1971 placerade Yoko Ono annonser i lokala tidningar där hon annonserade en separatutställning på New Yorks Museum of Modern Art. Men när besökare dök upp till utställningen fann de en liten skylt utanför entrén. Den förklarade att Ono hade släppt ut flugor på museets område och bjudit in människor att följa efter dem runt staden. I slutändan fanns det ingen officiell utställning inomhus. Istället hade Ono placerat kameramän runt byggnaden för att fråga besökare vad de tyckte om utställningen.

Deras reaktioner blev själva konstverket. Vissa personer hyllade den icke-existerande utställningen, medan andra omedelbart försökte lista ut vad allt betydde. Många avfärdade Ono helt och hållet, där en person kallade henne "knäpp". Men i det korniga filmmaterialet från evenemanget svarar en åskådare med ren glädje: ett barn. När intervjuaren frågar vad han skulle tycka om utställningen bara existerade i hans fantasi, spricker pojken upp i ett leende. "Då har du ett väldigt bra museum där", säger han. "Det är riktigt häftigt."

Det klippet spelas nu inne i "Yoko Ono: Music of the Mind" på The Broad i Los Angeles, där det känns mindre som gammalt filmmaterial och mer som en nyckel till att förstå Onos hela verk. "Music of the Mind", som pågår till och med den 11 oktober, är konstnären, musikern och aktivistens första separatutställning på ett museum i södra Kalifornien. Den täcker stora delar av Onos tidiga verk, inklusive konceptkonst, musik, film, installationer, instruktionsverk och aktivism.

"Yoko har ett mycket stort universum av verk som inte representeras i utställningen, och som inte skulle kunna vara det", säger Connor Monahan, hennes studiochef i nästan två decennier. "Det finns ingen utställning som verkligen skulle kunna täcka allt Yokos verk."

Utställningen på The Broad kommer i en tid då Onos arv omvärderas. Länge avfärdad av allmänheten som antingen en absurd avantgardistisk provokatör eller helt enkelt "kvinnan som splittrade The Beatles", är Ono nu allmänt erkänd som en av grundarna till koncept- och performancekonsten. "Music of the Mind" lyfter fram detta och presenterar Ono inte som en kulturell fotnot eller egenhet, utan som en av de avgörande konstnärliga visionärerna under förra seklet.

"Det finns en obeveklig optimism hos Yoko", säger Monahan. "Många människor, om de fick den typen av offentlig kritik, skulle inte fortsätta att skapa mer verk. Men hon blev aldrig knäckt av det." Han pekar på en av Onos långvariga filosofier: "Tro på dig själv och du kommer att förändra världen."

"Fantasi är inte sekundärt till verket; det är verket", tillägger Monahan – en idé som barnet utanför MoMA instinktivt förstod.

Onos syn på fantasi som näring började tidigt. Vid 12 års ålder, efter att ha evakuerats från Tokyo under andra världskriget, tog hon och hennes familj sin tillflykt till den japanska landsbygden. Mat var knapp, så Ono och hennes yngre bror Keisuke låg på rygg, tittade upp mot himlen och utbytte "menyer i luften" – de föreställde sig utarbetade måltider tillsammans. Sarah Loyer, curator och utställningschef på The Broad, beskriver dessa stunder som "en tro på sin egen fantasi som ett sätt att överleva". Ono betraktade senare dessa föreställda festmåltider som bland sina första konstverk.

Efter att ha återvänt till Tokyo började Ono på Gakushuin University 1952, där hon blev skolans första kvinnliga filosofistudent. Hon flyttade sedan till USA 1953 och gick på Sarah Lawrence College, där hon studerade poesi och musikalisk komposition.

I början av 1960-talet var Ono djupt involverad i New Yorks avantgardescen i stadens centrum. Hon iscensatte experimentella föreställningar och instruktionsbaserade verk i sin vindsvåning på Chambers Street, vilket väckte intresse hos personer som Marcel Duchamp, Peggy Guggenheim, Isamu Noguchi och Robert Rauschenberg.

Installationsvy av "Yoko Ono: Music of the Mind" på The Broad, Los Angeles, 23 maj–11 oktober 2026.
Med tillstånd av The Broad. Foto av Joshua White/JWPictures.com. © Yoko Ono

"Music of the Mind" börjar med tre versioner av Lighting Piece (1955), som ger en enkel instruktion: "Tänd en tändsticka och titta på den tills den slocknar." I närheten finns foton av Ono som utför stycket, tillsammans med en svartvit film av henne som tänder en tändsticka i hypnotisk slowmotion. På andra ställen i gallerierna hittar du originalutskrivna sidor från Grapefruit, Onos banbrytande bok med instruktionsverk från 1964. Dessa sidor bjuder in publiken att "Lyssna på ljudet av jorden som snurrar", "Rita en karta för att gå vilse" och helt enkelt "Flyg". När hon i en intervju 1971 fick frågan varför hon skrev boken, svarade Ono: "Du förstår, vi lever och vi dör. Däremellan äter vi och sover och går omkring – men det räcker inte för oss. Vi måste agera ut vår galenskap för att vara sansade."

