière dorée, de repas en plein air tranquilles et de moments sensuels volés, le film a obtenu quatre nominations aux Oscars (dont meilleur film et meilleur acteur pour Chalamet, le troisième plus jeune dans cette catégorie à 22 ans) et a fait tomber des millions de personnes amoureuses de Chalamet. —LWM
God's Own Country (2017)
Josh O'Connor, Francis Lee et Alec Secăreanu.
Photo : Getty Images
Johnny (Josh O'Connor, dans un premier rôle marquant) travaille dur pour maintenir la ferme ovine de sa famille dans le Yorkshire. Gheorghe (Alec Secăreanu), un travailleur migrant roumain, est embauché pour l'aider pendant la saison de l'agnelage. Bien qu'ils aient des moments difficiles en apprenant à se connaître, leur relation de travail se transforme lentement en tension sexuelle et en intimité aimante. Le film a remporté le prix de la mise en scène pour le cinéma mondial au Festival du film de Sundance 2017, le New York Times décrivant son histoire comme « autant une redécouverte d'un lieu que la recherche de l'amour ». —GY
Princess Cyd (2017)
Jessie Pinnick dans Princess Cyd.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Envoyée de Caroline du Sud à Chicago pour l'été, une jeune femme (Jessie Pinnick) apprend à mieux connaître sa tante longtemps perdue de vue (Rebecca Spence)—et commence à explorer sa queerness émergente—dans ce film doux mais profondément émouvant qui va au cœur de ce que nous pouvons apprendre des relations familiales et amoureuses. —ES
Mademoiselle (2016)
Kim Tae-ri et Kim Min-hee dans Mademoiselle.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
La délicieusement sombre réimagination par Park Chan-wook de Du bout des doigts de Sarah Waters déplace l'histoire de l'Angleterre victorienne à la Corée du début du 20e siècle sous occupation japonaise—avec des résultats captivants et époustouflants. Suivant la romance interdite entre une paysanne qui travaille comme servante pour une riche héritière à travers une série de perspectives contradictoires à la Rashōmon, Mademoiselle est un thriller érotique soigneusement conçu pour les âges. —LH
Moonlight (2016)
Alex R. Hibbert dans Moonlight.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Bien qu'une confusion aux Oscars 2016 ait donné à Moonlight une renommée d'un autre genre, le film est encore largement considéré comme le vainqueur évident du meilleur film de l'année. Réalisé par Barry Jenkins et adapté d'une pièce de Tarell Alvin McCraney, Moonlight est une puissante histoire de passage à l'âge adulte racontée en trois chapitres sur un homme noir gay grandissant dans une région pauvre de Miami. La scène culminante du film, où les deux amants romantiques... Un groupe de vieux amis se retrouve dans un diner après des années de séparation, et cela devient l'une des explorations les plus émouvantes des liens indéfectibles de l'amour queer de mémoire récente. —LH
Carol (2015)
Rooney Mara et Cate Blanchett dans Carol.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Todd Haynes, un maître du mélodrame moderne (voir : Loin du paradis de 2002), a donné vie à un premier roman de Patricia Highsmith de manière palpitante et langoureuse avec Carol, situé dans les années 1950. Travaillant à partir d'un scénario en développement depuis près de 20 ans—la scénariste Phyllis Nagy a écrit sa première version à la fin des années 1990—Haynes a choisi Cate Blanchett et Rooney Mara comme amantes lesbiennes centrales de l'histoire. Le duo fait face à des menaces et du chantage de la part de leurs partenaires actuels juste pour continuer à se voir. Déjà doté d'un solide culte, le film a obtenu six nominations aux Oscars en 2016, dont Meilleure Actrice, Meilleure Actrice dans un Second Rôle et Meilleur Scénario Adapté. —MM
Tangerine (2015)
Kitana Kiki Rodriguez et Mickey O'Hagan dans Tangerine.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Le film de rupture de Sean Baker, Tangerine—célèbre pour avoir été entièrement tourné sur un iPhone, bien qu'on ne le devinerait jamais à ses couchers de soleil flous, roses et violets de Los Angeles—est un regard sauvage, brillamment drôle et étonnamment touchant sur une journée dans la vie de deux travailleuses du sexe trans. Elles cherchent à se venger d'un petit ami qui a trompé pendant que l'une d'elles était en prison. Portrait éblouissant d'une amitié indéfectible forgée en marge de la société, les deux stars infiniment charismatiques du film—Mya Taylor et Kitana Kiki Rodriguez—apportent une énergie débordante et un sens de l'humour diabolique à chaque scène. —LH
