신생아가 세상에 나와 처음 만지는 것은 천이다. 충격에 휩싸인 작은 몸을 감싸는 수건이나 담요 말이다. 그리고 직물은 우리가 죽을 때 우리를 마지막으로 감싸는 것 중 하나이기도 하다. 그것이 사후 세계로 육체와 함께 가든, 육체와 함께 분해되든 말이다. 애도복과 장례 의식에서부터 고인의 의복 보존에 이르기까지, 패션과 죽음은 문화와 세기를 넘나들며 뗄 수 없이 얽혀 왔다. "사람들은 죽음에 대해 별로 이야기하지 않아요. 그것은 우리를 불편하게 만들죠. 그리고 그것은 사실 인생에서 유일하게 보장된 것 중 하나예요."라고 패션 인류학자이자 코넬 대학교 교수이며, 17세기까지 거슬러 올라가는 1만 점 이상의 유물을 보관한 코넬 대학교 의상 및 직물 컬렉션의 관장인 데니스 그린 박사는 말한다. "제 생각에 그것이 아마 우리가 입는 옷을 통해 죽음과 관련된 감정을 관리하는 이유 중 하나인 것 같아요."

문화를 막론하고, 직물은 삶과 죽음 사이의 통로를 헤쳐 나가는 데 역할을 해왔다. 밴쿠버 섬의 후파카사스 족 사람들 사이에서 직물과 정체성을 연구하던 그린은 고인의 옷을 태워 물리적 세계와의 유대를 끊고 지평선 너머로 여행할 수 있게 하는 전통을 접했다. 한편 인도네시아의 토라자 족 사람들 사이에서는 전통적으로 죽은 이를 무늬가 있는 장례 직물 여러 겹으로 감싸며, 의례용 천 깃발은 영혼이 사후 세계로 가는 통로를 상징한다. 가나에서는 아샨티 족 사람들이 역사적으로 아딘크라 애도복, 즉 조각된 호리병박과 천연 염료를 사용해 상징적인 무늬를 찍어 조상과의 연결을 전하는 커다란 천으로 된 몸을 감싸는 옷을 입어 왔다.

장례 의식 외에도, 죽음은 우리가 남기는 의복의 의미를 바꿀 수도 있다. "심지어 현대의 전통에서도 죽음이 의복의 객체 이력서를 바꿀 수 있다는 점이 좋아요. 누군가가 주말마다 입던 낡은 티셔츠가 그들이 세상을 떠난 후 손주나 사랑하는 사람들에게 가장 소중한 소유물이 되는 거죠."라고 코넬에서 패션과 죽음을 연구하는 박사 과정 연구원인 패션 연구자 세프라 라모스는 말한다.

서구 사회에서 의복은 정교한 시각적 애도의 언어를 발전시켜, 색상, 직물, 액세서리를 통해 슬픔을 전달했다. 고대 로마인들은 토가이 풀라이(togae pullae)로 알려진 어두운 양모 토가를 입어 애도했으며, 중세 유럽은 죽음을 둘러싼 풍부한 시각 문화를 발전시켰는데, 여기에는 모든 계층의 사람들을 이끄는 죽음을 묘사한 우화인 단스 마카브르(danse macabre)와 종종 해골과 해골 골격을 특징으로 하는 죽음에 대한 상징적 경고인 메멘토 모리(memento mori)가 포함된다. 르네상스 시대에 이르러서는 검은 애도복, 베일, 머리 장식이 슬퍼하는 유럽 귀족들을 구별했다. 18세기에 상인과 중산층이 확대되면서 한때 상류층만을 위한 것이었던 애도 패션이 점점 더 널리 퍼졌다.

빅토리아 시대에 이르러, 특히 1861년 앨버트 공의 죽음과 그에 따른 빅토리아 여왕의 40년에 걸친 애도 이후, 사별은 정교한 사회적 예절 체계로 발전했다. "옷을 입는 것은 사람들에게 시각적으로 그것을 말하는 방식이었어요. 그것은 모든 사람에게 '내가 지금 여기에 있다'고 말하는 물질적이고 상징적인 발화 행위였죠."라고 그린은 설명한다. 과부들은 처음에는 무광택 검은 크레이프, 몸을 가리는 드레스, 두꺼운 베일을 쓴 보닛을 착용하다가 점차 실크, 레이스, 제트 장신구, 그리고 회색, 자주색, 라일락색의 차분한 색조로 옮겨갔다. 애도 장신구는 심지어 고인의 머리카락을 포함할 수도 있었다. 라모스는 빅토리아 시대의 머리카락 초커, 즉 착용자가 "고인의 육체의 마지막 흔적을 피부에 느낄 수 있게" 해주는 장신구를 연구했던 것을 기억한다. 그러나 이러한 관습은 표현적이었던 만큼이나 제한적일 수 있었는데, 특히 정해진 사회적 규칙에 따라 공개적으로 사별을 표현해야 했던 여성들에게 그러했다. 20세기에 이르러 애도복은 기성복과 액세서리가 백화점과 카탈로그를 통해 판매되는 상업적 산업이 되었다. 그러나 검은색이 현대 패션의 대표적인 색이 되면서—가장 유명하게는 1926년 가브리엘 샤넬의 리틀 블랙 드레스를 통해—애도와의 연관성은 점차 느슨해졌다. "검은색이 일상복으로 채택되면서, 어떤 면에서는 세상에서 슬퍼하는 사람들을 식별할 수 있는 능력이 사라졌어요."라고 그린은 말한다. "하지만 그것은 또한 슬퍼하는 사람들이 항상 검은색을 입어야 한다는 느낌에서 벗어나게 해주기도 했죠." 정교한 베일과 엄격한 복장 규정은 점차 더 개인적인 슬픔의 표현으로 자리를 내주었고, 검은 드레스와 테일러링은 오래도록 지속되는 옷장 필수품이 되었다.

