1971 schaltete Yoko Ono Anzeigen in lokalen Zeitungen, in denen sie eine Einzelausstellung im Museum of Modern Art in New York ankündigte. Doch als Besucher zur Ausstellung kamen, fanden sie ein kleines Schild außerhalb des Eingangs vor. Es erklärte, dass Ono Fliegen auf dem Museumsgelände freigelassen hatte und die Leute einlud, ihnen durch die Stadt zu folgen. Letztendlich gab es keine offizielle Ausstellung im Inneren. Stattdessen hatte Ono Kameraleute rund um das Gebäude postiert, die die Besucher fragten, was sie von der Show hielten.

Ihre Reaktionen wurden selbst zum Kunstwerk. Manche schwärmten von der nicht existierenden Ausstellung, während andere sofort versuchten herauszufinden, was das alles bedeuten sollte. Viele taten Ono rundheraus ab, wobei eine Person sie „verrückt“ nannte. Doch in dem körnigen Filmmaterial des Ereignisses reagiert ein Betrachter mit purer Freude: ein Kind. Als der Interviewer fragt, was er denken würde, wenn die Ausstellung nur in seiner Vorstellung existierte, bricht der Junge in ein Grinsen aus. „Dann haben Sie dort ein sehr gutes Museum“, sagt er. „Das ist echt klasse.“

Dieser Clip läuft jetzt in „Yoko Ono: Music of the Mind“ im The Broad in Los Angeles, wo er sich weniger wie altes Filmmaterial anfühlt, sondern eher wie ein Schlüssel zum Verständnis von Onos gesamten Werks. „Music of the Mind“, das bis zum 11. Oktober läuft, ist die erste Einzelausstellung der Künstlerin, Musikerin und Aktivistin in einem Museum in Südkalifornien. Sie deckt einen Großteil von Onos frühem Werk ab, darunter Konzeptkunst, Musik, Film, Installation, Anweisungsstücke und Aktivismus.

„Yoko hat ein sehr großes Universum an Werken, das in der Show nicht vertreten ist und es auch nicht sein könnte“, sagt Connor Monahan, ihr Studioleiter seit fast zwei Jahrzehnten. „Es gibt keine einzige Show, die wirklich alles von Yokos Werk abdecken könnte.“

Die Ausstellung im The Broad kommt zu einer Zeit, in der Onos Vermächtnis neu bewertet wird. Lange von der Öffentlichkeit entweder als absurde avantgardistische Provokateurin oder einfach als „die Frau, die die Beatles auseinandergebracht hat“ abgetan, wird Ono heute weithin als eine der Gründungsfiguren der Konzept- und Performancekunst anerkannt. „Music of the Mind“ hebt dies hervor und präsentiert Ono nicht als kulturelle Fußnote oder Kuriosität, sondern als eine der prägenden künstlerischen Visionärinnen des letzten Jahrhunderts.

„Es gibt einen unermüdlichen Optimismus bei Yoko“, sagt Monahan. „Viele Menschen würden, wenn sie diese Art öffentlicher Kritik erhielten, nicht weitermachen, um weitere Werke zu schaffen. Aber sie wurde davon nie gebrochen.“ Er verweist auf eine von Onos langjährigen Philosophien: „Glaube an dich selbst, und du wirst die Welt verändern.“

„Vorstellungskraft ist nicht zweitrangig gegenüber dem Werk; sie ist das Werk“, fügt Monahan hinzu – eine Idee, die das Kind vor dem MoMA instinktiv verstand.

Onos Sichtweise der Vorstellungskraft als Nahrung begann früh. Im Alter von 12 Jahren, nachdem sie während des Zweiten Weltkriegs aus Tokio evakuiert worden war, suchten sie und ihre Familie Zuflucht auf dem japanischen Land. Nahrung war knapp, also legten sich Ono und ihr jüngerer Bruder Keisuke auf den Rücken, blickten in den Himmel und tauschten „Menüs in der Luft“ aus – sie stellten sich aufwendige Mahlzeiten gemeinsam vor. Sarah Loyer, Kuratorin und Ausstellungsleiterin am The Broad, beschreibt diese Momente als „einen Glauben an die eigene Vorstellungskraft als eine Überlebensweise“. Ono betrachtete diese imaginierten Feste später als ihre ersten Kunstwerke.

Nach ihrer Rückkehr nach Tokio schrieb sich Ono 1952 an der Gakushuin-Universität ein und wurde die erste Philosophiestudentin der Schule. Anschließend zog sie 1953 in die Vereinigten Staaten und besuchte das Sarah Lawrence College, wo sie Poesie und Musikkomposition studierte.

