En 1971, Yoko Ono colocó anuncios en periódicos locales anunciando una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Pero cuando los visitantes llegaron a la exposición, encontraron un pequeño cartel fuera de la entrada. Explicaba que Ono había soltado moscas en los terrenos del museo e invitaba a la gente a seguirlas por la ciudad. Al final, no hubo una exposición oficial en el interior. En cambio, Ono colocó camarógrafos alrededor del edificio para preguntar a los visitantes qué pensaban de la exposición.
Sus reacciones se convirtieron en la obra de arte en sí misma. Algunos elogiaban la exposición inexistente, mientras que otros intentaban inmediatamente descifrar su significado. Muchos descartaron a Ono sin más, y una persona la llamó "chiflada". Pero en las imágenes granuladas del evento, un espectador responde con pura alegría: un niño. Cuando el entrevistador le pregunta qué pensaría si la exposición existiera solo en su imaginación, el niño sonríe de oreja a oreja. "Entonces tienes un museo muy bueno allí", dice. "Eso es realmente genial".
Ese clip ahora se reproduce dentro de "Yoko Ono: Music of the Mind" en The Broad en Los Ángeles, donde se siente menos como una grabación antigua y más como una clave para entender toda la obra de Ono. Con duración hasta el 11 de octubre, "Music of the Mind" es la primera exposición individual en un museo de la artista, música y activista en el sur de California. Abarca gran parte del trabajo temprano de Ono, incluyendo arte conceptual, música, cine, instalaciones, piezas de instrucción y activismo.
"Yoko tiene un universo de trabajo muy grande que no está representado en la exposición, y no podría estarlo", dice Connor Monahan, su director de estudio durante casi dos décadas. "No hay una sola exposición que pueda cubrir realmente todo el trabajo de Yoko".
La exposición en The Broad llega en un momento en que el legado de Ono está siendo reevaluado. Durante mucho tiempo descartada por el público como una provocadora vanguardista absurda o simplemente "la mujer que separó a The Beatles", Ono es ahora ampliamente reconocida como una de las figuras fundacionales del arte conceptual y de performance. "Music of the Mind" destaca esto, presentando a Ono no como una nota al pie cultural o una rareza, sino como una de las visionarias artísticas definitorias del siglo pasado.
"Hay un optimismo implacable en Yoko", dice Monahan. "Muchas personas, si recibieran ese tipo de crítica pública, no continuarían creando más trabajo. Pero ella nunca fue quebrantada por eso". Señala una de las filosofías de larga data de Ono: "Cree en ti mismo y cambiarás el mundo".
"La imaginación no es secundaria a la obra; es la obra", añade Monahan, una idea que el niño frente al MoMA entendió instintivamente.
La visión de Ono de la imaginación como alimento comenzó temprano. A los 12 años, después de ser evacuada de Tokio durante la Segunda Guerra Mundial, ella y su familia se refugiaron en el campo japonés. La comida escaseaba, así que Ono y su hermano menor Keisuke se acostaban boca arriba, mirando al cielo e intercambiando "menús en el aire", imaginando comidas elaboradas juntos. Sarah Loyer, curadora y gerente de exposiciones en The Broad, describe esos momentos como "una creencia en la propia imaginación como un modo de supervivencia". Ono más tarde consideró estos banquetes imaginados entre sus primeras obras de arte.
Después de regresar a Tokio, Ono se matriculó en la Universidad Gakushuin en 1952, convirtiéndose en la primera estudiante de filosofía de la escuela. Luego se mudó a los Estados Unidos en 1953 y asistió al Sarah Lawrence College, donde estudió poesía y composición musical.
A principios de la década de 1960, Ono estaba profundamente involucrada en la escena vanguardista del centro de Nueva York. Realizó performances experimentales y obras basadas en instrucciones en su loft de Chambers Street, atrayendo el interés de figuras como Marcel Duchamp, Peggy Guggenheim, Isamu Noguchi y Robert Rauschenberg.
Vista de instalación de "Yoko Ono: Music of the Mind" en The Broad, Los Ángeles, del 23 de mayo al 11 de octubre de 2026.
Cortesía de The Broad. Foto de Joshua White/JWPictures.com. © Yoko Ono
"Music of the Mind" comienza con tres versiones de Lighting Piece (1955), que da una instrucción simple: "Enciende una cerilla y mira hasta que se apague". Cerca hay fotos de Ono realizando la pieza, junto con una película en blanco y negro de ella encendiendo una cerilla en cámara lenta hipnótica. En otras partes de las galerías, encontrarás páginas mecanografiadas originales de Grapefruit, el innovador libro de obras de instrucción de Ono de 1964. Estas páginas invitan al público a "Escuchar el sonido de la tierra girando", "Dibujar un mapa para perderse" y simplemente "Volar". Cuando se le preguntó en una entrevista de 1971 por qué escribió el libro, Ono respondió: "Verás, nacemos y morimos. En medio de eso, comemos, dormimos y caminamos, pero eso no es suficiente para nosotros. Tenemos que actuar nuestra locura para estar cuerdos".