Några rum in i utställningen finns en stor vit duk täckt med spikar. Vissa har enstaka hårstrån bundna runt sig. Instruktionen lyder:
"Slå en spik i ytan varje morgon.
Plocka upp ett enstaka hår som faller av när du kammar dig på morgonen.
Knyt det håret runt den inslagna spiken."

Varje gång en deltagare slår ytterligare en spik i duken, sänder slaget ett djupt, ekande dån genom galleriet, vilket överraskar närliggande besökare innan det lockar dem att prova själva.

Installationsvy av Painting to Hammer a Nail i "Yoko Ono: Music of the Mind," Gropius Bau, Berlin, Tyskland, 2025.
© Gropius Bau, foto: Luca Girardini. Konstverk © Yoko Ono

Dessa engagerande, interaktiva element finns genom hela utställningen. Redan innan de går in i museet ombeds besökare att skriva önskningar på små papperslappar och knyta dem på olivträden som redan växer på museets torg. Inne i en särskilt glädjefylld aktivitet bjuds besökare in att ta på sig stora svarta tygsäckar och röra sig runt på en vit plattform, där deras långsamma, suddiga former ser ut som levande Rorschach-bläckfläckar. På annat håll, för Helmets (Pieces of Sky) (2001), letar åskådare genom upphängda tyska arméhjälmar från andra världskriget och tar himmelsmönstrade pusselbitar från insidan för att ta med hem. "Ta en bit av himlen", säger Ono till åskådarna. "Vet att vi alla är en del av varandra."

"Verket utmanar vad vi tror att det innebär att vara en publikmedlem på ett museum", säger Loyer. Besökare som tvekar i utkanten av dessa deltagande verk samlar sakta modet att vara med efter att ha sett någon annan gå först, och varje interaktion väcker samtal.

Besökare utforskar Yoko Onos Add Colour (Refugee Boat) (1960/2016) installerad i "Yoko Ono: Music of the Mind," Tate Modern, London, 2024.
© Yoko Ono. Foto © Oliver Cowling, med tillstånd av Tate.

Verk som först skapades för årtionden sedan får också nya betydelser när världen runt dem förändras. Add Color (Refugee Boat), en pågående deltagande installation som bjuder in åskådare att lämna meddelanden och teckningar på en vit båt i mitten av ett helvitt rum, har förvandlats många gånger genom åren: först speglade den den syriska flyktingkrisen, sedan Ukraina och nu Gaza. Under mitt besök klottrade åskådare uppmaningar om att avskaffa ICE över väggarna, ritade vågor under båten i olika nyanser av blått och skrev fredsbudskap på flera språk.

"Hela hennes verk är ofärdigt och förändras och utvecklas ständigt över tid", säger Monahan. Kom tillbaka till "Music of the Mind" två veckor senare, och det kommer bokstavligen att vara annorlunda: nya önskningar som hänger från träd, nya meddelanden som täcker väggar, nya främlingar som fullbordar verket på sätt som Ono själv aldrig helt kunde förutse. Så länge krig, fördrivning, kvinnohat, rasism, nationalism och statligt våld fortsätter, känns Onos verk fortfarande slående relevant.

En video av ett av Onos mest kända verk, Cut Piece, som först framfördes i Kyoto 1964, visas också. Under föreställningen satt konstnären Yoko Ono tyst på scenen medan publikmedlemmar kom fram och klippte bitar av hennes kläder med saxar. Sedan dess har stycket tolkats på många sätt: efterkrigstrauma, objektifiering, samtycke, ras, sårbarhet och publikens roll. "Det lägger verkligen ansvaret på betraktaren", förklarar Loyer.

Cut Piece, 1964, framfört i New Works of Yoko Ono, Carnegie Recital Hall, New York, filmat av David och Albert Maysles, 16 mm film, svartvit, stereoljud, 8 minuter 27 sekunder.
© Yoko Ono

Även om utställningen naturligtvis berör John Lennons inflytande, sätter den honom inte i centrum. Ono träffade Lennon 1966, natten innan hennes utställning öppnade på Londons Indica Gallery. Lennon vandrade in, klättrade upp på en stege som en del av ett verk och såg genom ett förstoringsglas ett litet ord tryckt i taket: "YES." Ono mindes senare att hon gav honom ett kort som sa "Breathe", vilket fick honom att luta sig så nära att hon kunde höra honom andas in. Sedan gick han över till en piedestal som höll ett äpple – i sig ett konstverk – och tog en tugga. "Jag blev blek", mindes Ono. "Jag tänkte, hur vågar den här killen göra så mot mitt verk."

