Em 1971, Yoko Ono colocou anúncios em jornais locais anunciando uma exposição individual no Museu de Arte Moderna de Nova York. Mas quando os visitantes apareceram para a exposição, encontraram uma pequena placa do lado de fora da entrada. Ela explicava que Ono havia soltado moscas nos jardins do museu e convidava as pessoas a segui-las pela cidade. No final, não houve exposição oficial lá dentro. Em vez disso, Ono posicionou cinegrafistas ao redor do prédio para perguntar aos visitantes o que achavam da mostra.

As reações deles se tornaram a própria obra de arte. Alguns elogiavam a exposição inexistente, enquanto outros tentavam imediatamente descobrir o que tudo aquilo significava. Muitos descartaram Ono completamente, com uma pessoa a chamando de "maluca". Mas nas imagens granuladas do evento, um espectador responde com pura alegria: uma criança. Quando o entrevistador pergunta o que ele acharia se a exposição existisse apenas em sua imaginação, o menino abre um sorriso. "Então você tem um museu muito bom aí", diz ele. "Isso é muito legal."

Esse clipe agora é exibido dentro de "Yoko Ono: Music of the Mind" no The Broad em Los Angeles, onde parece menos uma filmagem antiga e mais uma chave para entender toda a obra de Ono. Em cartaz até 11 de outubro, "Music of the Mind" é a primeira exposição individual em museu da artista, musicista e ativista no sul da Califórnia. Ela cobre grande parte do trabalho inicial de Ono, incluindo arte conceitual, música, cinema, instalação, peças de instrução e ativismo.

"Yoko tem um universo muito grande de trabalho que não está representado na mostra, e não poderia estar", diz Connor Monahan, diretor de seu estúdio por quase duas décadas. "Não há uma única mostra que realmente possa cobrir todo o trabalho de Yoko."

A exposição no The Broad ocorre enquanto o legado de Ono está sendo reexaminado. Por muito tempo descartada pelo público como uma provocadora absurda da vanguarda ou simplesmente "a mulher que separou os Beatles", Ono é agora amplamente reconhecida como uma das figuras fundadoras da arte conceitual e performática. "Music of the Mind" destaca isso, apresentando Ono não como uma nota de rodapé cultural ou excentricidade, mas como uma das visionárias artísticas definidoras do século passado.

"Há um otimismo implacável em Yoko", diz Monahan. "Muitas pessoas, se recebessem esse tipo de crítica pública, não continuariam a produzir mais trabalho. Mas ela nunca foi quebrada por isso." Ele aponta para uma das filosofias de longa data de Ono: "Acredite em si mesmo e você mudará o mundo."

"A imaginação não é secundária ao trabalho; é o trabalho", acrescenta Monahan — uma ideia que a criança do lado de fora do MoMA entendeu instintivamente.

A visão de Ono da imaginação como alimento começou cedo. Aos 12 anos, após ser evacuada de Tóquio durante a Segunda Guerra Mundial, ela e sua família se refugiaram no interior do Japão. A comida era escassa, então Ono e seu irmão mais novo, Keisuke, deitavam-se de costas, olhando para o céu e trocando "cardápios no ar" — imaginando refeições elaboradas juntos. Sarah Loyer, curadora e gerente de exposições do The Broad, descreve esses momentos como "uma crença na própria imaginação como um modo de sobrevivência". Ono mais tarde considerou esses banquetes imaginados entre suas primeiras obras de arte.

Após retornar a Tóquio, Ono se matriculou na Universidade Gakushuin em 1952, tornando-se a primeira estudante de filosofia da escola. Ela então se mudou para os Estados Unidos em 1953 e frequentou o Sarah Lawrence College, onde estudou poesia e composição musical.

No início dos anos 1960, Ono estava profundamente envolvida na cena de vanguarda do centro de Nova York. Ela realizava performances experimentais e trabalhos baseados em instruções em seu loft na Chambers Street, despertando o interesse de figuras como Marcel Duchamp, Peggy Guggenheim, Isamu Noguchi e Robert Rauschenberg.

Vista da instalação de "Yoko Ono: Music of the Mind" no The Broad, Los Angeles, 23 de maio a 11 de outubro de 2026.
Cortesia do The Broad. Foto de Joshua White/JWPictures.com. © Yoko Ono

"Music of the Mind" começa com três versões de Lighting Piece (1955), que dá uma instrução simples: "Acenda um fósforo e observe até que se apague." Perto estão fotos de Ono executando a peça, junto com um filme em preto e branco dela riscando um fósforo em câmera lenta hipnótica. Em outras partes das galerias, você encontrará páginas datilografadas originais de Grapefruit, o inovador livro de obras de instrução de Ono de 1964. Essas páginas convidam o público a "Ouvir o som da terra girando", "Desenhar um mapa para se perder" e simplesmente "Voar". Quando perguntada em uma entrevista de 1971 por que escreveu o livro, Ono respondeu: "Veja, nós vivemos e morremos. Entre isso, comemos, dormimos e andamos por aí — mas isso não é suficiente para nós. Temos que encenar nossa loucura para sermos sãos."

