Réges-régen egy avantgárd filmrendező elhatározta, hogy elkészíti harmadik kereskedelmi filmjét, amelyről úgy gondolta, talán az utolsó lesz. Első filmje, egy disztópikus fantasy, megbukott. Második, egy nosztalgikus pillantás az észak-kaliforniai tinédzserek életére, összefüggő jelenetekben elmesélve, váratlan siker lett. A sikerből származó nyereség és jóindulat lehetőséget adott neki, hogy újra próbálkozzon, még akkor is, ha úgy érezte, ez a harmadik próbálkozás könnyen megbukhat. Ezt szem előtt tartva, teljes mértékben egy kísérleti hangstúdiós filmre tette fel a tétet – olyanra, ami talán csak neki számít. Ha megbukik, gondolta, hazamehet, és tovább készítheti a kicsi, cselekmény nélküli, "tiszta mozi" filmeket, amelyeket szeretett.

A filmrendezőt évek óta foglalkoztatta, hogy bizonyos mítoszok hogyan jelennek meg a különböző kultúrákban. Az egyetemi antropológia órákon megtanulta, hogy egyes történetek újra és újra felbukkannak különböző formákban szerte a világon. Mi lenne, ha venné ezeket a történeteket, lecsupaszítaná őket a lényegükre, és filmet csinálna belőlük? A háború utáni Bay Area gyermeke volt, aki az 1960-as évek társadalmi felfordulásainak kellős közepén élt. Úgy érezte, szakadék tátong benne a tekintély elleni lázadás és a történetek hiánya között, amelyek fiatalkorában összetartották a társadalmat. Filmjében egyetlen cselekménybe ötvözte a jó és a rossz csatamezőn vívott harcának meséit, a kocsmákban kalandokra induló hétköznapi embereket és a szellemi életerőket. Egy apa nélküli fiatalemberről írt, akit egy kedves gazda nevelt fel, és aki egy kisvárosán túli világról álmodozott. És hogy illeszkedjen a sehonnan és mindenhonnan származó mítoszok e keverékéhez, filmjét egy egyetemes helyszínre helyezte: a világűrbe.

A projekt nagyszabású koncepció volt, de a részleteket – űrlények elképzelése, nevek kitalálása – ő töltötte ki, és ezzel felrúgta a kasszasiker szabályait. Az első 17 perc két lassan mozgó, kifejezéstelen robotra összpontosított. A szereplők sípolással vagy morogva kommunikáltak, és sokan úgy néztek ki és öltöztek, mint a Bee Gees. Amikor az emberek meglátták a filmet, néhányan reménykedtek benne, de senki sem jósolta meg, milyen sikeres lesz. Egy éven belül a Star Wars, ahogy hívták, minden idők legnagyobb bevételt hozó filmjévé vált világszerte.

A filmrendező, George Lucas számára ez a sikerszint sokkoló volt, és arra kényszerítette, hogy újragondolja az útját. Soha nem veszítette el a szeretetét az általa "nem-történet, nem-karakter filmeknek" nevezett alkotások iránt, de soha többé nem tért vissza a tiszta mozi készítéséhez. Az űr-mítosz projektje megmutatott neki valami furcsát és érdekeset: hogy a népszerű történetek – az elbeszélés – hogyan szervezhetik meg az élményeket időn és kultúrán át, és milyen erőteljes lehet ez, ha az ember megragadja. Az elkövetkező évtizedekben kibővítette saját stúdióját, és több filmet készített, néhányat hatalmas sikerrel. De a rejtély, hogy a történetek hogyan érintenek meg különböző embereket és formálják a társadalmat, soha nem szűnt meg – az ő fejében – a fő fókuszpontja lenni: élete projektje.

Találkozom Lucasszal, aki most 81 éves, és feleségével, Mellody Hobsonnal – egy befektetési cég vezérigazgatója és a Starbucks volt elnöke – Los Angeles déli részén, egy sorházak és a napsütötte USC stadion által határolt területen. Ragyogó márciusi reggel van, keleti széllel; Hobson és Lucas hunyorognak, amikor kilépnek egy gyepdarabra. Sokadszorra látogatnak el egy építkezésre, amely az elmúlt évtizedben – valójában azóta, hogy Lucas 2012-ben eladta cégét, a Lucasfilmet a Disney-nek – a kreatív fókuszpontjuk volt. A 11 hektáros Lucas Múzeum, amely Lucas és Hobson gyűjteményéből származó illusztrációk százait mutatja be, és az időbeli és költségvetési csúszások után szeptemberben nyílik meg, a legambiciózusabb projektje egy olyan párnak, akiknek élete tele van ilyenekkel. De Lucas számára ez élete tanulmányának beteljesülése is – válasz arra a kérdésre, amelyet körülbelül 50 évvel ezelőtt tett fel magának. Nem várunk sokáig, amikor egy nyitott jármű húz fel mellénk, mint egy Star Wars-beli landspeeder. (Valójában egy golfkocsi.)