그러나 애도복의 관습이 사라지면서도 그 영향력은 지속되었는데, 빅토리아 시대에서 영감을 받은 레이스와 베일에서부터 현대 고딕 패션의 낭만적인 어둠에 이르기까지 그러하다. 런웨이에서 디자이너들은 알렉산더 맥퀸의 1996년 가을 컬렉션 "단테"에서부터 꼼 데 가르송의 2016년 가을 컬렉션 "이별의 의식"에 이르기까지, 점점 더 상상력 넘치는 표현을 통해 죽음, 슬픔, 사후 세계에 맞서며 애도의 전통을 넘어 죽음을 계속 탐구해 왔다. 그린이 관찰한 바와 같이, "의복은 항상 미래에 대한 우리의 불안을 협상하는 것에 관한 것이에요. 그것이 바로 패션이죠, 그렇죠? 그것이 패션이 변하는 이유예요." 그리고 죽음보다 더 확실하면서도 더 생각하기 어려운 미래가 무엇이겠는가?

자주 묻는 질문
FAQ 죽음의 춤 패션 죽음과 죽음성에 대한 지속적인 매혹



1 죽음의 춤이란 무엇인가

단스 마카브르라고도 불리는 중세 예술 전통으로, 해골이 왕, 농민, 교황 등 모든 계층의 사람들을 피할 수 없는 죽음으로 이끄는 모습을 보여준다. 죽음은 모든 사람에게 찾아온다는 것을 상기시키는 것이다.



2 메멘토 모리란 무엇을 의미하는가

라틴어로 '너는 죽어야 한다는 것을 기억하라'는 뜻이다. 인생은 짧다는 것을 착용자에게 상기시키는 장신구, 예술, 의복 뒤에 있는 개념이다.



3 죽음은 어떻게 패션과 연결되는가

디자이너들은 오랫동안 의복과 장신구에 해골, 뼈, 애도복, 어두운 낭만적 이미지를 사용해 왔다. 이러한 모티프는 무서운 주제를 아름답고 입을 수 있으며 생각할 거리를 주는 것으로 바꾼다.



4 이 트렌드는 언제 시작되었는가

애도복과 메멘토 모리 장신구는 수 세기 전으로 거슬러 올라간다. 빅토리아 시대 사람들은 제트블랙 애도복과 머리카락 장신구를 착용한 것으로 유명하다. 해골 모티프는 1970~90년대 펑크 시대에 런웨이에 등장했고, 알렉산더 맥퀸 같은 디자이너들과 함께 다시 등장했다.



5 사람들은 왜 죽음을 주제로 한 패션에 끌리는가

그것은 사람들이 큰 감정—슬픔, 두려움, 호기심—을 창의적인 방식으로 표현할 수 있게 해준다. 또한 반항적으로 느껴지며 삶에 감사하도록 상기시켜 준다.



6 그것은 단지 고스(Goth)의 것인가

아니다. 고스 문화가 그것을 받아들이지만, 해골 프린트, 애도에서 영감을 받은 레이스, 메멘토 모리 장신구는 주류 패션, 하이 패션, 스트리트웨어에서도 나타난다.



7 해골이나 죽음 이미지를 착용하는 것은 무례한가

보통은 아니다—상황에 따라 다르다. 해골 프린트 스카프를 착용하는 것과 실제 장례식을 조롱하는 것은 다르다. 언제 어디서 착용하는지 신중하게 생각하라.



8 유명한 사례에는 어떤 것이 있는가

알렉산더 맥퀸의 해골 모티프, 빅토리아 시대 애도 장신구, 펑크 시대 해골 티셔츠, 디아 데 로스 무에르토스에서 영감을 받은 패션, 그리고 수많은 프린트에 영감을 준 단스 마카브르 벽화 등이 있다.



9 이 트렌드를 세련되게 착용하려면 어떻게 해야 하는가

작게 시작하라—해골 참, 검은 레이스 디테일, 또는 메멘토 모리 반지. 하나의 포인트 아이템을 단순한 의복과 매치하여 의상처럼 보이지 않고 의도적으로 보이게 하라.



10 실제 장례식에 애도에서 영감을 받은 옷을 입어도 되는가

가족의 뜻을 우선 따르라. 전통적인 검은색