Anfang der 1960er Jahre war Ono tief in der New Yorker Avantgarde-Szene der Innenstadt verwurzelt. Sie führte experimentelle Performances und anweisungsbasierte Werke in ihrem Loft in der Chambers Street auf und erregte das Interesse von Persönlichkeiten wie Marcel Duchamp, Peggy Guggenheim, Isamu Noguchi und Robert Rauschenberg.

Installationsansicht von „Yoko Ono: Music of the Mind“ im The Broad, Los Angeles, 23. Mai – 11. Oktober 2026.
Mit freundlicher Genehmigung von The Broad. Foto von Joshua White/JWPictures.com. © Yoko Ono

„Music of the Mind“ beginnt mit drei Versionen von **Lighting Piece** (1955), das eine einfache Anweisung gibt: „Zünde ein Streichholz an und schau zu, bis es ausgeht.“ In der Nähe befinden sich Fotos von Ono, die das Stück aufführt, sowie ein Schwarz-Weiß-Film, in dem sie in hypnotischer Zeitlupe ein Streichholz anzündet. Anderswo in den Galerien findet man originale getippte Seiten aus **Grapefruit**, Onos bahnbrechendem Buch mit Anweisungswerken von 1964. Diese Seiten laden das Publikum ein, „dem Klang der sich drehenden Erde zu lauschen“, „eine Karte zu zeichnen, um sich zu verlaufen“ und einfach zu „fliegen“. Als sie in einem Interview von 1971 gefragt wurde, warum sie das Buch geschrieben habe, antwortete Ono: „Weißt du, wir leben und wir sterben. Dazwischen essen und schlafen wir und laufen herum – aber das ist nicht genug für uns. Wir müssen unseren Wahnsinn ausleben, um gesund zu sein.“

Einige Räume weiter in der Ausstellung befindet sich eine große weiße Leinwand, die mit Nägeln bedeckt ist. Einige haben einzelne Haarsträhnen um sie gebunden. Die Anweisung lautet:
„Hämmern Sie jeden Morgen einen Nagel in die Oberfläche.
Nehmen Sie ein einzelnes Haar auf, das beim Kämmen am Morgen ausfällt.
Binden Sie dieses Haar um den gehämmerten Nagel.“

Jedes Mal, wenn ein Teilnehmer einen weiteren Nagel in die Leinwand hämmert, sendet der Schlag einen tiefen, hallenden Knall durch die Galerie, der nahe Besucher aufschrecken lässt, bevor er sie anzieht, es selbst zu versuchen.

Installationsansicht von **Painting to Hammer a Nail** in „Yoko Ono: Music of the Mind“, Gropius Bau, Berlin, Deutschland, 2025.
© Gropius Bau, Foto: Luca Girardini. Kunstwerk © Yoko Ono

Diese fesselnden, interaktiven Elemente finden sich in der gesamten Ausstellung. Schon vor dem Betreten des Museums werden die Besucher gebeten, Wünsche auf kleine Zettel zu schreiben und sie an die Olivenbäume zu binden, die bereits auf dem Museumsparkplatz wachsen. Im Inneren werden die Besucher bei einer besonders freudvollen Aktivität eingeladen, große schwarze Stoffbeutel anzuziehen und sich auf einer weißen Plattform zu bewegen, wobei ihre langsamen, verschwommenen Formen wie lebende Rorschach-Klecksbilder aussehen. Anderswo, bei **Helmets (Pieces of Sky)** (2001), durchsuchen die Betrachter aufgehängte deutsche Armeehelme aus dem Zweiten Weltkrieg und nehmen himmelgemusterte Puzzleteile aus ihrem Inneren mit nach Hause. „Nimm ein Stück Himmel“, sagt Ono zu den Betrachtern. „Wisse, dass wir alle Teil voneinander sind.“

„Die Arbeit fordert heraus, was wir denken, was es bedeutet, ein Museumsbesucher zu sein“, sagt Loyer. Besucher, die am Rand dieser partizipativen Werke zögern, sammeln langsam den Mut, mitzumachen, nachdem sie jemand anderen zuerst gehen sehen, und jede Interaktion entfacht Gespräche.

Besucher erkunden Yoko Onos **Add Colour (Refugee Boat)** (1960/2016), installiert in „Yoko Ono: Music of the Mind“, Tate Modern, London, 2024.
© Yoko Ono. Foto © Oliver Cowling, mit freundlicher Genehmigung der Tate.