"Olyanok vagyunk, mint a Disney – 'Tegyétek le a síneket!'" – mondja Hobson, ahogy felszállunk. "Senki ne essen ki!"

Elindulunk egy dombos, füves tájba, ahol jól nyírt fák állnak. Egy hatalmas, idegen űrhajóra emlékeztető épület felé sétálunk. Minden részlet arra késztet, hogy kétszer is megnézd. A hatalmas parkot, amelyet Mia Lehrer, a Studio MLA tervezett, egyben tetőként is szolgál a két alatta eltemetett parkolóház számára. Az ötemeletes épületet pedig Ma Yansong építész, a MAD tervezte, ami szokatlan otthona egy eklektikus művészettel teli múzeumnak.

"George azt akarta, hogy a művészek és a művészet egy fontos épületben legyenek" – mondja Hobson. "Ha az épület fontosnak tűnik, az emberek megértik, hogy a művészetnek is fontosnak kell lennie."

Ami a stílust illeti, Hobson és Lucas – akik 2006-ban egy konferencián találkoztak, és hét évvel később házasodtak össze – úgy tűnik, mintha különböző bolygókról származnának. Ő egy testhezálló Sacai kabátot visel rövid, puffos ujjakkal, egy ropogós fehér blúz és elegáns fekete lapos cipő fölött. Lucas fekete melegítőnadrágot és egy fekete pólót visel, amelyre egy Forma-1-es versenyautó van nyomtatva – egy olyan öltözék, amelyet, a fehér tornacipőjét leszámítva, egy gyerek is viselhetne ágyban, influenzásan. Ahogy a golfkocsi zümmögve és pattogva halad egy kanyargós ösvényen egy szőlővel borított gyalogoshíd alatt, egymáshoz suttognak – utazásról, középiskolás korú lányukról, Everestről, és a napi sűrű programjukról. Aztán hirtelen a főépületnél vagyunk, felnézünk az aljára, amely egy hatalmas teknős hasára emlékeztet. Egy nagy szökőkút bugyborékol a közelben, egy dekoratív elem, amely a zöld tetőhöz hasonlóan a múzeum kifinomult klímaszabályozó rendszerének része. Hobson és Lucas kiugranak a golfkocsiból, és egy magas üvegbejáraton át egy fogadó előtérbe vezetnek.

A tér, ahová belépünk, magas, gazdag faburkolattal és szinte egyetlen derékszöggel sem. A mennyezet lefelé ível; a nagyméretű lépcsők kanyarognak. Egy központi liftkészlet üvegcsöveken keresztül fut. A múzeum külső héját – valójában a páncélját – egy parametrikus modellezésnek nevezett eljárással tervezték, amely lehetővé teszi, hogy az alakját úgy formázzák, mint a gyurmát. Egy belső váz köré épült, 1500 üvegszálas panelből, amelyek mindegyike akkora, mint egy iskolabusz, és emberi csapatok illesztették a helyükre, mint egy háromdimenziós puzzle darabjait. "Ez egy olyan modern építészeti darab, annyira a maga korának terméke, hogy 15 évvel ezelőtt nem lehetett volna megépíteni" – mondja Michael Siegel, a Stantec építészeti cég munkatársa és a projekt helyszíni vezetője. Mégis, a hatás klasszikusan kaliforniai, egyensúlyozva a tech-futurizmust az organikus formákkal, az Apple fénykori dizájnjaira emlékeztetve: nyitott és kompakt, hűvös és meleg egyszerre. Az épület úgy néz ki, mintha bármelyik pillanatban megnyúlhatna és elindulhatna, mint Lucas egyik fantasztikus teremtménye.