A unas cuantas salas de la exposición, hay un gran lienzo blanco cubierto de clavos. Algunos tienen hebras individuales de cabello humano atadas alrededor. La instrucción dice:
"Clava un clavo en la superficie cada mañana.
Recoge un solo cabello que se caiga al peinarte por la mañana.
Ata ese cabello alrededor del clavo clavado".
Cada vez que un participante clava otro clavo en el lienzo, el golpe envía un profundo y resonante eco a través de la galería, sobresaltando a los visitantes cercanos antes de atraerlos para que lo intenten ellos mismos.
Vista de instalación de Painting to Hammer a Nail en "Yoko Ono: Music of the Mind", Gropius Bau, Berlín, Alemania, 2025.
© Gropius Bau, foto: Luca Girardini. Obra de arte © Yoko Ono
Estos elementos interactivos y atractivos se encuentran en toda la exposición. Incluso antes de entrar al museo, se pide a los visitantes que escriban deseos en pequeños trozos de papel y los aten a los olivos que ya crecen en la plaza del museo. En el interior, en una actividad particularmente alegre, se invita a los visitantes a ponerse grandes sacos de tela negra y moverse sobre una plataforma blanca, sus formas lentas y borrosas pareciendo manchas de Rorschach vivientes. En otra parte, para Helmets (Pieces of Sky) (2001), los espectadores buscan a través de cascos del ejército alemán de la Segunda Guerra Mundial suspendidos, tomando piezas de rompecabezas con patrón de cielo de su interior para llevarlas a casa. "Toma un pedazo de cielo", dice Ono a los espectadores. "Sabe que todos somos parte unos de otros".
"La obra desafía lo que creemos que significa ser miembro del público en un museo", dice Loyer. Los visitantes que dudan en los bordes de estas obras participativas lentamente reúnen el coraje para unirse después de ver a alguien más hacerlo primero, y cada interacción genera conversaciones.
Los visitantes exploran Add Colour (Refugee Boat) (1960/2016) de Yoko Ono instalada en "Yoko Ono: Music of the Mind", Tate Modern, Londres, 2024.
© Yoko Ono. Foto © Oliver Cowling, cortesía de Tate.
Obras creadas por primera vez hace décadas también adquieren nuevos significados a medida que el mundo cambia a su alrededor. Add Color (Refugee Boat), una instalación participativa continua que invita a los espectadores a dejar mensajes y dibujos en un barco blanco en el centro de una sala completamente blanca, se ha transformado muchas veces a lo largo de los años: primero reflejando la crisis de refugiados sirios, luego Ucrania, y ahora Gaza. Durante mi visita, los espectadores garabatearon llamados a abolir el ICE en las paredes, dibujaron olas debajo del barco en diferentes tonos de azul y escribieron mensajes de paz en varios idiomas.
"Todo su trabajo está inacabado y cambia y evoluciona constantemente con el tiempo", dice Monahan. Vuelve a "Music of the Mind" dos semanas después, y será literalmente diferente: nuevos deseos colgando de los árboles, nuevos mensajes cubriendo las paredes, nuevos desconocidos completando la obra de maneras que la propia Ono nunca podría predecir completamente. Mientras la guerra, el desplazamiento, la misoginia, el racismo, el nacionalismo y la violencia estatal continúen, el trabajo de Ono sigue siendo sorprendentemente relevante.
También se exhibe un video de una de las obras más famosas de Ono, Cut Piece, interpretada por primera vez en Kioto en 1964. Durante la performance, la artista Yoko Ono se sentó en silencio en el escenario mientras los miembros del público se acercaban y cortaban pedazos de su ropa con tijeras. Desde entonces, la pieza ha sido interpretada de muchas maneras: trauma de posguerra, cosificación, consentimiento, raza, vulnerabilidad y el papel del público. "Realmente pone la responsabilidad en el espectador", explica Loyer.
Cut Piece, 1964, interpretada en New Works of Yoko Ono, Carnegie Recital Hall, Nueva York, filmada por David y Albert Maysles, película de 16 mm, blanco y negro, sonido estéreo, 8 minutos 27 segundos.
© Yoko Ono
Si bien la exposición toca naturalmente la influencia de John Lennon, no lo pone en el centro. Ono conoció a Lennon en 1966, la noche antes de que su exposición se inaugurara en la Indica Gallery de Londres. Lennon entró, subió una escalera como parte de una pieza y, a través de una lupa, vio una pequeña palabra impresa en el techo: "SÍ". Ono recordó más tarde haberle entregado una tarjeta que decía "Respira", lo que hizo que se inclinara tan cerca que ella podía oírlo inhalar. Luego caminó hacia un pedestal que sostenía una manzana, en sí misma una obra de arte, y le dio un mordisco. "Me puse pálida", recordó Ono. "Pensé, ¿cómo se atreve este tipo a hacerle eso a mi obra?".