La Vie d'Adèle (2013)
Adèle Exarchopoulos et Lea Seydoux dans La Vie d'Adèle.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
D'abord présenté au Festival de Cannes 2013 avec une réponse critique divisée—à la fois pour ses représentations graphiques de relations sexuelles homosexuelles et les allégations de mauvais traitement par le réalisateur Abdellatif Kechiche sur le tournage—La Vie d'Adèle reste un témoignage puissant de l'amour tumultueux entre ses deux personnages principaux, Emma et Adèle, alors qu'elles entrent et sortent de la vie de l'autre pendant de nombreuses années. Les véritables points forts, cependant, sont les performances révélatrices de Léa Seydoux et Adèle Exarchopoulos. Leurs explorations extraordinaires et brutes de la sensualité et du chagrin leur ont valu une Palme d'Or conjointe (et bien méritée) aux côtés du réalisateur du film. —LH
Week-end (2011)
Tom Cullen et Chris New dans Week-end.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Le portrait sensuel, tendre et absolument charmant d'Andrew Haigh suit deux jeunes hommes britanniques (Tom Cullen et Chris New) alors qu'ils se rencontrent et tombent amoureux en 48 heures. Le film est honnête dans sa représentation à la fois de la sexualité et de l'émotion, touchant aux spécificités de la vie gay aujourd'hui ainsi qu'à l'expérience universelle d'une connexion électrique et immédiate. Avec de longs plans d'observation et beaucoup de détails et de dialogues révélateurs, c'est une aventure d'un soir prolongée dont on espère qu'elle ne finira jamais. —LWM
The Kids Are All Right (2010)
Annette Bening, Julianne Moore et Mia Wasikowska dans The Kids Are All Right.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Annette Bening et Julianne Moore jouent les épouses et mères de deux adolescents dans ce film de passage à l'âge adulte d'une beauté poignante situé à Los Angeles. Regarder leur relation se désagréger—surtout lorsque leur donneur de sperme, un charmant propriétaire de restaurant à moto joué par Mark Ruffalo, entre en scène—est une expérience qui tire les larmes, tout comme la scène finale du film. —ES
A Single Man (2009)
Colin Firth et Julianne Moore dans A Single Man.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Lorsque Tom Ford a annoncé pour la première fois qu'il adapterait le roman de 1964 de Christopher Isherwood, A Single Man, pour l'écran, certains craignaient que le film du créateur de mode ne soit que du style sans substance. Il n'en est rien : Bien que le film soit effectivement somptueusement stylé, avec son architecture du milieu du siècle et ses superbes costumes des années 1960, il a un cœur puissant et battant en son centre. L'histoire de Ford suit un professeur en deuil (Colin Firth), sa meilleure amie qui l'aime en secret (Julianne Moore), et un étudiant sexuellement ambigu qui offre la chance d'une romance interdite (Nicholas Hoult). C'est un regard émouvant sur le deuil et le désir, et il mérite pleinement toutes les louanges qu'il a reçues. —LH
Le Secret de Brokeback Mountain (2005)
Jake Gyllenhaal et Heath Ledger dans Le Secret de Brokeback Mountain.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
« J'aimerais savoir comment te quitter. » Vous avez entendu la réplique, je l'ai entendue, et j'ai pleuré en entendant Jack de Jake Gyllenhaal la dire à Ennis de Heath Ledger. Le Secret de Brokeback Mountain est un drame romantique néo-western qui commence dans les années 1960 et s'étend sur plus de 30 ans. La romance est à la fois sincère et déchirante alors que Jack et Ennis naviguent dans leur relation sexuelle et émotionnelle à travers les peurs personnelles, la pression sociétale et l'homophobie. Le film de 2005 a été nominé pour le Meilleur Film et a remporté le Meilleur Réalisateur, le Meilleur Scénario Adapté et la Meilleure Musique Originale à la 78e cérémonie des Oscars. —GY
Mysterious Skin (2004)
Joseph Gordon-Levitt, Jeffrey Licon et Michelle Trachtenberg dans Mysterious Skin.