A sajtóban a múzeumot Los Angeles városának ajándékaként írták le – egy udvarias módja annak, hogy elmondják, Lucast és Hobsont nemcsak tervezik, hanem fizetik is, körülbelül egymilliárd dolláros költséggel. Barátaik szerint a pénz a legkevesebb az elkötelezettségükben. "Sok alkotó embert ismerek – azt hiszem, az életem nagy részét alkotó emberek között töltöttem –, de soha nem dolgoztam olyan emberekkel, akik ilyen léptékű dolgot hoztak létre" – mondja Stella McCartney tervező, aki évek óta ismeri Hobsont és Lucast. "Még csak projektnek sem nevezném, mert az a szó nem elég nagy. Ez olyan, mint egy másik végtag számukra."

Lucas a múzeumot egy film készítéséhez hasonlítja. "Olyan, mint filmet csinálni – pontosan ugyanaz" – mondja. Sir Lewis Hamilton, a Forma-1-es versenyző, aki jól ismeri a párt – Lucas a palacsintázó és filmnéző társa néhány reggelen, amikor nem versenyez – a múzeum elegáns, szabálytalan belső terét úgy írja le, mint "mintha George agyában sétálnánk".

Az első galériába vezető úton megállunk az ajándékboltban, egy ellenállhatatlan kinézetű térben, világító polcokkal és cső alakú üvegvitrinekkel. Itt a gyűjteményhez kapcsolódó pólókat, könyveket és játékokat árulnak majd. (Lucas, aki talán jobban kapcsolatban van a benne élő igényes nyolcéves gyerekkel, mint a legtöbbünk, azt mondja: "Csak olyan dolgokat fogunk csinálni, amik jók – rá akarok nézni, és azt mondani: 'Ez egy nagyszerű játék!'" A legtöbb múzeumi ajándékbolt, meglepetésükre, veszteséges. Lucas úgy gondolta, ő jobban tudja csinálni. "Ismerem a licencelést és a merchandisingot" – mondja nekem halk, szinte titokzatos hangon. A múzeum gyűjteményéhez kapcsolódó tárgyak mellett az üzlet Star Wars-árucikkeket is árul majd. A múzeum hozzáállása a híres franchise-hoz gyakorlatiasnak nevezhető: határozottan nem egy Star Wars-múzeum, de nem riad vissza attól, hogy ezzel csalogassa be az embereket, hogy aztán felfedezhessenek valakit, mint a 20. századi illusztrátor, Maxfield Parrish. Az egyik galériában a filmekből származó járművek és modellek lesznek kiállítva. ("Olyan, mintha azt mondanám: ez az a részleg, ahol az összes időmet fogom tölteni" – mondja Hamilton, aki 41 évesen egy Lego Millennium Falcon építésén dolgozik, és reméli, hogy hamarosan egy Lego Halálcsillagot is építhet.) Az üzletet úgy tervezték, hogy minden hátterű gyerek számára tartalmazzon valamit – ez a prioritás Hobson számára, aki hat gyermek egyikeként nőtt fel egy küszködő egyedülálló anyával Chicagóban, mielőtt bejutott a Princetonra, és végül az Ariel Investments, Amerika legismertebb kisebbségi tulajdonú értékalapú befektetési cégének vezetője lett.

"Arra gondoltam, ha elmennék a múzeumba más emberekkel, akiknek volt pénzük, nekem meg semmi, akkor néznem kellene, ahogy ők vásárolnak, miközben én nem kapok semmit?" – mondja. Gyermekkori énjét szem előtt tartva, Hobson, aki most 57 éves, ragaszkodott hozzá, hogy az ajándékbolt áruljon valami kívánatosat 25 centért. (Egy ceruzára esett a választása, amelyre a "Első Vázlat", "Második Vázlat" és "Harmadik Vázlat" van írva a szárán.) A bejárattal szembeni elegáns kávézóban, ívelt ültetőládákkal és kifelé nyíló ülőhelyekkel, hasonló cél felé terelte a menüt.

"Azt mondták: 'Itt van a grillezett sajtos szendvicsünk. Kovászos kenyéren, Gruyère-rel és pestóval!' Én meg: Nem, fehér kenyéren, Kraft American sajtszeletekkel és vajjal" – mondja Hobson. Nagy mulatságára Lucas folyton azt hajtogatta, hogy a múzeum palacsintát szolgáljon fel. "Én meg: 'George! Te érted, mi az a reggeli?'" – mondja Hobson. "Te érted, hánykor kellene kinyitnunk a múzeumot?"