Algumas salas adentro na mostra, há uma grande tela branca coberta de pregos. Alguns têm fios de cabelo humano amarrados ao redor. A instrução diz:
"Martele um prego na superfície todas as manhãs.
Pegue um único fio de cabelo que cai ao pentear pela manhã.
Amarre esse cabelo ao redor do prego martelado."

Cada vez que um participante martela outro prego na tela, o golpe envia um estrondo profundo e ecoante pela galeria, surpreendendo os visitantes próximos antes de atraí-los para tentar eles mesmos.

Vista da instalação de Painting to Hammer a Nail em "Yoko Ono: Music of the Mind", Gropius Bau, Berlim, Alemanha, 2025.
© Gropius Bau, foto: Luca Girardini. Obra de arte © Yoko Ono

Esses elementos interativos e envolventes são encontrados por toda a mostra. Mesmo antes de entrar no museu, os visitantes são convidados a escrever desejos em pequenos pedaços de papel e amarrá-los nas oliveiras que já crescem na praça do museu. Lá dentro, em uma atividade particularmente alegre, os visitantes são convidados a vestir grandes sacos de tecido preto e se mover em uma plataforma branca, suas formas lentas e borradas parecendo manchas de Rorschach vivas. Em outro lugar, para Helmets (Pieces of Sky) (2001), os espectadores procuram em capacetes do exército alemão da Segunda Guerra Mundial suspensos, retirando peças de quebra-cabeça com padrão de céu de dentro deles para levar para casa. "Pegue um pedaço de céu", diz Ono aos espectadores. "Saiba que somos todos parte uns dos outros."

"O trabalho desafia o que pensamos que significa ser um membro do público em um museu", diz Loyer. Visitantes que hesitam nas bordas dessas obras participativas lentamente ganham coragem para participar depois de ver alguém ir primeiro, e cada interação gera conversas.

Visitantes exploram Add Colour (Refugee Boat) (1960/2016) de Yoko Ono instalado em "Yoko Ono: Music of the Mind", Tate Modern, Londres, 2024.
© Yoko Ono. Foto © Oliver Cowling, cortesia da Tate.

Obras criadas décadas atrás também assumem novos significados à medida que o mundo ao redor muda. Add Color (Refugee Boat), uma instalação participativa contínua que convida os espectadores a deixar mensagens e desenhos em um barco branco no centro de uma sala toda branca, transformou-se muitas vezes ao longo dos anos: primeiro refletindo a crise de refugiados sírios, depois a Ucrânia, e agora Gaza. Durante minha visita, espectadores rabiscaram pedidos para abolir o ICE pelas paredes, desenharam ondas sob o barco em diferentes tons de azul e escreveram mensagens de paz em vários idiomas.

"Todo o trabalho dela é inacabado e está constantemente mudando e evoluindo ao longo do tempo", diz Monahan. Volte a "Music of the Mind" duas semanas depois, e será literalmente diferente: novos desejos pendurados nas árvores, novas mensagens cobrindo as paredes, novos estranhos completando o trabalho de maneiras que a própria Ono nunca poderia prever totalmente. Enquanto guerra, deslocamento, misoginia, racismo, nacionalismo e violência estatal continuarem, o trabalho de Ono ainda parece notavelmente relevante.

Um vídeo de uma das obras mais famosas de Ono, Cut Piece, apresentada pela primeira vez em Kyoto em 1964, também está em exibição. Durante a performance, a artista Yoko Ono sentou-se silenciosamente no palco enquanto os membros da plateia subiam e cortavam pedaços de sua roupa com tesouras. Desde então, a peça foi interpretada de muitas maneiras: trauma pós-guerra, objetificação, consentimento, raça, vulnerabilidade e o papel do público. "Isso realmente coloca a responsabilidade no espectador", explica Loyer.

Cut Piece, 1964, apresentada em New Works of Yoko Ono, Carnegie Recital Hall, Nova York, filmado por David e Albert Maysles, filme 16mm, preto e branco, som estéreo, 8 minutos e 27 segundos.
© Yoko Ono

Embora a exposição toque naturalmente na influência de John Lennon, ela não o coloca no centro. Ono conheceu Lennon em 1966, na noite anterior à abertura de sua mostra na Indica Gallery, em Londres. Lennon entrou, subiu em uma escada como parte de uma peça e, através de uma lupa, viu uma pequena palavra impressa no teto: "SIM". Ono mais tarde lembrou de lhe entregar um cartão que dizia "Respire", o que o fez se inclinar tão perto que ela podia ouvi-lo inspirar. Então ele caminhou até um pedestal segurando uma maçã — ela mesma uma obra de arte — e deu uma mordida. "Eu fiquei pálida", lembrou Ono. "Pensei, como esse cara ousa fazer isso com meu trabalho."