Auch Werke, die vor Jahrzehnten erstmals geschaffen wurden, erhalten neue Bedeutungen, während sich die Welt um sie herum verändert. **Add Color (Refugee Boat)**, eine fortlaufende partizipative Installation, die die Betrachter einlädt, Nachrichten und Zeichnungen auf einem weißen Boot in der Mitte eines komplett weißen Raums zu hinterlassen, hat sich im Laufe der Jahre vielfach verwandelt: zuerst spiegelte sie die syrische Flüchtlingskrise wider, dann die Ukraine und jetzt Gaza. Während meines Besuchs kritzelten Betrachter Aufrufe zur Abschaffung von ICE an die Wände, zeichneten Wellen unter dem Boot in verschiedenen Blautönen und schrieben Friedensbotschaften in mehreren Sprachen.

„All ihre Arbeit ist unvollendet und verändert und entwickelt sich ständig im Laufe der Zeit“, sagt Monahan. Kommen Sie zwei Wochen später zu „Music of the Mind“ zurück, und es wird buchstäblich anders sein: neue Wünsche hängen an den Bäumen, neue Botschaften bedecken die Wände, neue Fremde vollenden das Werk auf Weisen, die Ono selbst nie vollständig vorhersagen könnte. Solange Krieg, Vertreibung, Frauenfeindlichkeit, Rassismus, Nationalismus und staatliche Gewalt andauern, fühlt sich Onos Werk immer noch bemerkenswert relevant an.

Ein Video von einem von Onos berühmtesten Werken, **Cut Piece**, erstmals 1964 in Kyoto aufgeführt, ist ebenfalls zu sehen. Während der Performance saß die Künstlerin Yoko Ono schweigend auf der Bühne, während Zuschauer kamen und mit Scheren Stücke ihrer Kleidung abschnitten. Seitdem wurde das Stück auf viele Weisen interpretiert: Nachkriegstrauma, Objektifizierung, Zustimmung, Rasse, Verletzlichkeit und die Rolle des Publikums. „Es legt die Verantwortung wirklich auf den Betrachter“, erklärt Loyer.

**Cut Piece**, 1964, aufgeführt in **New Works of Yoko Ono**, Carnegie Recital Hall, New York, gefilmt von David und Albert Maysles, 16mm Film, Schwarz-Weiß, Stereoton, 8 Minuten 27 Sekunden.
© Yoko Ono

Während die Ausstellung natürlich John Lennons Einfluss berührt, stellt sie ihn nicht in den Mittelpunkt. Ono traf Lennon 1966, in der Nacht bevor ihre Ausstellung in der Indica Gallery in London eröffnete. Lennon kam herein, kletterte im Rahmen eines Stücks auf eine Leiter und sah durch eine Lupe ein winziges Wort an der Decke: „YES“. Ono erinnerte sich später, ihm eine Karte mit der Aufschrift „Breathe“ gegeben zu haben, die ihn so nah heranbrachte, dass sie ihn einatmen hörte. Dann ging er zu einem Podest, das einen Apfel hielt – selbst ein Kunstwerk – und biss hinein. „Ich wurde blass“, erinnerte sich Ono. „Ich dachte, wie kann dieser Typ es wagen, das mit meinem Werk zu tun.“

Gemeinsam machten Lennon und Ono Prominenz zu einem Werkzeug für den Anti-Kriegs-Aktivismus durch Bed-Ins, Plakatkampagnen, konzeptuelle Performances und Medienaktionen gegen den Vietnamkrieg. Aber die Prominenz verzerrte auch tiefgreifend, wie die Öffentlichkeit Ono selbst sah.

**Bed-In im Amsterdam Hilton Hotel, Niederlande, 1969.**
© Yoko Ono. Foto: Henry Pessar.

In den 1970er Jahren veröffentlichte Ono eine Reihe politisch aufgeladener, experimenteller Alben, die damals oft verspottet wurden, heute aber als bemerkenswert einflussreich gelten – sie nahmen Punk, Riot Grrrl, No Wave und experimentellen Pop Jahrzehnte vor, bevor diese Stile mainstream wurden. In ihrem gesprochenen Lied „I Learned to Stutter“ von 1973 sagt Ono: „Ich lebte als Künstlerin und hatte relative Freiheit als Frau und galt als die Schlampe in der Gesellschaft / Seit ich John traf, wurde ich zu einer Hexe befördert, und ich finde das sehr schmeichelhaft.“ Die Zeile ist lustig, scharf und bewusst theatralisch. Aber unter dem Humor lag etwas viel Schmerzhafteres. „Die Gesellschaft behandelte mich plötzlich als eine Frau, die einem Mann gehört, der einer der mächtigsten Menschen unserer Generation ist“, fährt sie fort. „Die ganze Gesellschaft wünschte mich tot / Ich begann, ein enormes Schuldgefühl anzuhäufen, und als Ergebnis begann ich zu stottern.“