Palacsinta ide vagy oda, több mint száz iskola van a múzeum 10 mérföldes körzetében. Ez a valóság, a sajtpreferenciák formálása mellett, ihlette az oktatási programot is. "Azt akartam, hogy a múzeum olyan helyen legyen, ahol a hátrányosabb helyzetű gyerekek olyan dolgokat láthatnak, amelyekkel azonosulni tudnak, és megérthetik, hogy ezeket a dolgokat egy közös hitrendszer teszi lehetővé" – mondja Lucas. Kurátori szempontból a múzeumot úgy állították össze, hogy tükrözze alapítóinak nézetét arról, hogy mi legyen a művészet szerepe a társadalomban. "Hiszünk abban, hogy a művészet a szemlélő szemében van" – mondja. "Senki sem fogja megmondani, hogy ezt szeretned kell. 'De nekem semmi értelme!' 'Ez a művészet.'" Rosszallóan összeráncolja a homlokát. "Az én érzésem az, hogy a művészet érzelmi; nem intellektuális" – mondja. "Érzelmileg kapcsolódsz hozzá? Ha kapcsolódsz, az művészet. És ha nem, akkor nem az."

A múzeumi gyűjteményekhez képest szokatlan módon Lucas és Hobson gyűjteménye az illusztrációra összpontosít: 1200 darab történetmesélő műalkotás, amelyet Lucas maga választott ki 40 000 tételből. Vannak jól ismert olajfestmények, mint Parrish és Norman Rockwell művei, amelyek magazinok és hirdetők számára készültek. De vannak képregények, mangák, filmes művészeti alkotások és sárkányokkal és királyokkal teli fantasy jelenetek is. A rendkívüli skála a tulajdonosok sajátos ízlését tükrözi. Lucas még az egyetemen kezdett gyűjteni, amikor rájött, hogy megengedheti magának a szeretett képregényeinek eredeti rajzait. "Ez egy underground dolog volt – egyik aukciós ház sem foglalkozott ilyesmivel" – mondja. "Rajongók voltak, és kaphattam egy kis Alley Oopot 35 dollárért."

Anyagának mennyisége (és költségvetése) innentől nőtt tovább. "Végül mindezzel a cuccal a raktárban és a házainkban kötöttünk ki, és arra gondoltam, tennünk kell valamit" – mondja Lucas. "Több száz illusztrátorral dolgoztam együtt, és soha nem kapnak elismerést semmiért. Nem kerülnek be múzeumokba, mert a művészeti világ elitista, és az illusztrátorokat alacsonyabb rendűnek tekintik." Egy ötlet kezdett formát ölteni, amely végül több, hagyományosan múzeumba illő darabot is magában foglalt Lucas és Hobson gyűjteményéből – mint JR első fényképét vagy Robert Colescott George Washington Carver Crossing the Delaware című művét. Stella McCartney azt mondja: "Úgy értem, van ott egy Frida Kahlo, csak úgy, és Mellody és George meg: 'Ja, igen, az a hálószobánkban volt.' Én meg: 'Őrült vagy, hogy nem ébredsz fel minden nap arra a Frida Kahlóra – mi a baj veled, Mellody?'"

Ennek ellenére a Lucas Múzeum gyűjteménye egészében véve szokatlan marad. Minden darab, amit kiállítva láttam, figuratív volt: emberek, lények és tárgyak képei. (Lucas és Hobson birtokolnak absztrakt művészetet is, de azokat a műveket otthon tartották.) Mivel a 20. századi művészet legtöbb leírása a nem-figuratív műveken keresztül és azokkal szemben halad előre, a Hobson és Lucas által történetet mesélő művészetként leírtakra való összpontosítás már vitát váltott ki. Christopher Knight kritikus a Los Angeles Times-ban a Lucas Múzeum "narratív művészet" alapfeltevését "kitaláltnak" nevezte – egy olyan kategóriának, amelynek nincs széles körben elfogadott definíciója vagy körülötte zajló párbeszéd. "Minden alkalommal, amikor megkérdezem a művészeket, mit gondolnak egy Narratív Művészeti Múzeumról, a válasz valamilyen változata annak, hogy 'Mi az?'" – írta.