Juntos, Lennon e Ono transformaram a celebridade em uma ferramenta para o ativismo antiguerra através de bed-ins, campanhas em outdoors, performances conceituais e ações na mídia contra a Guerra do Vietnã. Mas a celebridade também distorceu profundamente a forma como o público via a própria Ono.

Bed-In no Amsterdam Hilton Hotel, Holanda, 1969.
© Yoko Ono. Foto: Henry Pessar.

Ao longo dos anos 1970, Ono lançou uma série de álbuns experimentais e politicamente carregados que eram frequentemente ridicularizados na época, mas agora são vistos como notavelmente influentes — prenunciando punk, riot grrrl, no wave e pop experimental décadas antes desses estilos se tornarem mainstream. Em sua canção falada de 1973 "I Learned to Stutter", Ono diz: "Eu vivia como artista e tinha relativa liberdade como mulher e era considerada a vadia da sociedade / Desde que conheci John, fui promovida a bruxa e acho isso muito lisonjeiro." A frase é engraçada, afiada e sabidamente teatral. Mas por trás do humor havia algo muito mais doloroso. "A sociedade de repente me tratou como uma mulher que pertencia a um homem que é uma das pessoas mais poderosas da nossa geração", ela continua. "A sociedade inteira desejou minha morte / Comecei a acumular uma quantidade tremenda de complexo de culpa e, como resultado disso, comecei a gaguejar."

Desde então, a voz de Ono encontrou um novo significado. Durante a temporada de "Music of the Mind", seu trabalho se estenderá além do próprio museu: sete outdoors em Los Angeles exibirão frases como PENSE PAZ, AJA PAZ, IMAGINE PAZ, e PAZ é PODER. Do outro lado da rua do The Broad, o REDCAT — o espaço de performance dentro do complexo do Walt Disney Concert Hall — receberá performances de Cut Piece e Sky Piece to Jesus Christ. E em agosto, músicos como Yo La Tengo, Tune-Yards, Sleater-Kinney, Rufus Wainwright e Yuka Honda reinterpretarão a música de Ono durante um grande concerto no The Broad.

"Yoko vê a arte como algo que nunca foi limitado a uma galeria ou museu", diz Monahan. "[Ela vê] a arte como uma ação ou atividade, uma provocação ou mudança de percepção para o público." Um dos ditados favoritos de Ono, ele explica, é: "O trabalho do artista não é destruir, mas mudar o valor das coisas."

Um saco preto se torna uma ferramenta para a brincadeira coletiva. Uma árvore se torna um registro vivo de saudade, luto e esperança. Um prego se torna um ato de conexão. A arte de Ono é, em última análise, sobre a crença frágil e radical de que outra forma de ver — e, portanto, outra forma de viver — ainda pode ser possível. Imagine.



Perguntas Frequentes
Aqui está uma lista de perguntas frequentes sobre a visita à exposição de Yoko Ono no The Broad, escrita em tom natural com respostas claras e diretas.







Planejamento Geral



P: Sobre o que é a exposição de Yoko Ono no The Broad?

R: É uma grande retrospectiva do trabalho de Yoko Ono, abrangendo dos anos 1960 até hoje. Foca em sua arte interativa, instruções e ativismo pela paz — grande parte convida você a participar.



P: Quanto tempo leva para ver toda a exposição?

R: A maioria das pessoas gasta cerca de 1 a 1,5 horas. Se você planeja fazer cada peça interativa, reserve perto de 2 horas.



P: Preciso de um ingresso separado para a mostra de Yoko Ono?

R: Sim. A coleção geral do The Broad é gratuita com ingresso agendado, mas a exposição de Yoko Ono requer um ingresso pago separado. Reserve online com antecedência.



P: A exposição é boa para crianças?

R: Com certeza. Muitas peças são práticas — como martelar um prego em uma tela ou escrever desejos. É muito envolvente para crianças, mas fique de olho nelas perto das instalações mais frágeis.



P: Posso tirar fotos dentro da exposição?

R: Sim, fotografia sem flash é permitida na maioria das áreas. Algumas peças muito frágeis ou sensíveis à luz podem ter restrições, mas placas avisarão.



A Arte e a Experiência



P: O que significa arte de instrução?

R: Yoko Ono frequentemente dá a você uma instrução escrita em vez de um objeto acabado. A arte é completada quando você imagina ou segue fisicamente a instrução.



P: Qual peça devo definitivamente tentar interagir?

R: Definitivamente tente a Wish Tree. Você escreve um desejo em uma etiqueta de papel e a amarra a uma árvore. Também Painting to Hammer a Nail é um clássico — você literalmente martela um prego em um painel branco.



P: A performance Cut Piece faz parte da exposição?

R: A performance original não está acontecendo ao vivo, mas a mostra inclui documentação de Yoko Ono executando Cut Piece nos anos 1960. É poderoso de assistir.