Photo : Tartan Releasing / Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Il y a beaucoup de films de Gregg Araki qui auraient pu figurer sur cette liste, mais le réalisateur—un pionnier du mouvement du Nouveau Cinéma Queer dans les années 1990—a sans doute atteint son apogée avec le dévastateur drame de passage à l'âge adulte Mysterious Skin. Avec un incroyable Joseph Gordon-Levitt dans le rôle d'un prostitué masculin acceptant les abus qu'il a subis de la part d'un entraîneur de baseball de son enfance, le film a fait la une des journaux pour son regard sans faille sur les abus sexuels. Mais il porte aussi un sentiment d'espoir calme et inattendu, montrant avec douceur que les traumatismes de notre jeunesse ne doivent pas nous définir à l'âge adulte. —LH
Saving Face (2004)
Lynn Chen et Michelle Krusiec dans Saving Face.
Photo : Alamy
Le premier long métrage de la réalisatrice Alice Wu suit Wilhelmina (Michelle Krusiec), une jeune chirurgienne sino-américaine à succès, alors qu'elle fait face à la grossesse hors mariage de sa mère et à sa propre relation secrète avec sa petite amie danseuse (Lynn Chen). Ce film intergénérationnel a été réalisé en 2004, mais il vaut bien le revoir (ou plus d'une fois, si vous êtes fan de comédies romantiques). —ES
Angels in America (2003)
Emma Thompson dans Angels in America.
Photo : Avec l'aimable autorisation de HBO
Ce n'est pas techniquement un film, mais avec son réalisateur légendaire et son casting de stars, la version HBO de Angels in America semble tout aussi cinématographique que n'importe quoi d'autre sur cette liste. Adaptée pour l'écran par Mike Nichols, la vaste « fantaisie gay » de Tony Kushner—une histoire lauréate du Pulitzer, du Tony et du Drama Desk sur l'épidémie de SIDA dans le New York des années 1980—est devenue une mini-série brillamment dévastatrice. Elle met en vedette Al Pacino, Emma Thompson, Mary-Louise Parker, Patrick Wilson, Jeffrey Wright, et une Meryl Streep brillante et caméléon. —MM
Tout sur ma mère (1999)
Le réalisateur Pedro Almodóvar et Cecilia Smith sur le plateau de Tout sur ma mère.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Bien que presque tous les mélodrames kitsch et colorés de Pedro Almodóvar des années 1980 et 1990 pourraient figurer sur cette liste, peu ont eu le même cœur—ou le même impact mondial, après avoir remporté un Oscar du meilleur film en langue étrangère—que Tout sur ma mère en 1999. Il raconte l'histoire de Manuela, une mère célibataire dont la mort récente de son fils l'envoie dans un voyage pour renouer avec le père du garçon, maintenant une femme trans. La représentation sensible et humaine de la communauté trans par le film et ses questions profondes sur la maternité et les familles choisies en font l'une des plus grandes réalisations d'Almodóvar. —LH
Beau Travail (1999)
Une scène de Beau Travail.