Seitdem hat Onos Stimme eine neue Bedeutung gefunden. Während der Laufzeit von „Music of the Mind“ wird sich ihre Arbeit über das Museum selbst hinaus erstrecken: sieben Werbetafeln in ganz Los Angeles werden Sätze wie THINK PEACE, ACT PEACE, IMAGINE PEACE und PEACE is POWER zeigen. Gegenüber dem The Broad wird REDCAT – der Aufführungsraum im Komplex der Walt Disney Concert Hall – Aufführungen von **Cut Piece** und **Sky Piece to Jesus Christ** beherbergen. Und im August werden Musiker wie Yo La Tengo, Tune-Yards, Sleater-Kinney, Rufus Wainwright und Yuka Honda Onos Musik während eines großen Konzerts im The Broad neu interpretieren.

„Yoko sieht Kunst als etwas, das nie auf eine Galerie oder ein Museum beschränkt war“, sagt Monahan. „[Sie sieht] Kunst als eine Handlung oder Aktivität, eine Provokation oder Verschiebung der Wahrnehmung für das Publikum.“ Einer von Onos Lieblingssprüchen, erklärt er, ist: „Die Aufgabe des Künstlers ist es nicht zu zerstören, sondern den Wert der Dinge zu verändern.“

Ein schwarzer Sack wird zu einem Werkzeug für kollektives Spiel. Ein Baum wird zu einem lebendigen Zeugnis von Sehnsucht, Trauer und Hoffnung. Ein Nagel wird zu einem Akt der Verbindung. Onos Kunst handelt letztlich von dem fragilen, radikalen Glauben, dass eine andere Art zu sehen – und daher eine andere Art zu leben – noch möglich sein könnte. Stell dir vor.

**Häufig gestellte Fragen**
Hier ist eine Liste von FAQs zum Besuch der Yoko Ono-Ausstellung im The Broad, verfasst in einem natürlichen Ton mit klaren, direkten Antworten.

**Allgemeines & Planung**

**F: Worum geht es in der Yoko Ono-Ausstellung im The Broad?**
A: Es ist eine große Retrospektive von Yoko Onos Werk, die von den 1960er Jahren bis heute reicht. Sie konzentriert sich auf ihre interaktive Kunst, Anweisungen und Friedensaktivismus – vieles davon lädt Sie zur Teilnahme ein.

**F: Wie lange dauert es, die gesamte Ausstellung zu sehen?**
A: Die meisten Leute verbringen etwa 1 bis 1,5 Stunden. Wenn Sie planen, jedes interaktive Stück zu machen, rechnen Sie mit näher an 2 Stunden.

**F: Brauche ich ein separates Ticket für die Yoko Ono-Show?**
A: Ja. Die allgemeine Sammlung des Broad ist mit einem zeitgestempelten Ticket kostenlos, aber die Yoko Ono-Ausstellung erfordert ein separates bezahltes Ticket. Buchen Sie es online im Voraus.

**F: Ist die Ausstellung für Kinder geeignet?**
A: Absolut. Viele Stücke sind praktisch – wie das Hämmern eines Nagels in eine Leinwand oder das Schreiben von Wünschen. Es ist sehr ansprechend für Kinder, aber behalten Sie sie in der Nähe der empfindlicheren Installationen im Auge.

**F: Kann ich in der Ausstellung Fotos machen?**
A: Ja, Nicht-Blitz-Fotografie ist in den meisten Bereichen erlaubt. Einige sehr empfindliche oder lichtempfindliche Stücke können Einschränkungen haben, aber Schilder werden Sie darauf hinweisen.

**Die Kunst & das Erlebnis**

**F: Was bedeutet Anweisungskunst?**
A: Yoko Ono gibt Ihnen oft eine schriftliche Anweisung anstelle eines fertigen Objekts. Die Kunst ist vollendet, wenn Sie die Anweisung imaginieren oder physisch befolgen.

**F: Mit welchem Stück sollte ich unbedingt interagieren?**
A: Probieren Sie auf jeden Fall den **Wish Tree** aus. Sie schreiben einen Wunsch auf einen Papieranhänger und binden ihn an einen Baum. Auch **Painting to Hammer a Nail** ist ein Klassiker – Sie hämmern buchstäblich einen Nagel in eine weiße Platte.

**F: Ist die **Cut Piece**-Performance Teil der Ausstellung?**
A: Die ursprüngliche Performance findet nicht live statt, aber die Show enthält Dokumentationen von Yoko Ono, die **Cut Piece** in den 1960er Jahren aufführt. Es ist beeindruckend anzusehen.