Juntos, Lennon y Ono convirtieron la celebridad en una herramienta para el activismo contra la guerra a través de bed-ins, campañas en vallas publicitarias, performances conceptuales y acciones mediáticas contra la Guerra de Vietnam. Pero la celebridad también distorsionó profundamente la forma en que el público veía a la propia Ono.
Bed-In en el Amsterdam Hilton Hotel, Países Bajos, 1969.
© Yoko Ono. Foto: Henry Pessar.
A lo largo de la década de 1970, Ono lanzó una serie de álbumes experimentales y políticamente cargados que a menudo fueron ridiculizados en su momento, pero que ahora se consideran notablemente influyentes, anticipando el punk, el riot grrrl, el no wave y el pop experimental décadas antes de que esos estilos se volvieran mainstream. En su canción hablada de 1973 "I Learned to Stutter", Ono dice: "Vivía como artista y tenía relativa libertad como mujer y era considerada la perra de la sociedad / Desde que conocí a John, fui ascendida a bruja y creo que eso es muy halagador". La línea es divertida, aguda y conscientemente teatral. Pero debajo del humor había algo mucho más doloroso. "La sociedad de repente me trató como una mujer que pertenecía a un hombre que es una de las personas más poderosas de nuestra generación", continúa. "Toda la sociedad deseaba que yo muriera / Empecé a acumular una tremenda cantidad de complejo de culpa y como resultado de eso empecé a tartamudear".
Desde entonces, la voz de Ono ha encontrado un nuevo significado. Durante la duración de "Music of the Mind", su trabajo se extenderá más allá del museo mismo: siete vallas publicitarias en Los Ángeles mostrarán frases como PIENSA EN PAZ, ACTÚA EN PAZ, IMAGINA LA PAZ y LA PAZ ES PODER. Al otro lado de la calle de The Broad, REDCAT, el espacio de performance dentro del complejo del Walt Disney Concert Hall, albergará performances de Cut Piece y Sky Piece to Jesus Christ. Y en agosto, músicos como Yo La Tengo, Tune-Yards, Sleater-Kinney, Rufus Wainwright y Yuka Honda reinterpretarán la música de Ono durante un gran concierto en The Broad.
"Yoko ve el arte como algo que nunca se ha limitado a una galería o un museo", dice Monahan. "[Ella ve] el arte como una acción o actividad, una provocación o un cambio de percepción para el público". Uno de los dichos favoritos de Ono, explica, es: "El trabajo del artista no es destruir sino cambiar el valor de las cosas".
Un saco negro se convierte en una herramienta para el juego colectivo. Un árbol se convierte en un registro vivo de anhelo, dolor y esperanza. Un clavo se convierte en un acto de conexión. El arte de Ono trata en última instancia sobre la frágil y radical creencia de que otra forma de ver, y por lo tanto otra forma de vivir, aún podría ser posible. Imagina.
Preguntas Frecuentes
Aquí hay una lista de preguntas frecuentes sobre la visita a la exposición de Yoko Ono en The Broad, escritas en un tono natural con respuestas claras y directas.
Planificación General
P ¿De qué trata la exposición de Yoko Ono en The Broad
R Es una gran retrospectiva del trabajo de Yoko Ono que abarca desde los años 60 hasta la actualidad Se centra en su arte interactivo instrucciones y activismo por la paz gran parte de lo cual te invita a participar
P ¿Cuánto tiempo se tarda en ver toda la exposición
R La mayoría de la gente pasa entre 1 y 15 horas Si planeas hacer todas las piezas interactivas calcula cerca de 2 horas
P ¿Necesito un boleto separado para la exposición de Yoko Ono
R Sí La colección general de The Broad es gratuita con un boleto con hora asignada pero la exposición de Yoko Ono requiere un boleto de pago separado Resérvalo en línea con anticipación
P ¿La exposición es buena para niños
R Absolutamente Muchas piezas son prácticas como clavar un clavo en un lienzo o escribir deseos Es muy atractiva para los niños pero vigílalos cerca de las instalaciones más frágiles
P ¿Puedo tomar fotos dentro de la exposición
R Sí se permite la fotografía sin flash en la mayoría de las áreas Algunas piezas muy frágiles o sensibles a la luz pueden tener restricciones pero los carteles te lo indicarán
La Experiencia Artística
P ¿Qué significa arte de instrucción
R Yoko Ono a menudo te da una instrucción escrita en lugar de un objeto terminado El arte se completa cuando imaginas o sigues físicamente la instrucción
P ¿Con qué pieza definitivamente debería intentar interactuar
R Definitivamente prueba Wish Tree Escribes un deseo en una etiqueta de papel y lo atas a un árbol También Painting to Hammer a Nail es un clásico literalmente clavas un clavo en un panel blanco
P ¿La performance de Cut Piece es parte de la exposición
R La performance original no ocurre en vivo pero la exposición incluye documentación de Yoko Ono realizando Cut Piece en los años 60 Es poderoso de ver