Photo : Avec l'aimable autorisation de Janus Films
Librement inspiré de la nouvelle d'Herman Melville Billy Budd, le magnifique (et brutal) Beau Travail de Claire Denis explore la jalousie, la masculinité et le désir caché dans les marchés, les boîtes de nuit et les déserts de Djibouti. Denis Lavant incarne Galoup, un adjudant-chef de la Légion étrangère française, qui développe une relation tendue et finalement dangereuse avec l'un de ses soldats—le beau et capable commandant Bruno Forestier (Michel Subor). Venez pour les performances subtiles et la maîtrise cinématographique d'Agnès Godard ; restez pour l'une des plus grandes fins de l'histoire du cinéma. (Vous n'entendrez plus jamais « The Rhythm of the Night » de Corona de la même manière.) —MM
But I'm a Cheerleader (1999)
Natasha Lyonne et Clea DuVall dans But I'm a Cheerleader.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Les débuts de réalisatrice de Jamie Babbit ont été inspirés par un article qu'elle a lu sur la thérapie de conversion, ainsi que par des souvenirs de sa mère dirigeant un centre de réadaptation dans l'Ohio. Le film suit Megan (Natasha Lyonne), une élève de terminale dont les parents soupçonnent qu'elle est lesbienne. Leur raisonnement ? Un mélange de l'intérêt de Megan pour le végétarisme et Melissa Etheridge, et de son regard errant vers d'autres pom-pom girls. Ainsi, Megan est envoyée dans un camp de thérapie de conversion de deux mois—où elle rencontre d'autres participants joués par Clea DuVall, Melanie Lynskey et Dante Basco—et trouve finalement une communauté (et l'amour) dans ce décor aux couleurs vives. —GY
Velvet Goldmine (1998)
Toni Collette et Jonathan Rhys-Meyers dans Velvet Goldmine.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
En ce qui concerne les films queer les plus stylés jamais réalisés, peu peuvent battre l'hommage kaléidoscopique de Todd Haynes à l'esprit du glam rock, Velvet Goldmine. Avec Jonathan Rhys Meyers dans le rôle du musicien britannique sauvage Brian Slade, librement inspiré de David Bowie, et Ewan McGregor dans celui de son homologue américain Curt Wild, librement inspiré d'Iggy Pop, l'histoire suit Arthur (Christian Bale), un journaliste gay essayant de retrouver le désormais reclus Slade pour un article de magazine. Les jours enivrants de la gloire mondiale de Slade sont revisités à travers des flashbacks. Lorsque Bowie lui-même a été interrogé sur cet apparent hommage à sa vie et son héritage, il a dit : « Quand j'ai vu le film, j'ai pensé que la meilleure chose était les scènes gay. C'était la seule partie réussie du film, franchement. » Qu'attendez-vous ? —LH
All Over Me (1997)
Tara Subkoff et Alison Folland dans All Over Me.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Alison Folland, Tara Subkoff et une jeune Leisha Hailey (alias Alice de The L Word !) jouent dans ce classique vintage riot grrrl d'Alex et Sylvia Sichel. Dans le film, l'amour d'une jeune femme pour sa meilleure amie menace de la conduire sur des chemins vraiment sombres, sur fond de Hell's Kitchen des années 90. Malgré l'intensité du film, regarder Folland et Hailey tomber amoureuses l'une de l'autre autour de glaces et de riffs de guitare est absolument adorable. —ES
Happy Together (1997)
Leslie Cheung et Tony Leung dans Happy Together.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Happy Together de Wong Kar-wai met en vedette Tony Leung et Leslie Cheung dans les rôles de Lai Yiu-Fai et Ho Po-Wing, un couple querelleur de Hong Kong qui planifie un voyage en Argentine, seulement pour manquer d'argent et être forcé d'y rester. Une entrée importante dans le canon du Nouveau Cinéma Queer, le drame de Kar-wai est passionné, maussade et profondément évocateur, retraçant les arêtes vives d'une romance intermittente dans le Buenos Aires sordide des années 1990. —MM
The Birdcage (1996)
Nathan Lane et Robin Williams dans The Birdcage.
Photo : Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection
Un remake de La Cage aux Folles d'Édouard Molinaro (1978)—lui-même adapté de la farce française de 1973 du même nom—The Birdcage met en vedette Robin Williams dans le rôle d'Armand, le propriétaire d'un club de drag à South Beach, et Nathan Lane dans celui de son partenaire, Albert, mieux connu des habitués du club sous le nom de Starina. Lorsque Val (Dan Futterman), le fils d'Armand issu d'une aventure lointaine (Christine Baranski), annonce ses projets d'épouser la fille (Calista Flockhart) d'un sénateur conservateur et de sa femme (Gene Hackman, Dianne Wiest), Armand et Albert essaient de se faire passer pour les beaux-parents parfaits. De merveilleuses péripéties s'ensuivent. —MM
Bound (1996)
Avant que les sœurs Wachowski ne deviennent les réalisatrices acclamées de la série Matrix, elles ont fait leurs débuts de réalisatrices en 1996 avec un film souvent négligé. Ce film est l'équivalent cinématographique de « sois gay, commets des crimes ». L'un des premiers du genre, ce thriller de casse lesbien et gangster est plein de suspense et d'humour. L'histoire suit Violet (Jennifer Tilly), qui planifie une évasion violente de son petit ami mafieux violent avec l'aide de son amante secrète, Corky (Gina Gershon). L'intrigue criminelle est évidemment un point fort, mais j