Tillsammans gjorde Lennon och Ono kändisskap till ett verktyg för antikrigsaktivism genom sängliggande protester, reklamkampanjer, konceptuella föreställningar och medieaktioner mot Vietnamkriget. Men kändisskapet förvrängde också djupt hur allmänheten såg på Ono själv.

Bed-In at the Amsterdam Hilton Hotel, Netherlands, 1969.
© Yoko Ono. Foto: Henry Pessar.

Under hela 1970-talet släppte Ono en serie politiskt laddade, experimentella album som ofta hånades vid den tiden men som nu ses som anmärkningsvärt inflytelserika – de förebådade punk, riot grrrl, no wave och experimentell pop årtionden innan dessa stilar blev mainstream. I sin spoken word-låt "I Learned to Stutter" från 1973 säger Ono: "Jag levde som konstnär och hade relativ frihet som kvinna och ansågs vara den bitchiga i samhället / Sedan jag träffade John blev jag uppgraderad till en häxa och jag tycker att det är väldigt smickrande." Raden är rolig, skarp och medvetet teatralisk. Men under humorn fanns något mycket mer smärtsamt. "Samhället behandlade mig plötsligt som en kvinna som tillhörde en man som är en av de mest mäktiga personerna i vår generation", fortsätter hon. "Hela samhället önskade mig död / Jag började samla på mig en enorm mängd skuldkänslor och som ett resultat av det började jag stamma."

Sedan dess har Onos röst fått ny mening. Under tiden för "Music of the Mind" kommer hennes verk att sträcka sig bortom själva museet: sju reklamtavlor över Los Angeles kommer att visa fraser som THINK PEACE, ACT PEACE, IMAGINE PEACE och PEACE is POWER. Mittemot The Broad kommer REDCAT – föreställningslokalen inne i Walt Disney Concert Hall-komplexet – att vara värd för föreställningar av Cut Piece och Sky Piece to Jesus Christ. Och i augusti kommer musiker som Yo La Tengo, Tune-Yards, Sleater-Kinney, Rufus Wainwright och Yuka Honda att tolka Onos musik under en stor konsert på The Broad.

"Yoko ser konst som något som aldrig har varit begränsat till ett galleri eller ett museum", säger Monahan. "[Hon ser] konst som en handling eller aktivitet, en provokation eller förändring i perception för publiken." En av Onos favoritsägelser, förklarar han, är: "Konstnärens jobb är inte att förstöra utan att förändra värdet på saker."

En svart säck blir ett verktyg för kollektiv lek. Ett träd blir en levande registrering av längtan, sorg och hopp. En spik blir en handling av förbindelse. Onos konst handlar i slutändan om den bräckliga, radikala tron att ett annat sätt att se – och därför ett annat sätt att leva – fortfarande kan vara möjligt. Föreställ dig.

Vanliga frågor
Här är en lista med vanliga frågor om att besöka Yoko Ono-utställningen på The Broad, skriven i en naturlig ton med tydliga, direkta svar.







Allmänt och planering



F: Vad handlar Yoko Ono-utställningen på The Broad om?

S: Det är en stor översikt över Yoko Onos verk som sträcker sig från 1960-talet till idag. Den fokuserar på hennes interaktiva konst, instruktioner och fredsaktivism – mycket av det bjuder in dig att delta.



F: Hur lång tid tar det att se hela utställningen?

S: De flesta spenderar ungefär 1 till 1,5 timmar. Om du planerar att göra varje interaktivt stycke, räkna med närmare 2 timmar.



F: Behöver jag en separat biljett till Yoko Ono-utställningen?

S: Ja. The Broads allmänna samling är gratis med en tidsbestämd biljett, men Yoko Ono-utställningen kräver en separat betald biljett. Boka den online i förväg.



F: Är utställningen bra för barn?

S: Absolut. Många verk är praktiska – som att slå en spik i en duk eller skriva önskningar. Det är mycket engagerande för barn, men håll ett öga på dem nära de mer ömtåliga installationerna.



F: Kan jag ta foton inne i utställningen?

S: Ja, fotografering utan blixt är tillåten i de flesta områden. Vissa mycket ömtåliga eller ljuskänsliga verk kan ha begränsningar, men skyltar kommer att informera dig.



Konsten och upplevelsen



F: Vad betyder instruktionskonst?

S: Yoko Ono ger dig ofta en skriftlig instruktion snarare än ett färdigt objekt. Konsten fullbordas när du föreställer dig eller fysiskt följer instruktionen.



F: Vilket verk borde jag definitivt försöka interagera med?

S: Prova definitivt Wish Tree. Du skriver en önskan på en papperslapp och knyter den till ett träd. Även Painting to Hammer a Nail är en klassiker – du slår bokstavligen en spik i en vit panel.



F: Ingår Cut Piece-föreställningen i utställningen?

S: Den ursprungliga föreställningen sker inte live, men utställningen inkluderar dokumentation av Yoko Ono som framför Cut Piece på 1960-talet. Det är kraftfullt att se.