Azt mondani, hogy Lucas legyint az ilyen kritikára, nem egészen pontos. Valójában táplálja az önképét, miszerint ő a népszerű művészet legitimitását védi a művészettörténeti establishment sötét erőivel szemben. "Úgy akarják csinálni, ahogy az egyetemen tanították nekik, ahol a PhD-t szerezték" – mondja nekem. "Azt mondom, ennek semmi köze a művészethez. Nem vagyok híve annak, hogy megmondják az embereknek, mit szeressenek." Meglepő lehet, hogy az ország egyik legnagyobb, legsikeresebb népszerű-kreatív birodalmának alapítóját olyasvalakinek találjuk, aki egy alulmaradó küzdelemben vesz részt a humán tudományok akadémikusainak egy csoportja ellen. (Alig lehet elképzelni, hogy Oprah vagy Taylor Swift álmatlan éjszakákat okozna a tudományos kritika.) De Lucas mindig is szokatlanul gyakorlatias maradt a munkájában. Sokkal azután is, hogy visszaléphetett volna egy vezetői szerepbe, papírral és ceruzával vette körül magát, és továbbra is megszállottan foglalkozott produkciói dizájn részleteivel. Sokkal azután is, hogy hatalmas, virágzó cégeket hozott létre a cégeken belül – produkció, effektek, hang, merchandising, játékok, oktatás –, egy íróasztalnál ült, ahogy mindig is tette, hogy maga írja meg filmjei forgatókönyveinek vázlatait. Szokásai nem voltak másképp a Lucas Múzeummal sem. Ha lehet, még felerősödtek.

"Van ebben egy időtlenség" – mondja Hobson. "Nem mondjuk meg, mit higgy, csak megmutatjuk, milyen hitek és mítoszok léteztek."

"George a 80-as éveiben is minden nap dolgozik" – mondja Lewis Hamilton. "Korán kel, tornázik, és a múzeummal foglalkozik, mindent alaposan átnéz."

"Éveket töltött ezzel nagy papírlapokon az ebédlőasztalon" – mondja Hobson most, látható önmérséklettel. "Az ebédlőasztalon – éveket."

"Igen, voltak alaprajzok, metszetek..." – Lucas álmodozva elhallgat. Áttanulmányozta a terveket – és aztán, amikor elkészültek, újra áttanulmányozta őket, eldöntve, hová kerüljön minden egyes műalkotás.

Az eredmény egy olyan múzeum, amely sokkal inkább, mint a legtöbb, egyetlen víziót, egységes nézőpontot követ. Elhaladunk két 299 férőhelyes moziterem mellett, amelyek önmagukban is Amerika legjobb vetítőtermei közé tartoznak. A vásznak hatalmasak. A környezeti világítás bármilyen színűre állítható. Minden terem egy különálló akusztikus szerkezet, amelyet hatalmas rugókra és gumiszigetelőkre függesztettek fel, így az egyikben dübörgő akciójelenet hangját nem hallják a szomszédban egy csendes pillanatot élvező nézők. Lucas "galériáknak" nevezi a termeket, hogy egy szintre hozza őket a többi helyiséggel; egy tipikus nap folyamán az egyik vásznon művészekről és filmesekről szóló dokumentumfilmeket vetítenek, míg a másik rövidfilmeket játszik, néhányat csak néhány perceset.

"Mi a különbség a többi galéria művészete és a film között?" – kérdezi. "A film mozog. És ez a mozgás érzelmet kelt." Gyakran hivatkozik a korai szovjet filmrendező, Lev Kulesov munkájára, aki bebizonyította, hogy a nézők érzelmi észlelése egy semleges arcon változik attól függően, hogy milyen felvételeket Vágnak köré – egy lecke, amelyet Lucas a saját munkájába is átültetett. ("Az egyik dolog, amit a Star Wars-ban csináltam, az volt, hogy C-3PO-nak nagyon semleges arcot adtam" – mondja.)

Lucas, akinek még mindig szinte minden este élénk álmai vannak, hajlamos hirtelen kapcsolatokat teremteni számos érdeklődési köre és munkája különböző részei között. Egy munkatársa azt mondja: "Nézed, ahogy létrehoz valamit, amit teljesen normálisnak érez" – még akkor is, ha ez mások számára nem tűnik annak. Amikor Lucas úgy döntött, hogy épít egy múzeumot a mítosz társadalomban betöltött szerepéről, például, nyilvánvalónak tűnt számára, hogy a barlangrajzokkal kell kezdenie.

"George az első graffitinek hívja őket" – mondja Hobson. "Figuratívan rajzolták az állatokat, nem szó szerint. Misztikusan szóltak hozzájuk, mondván: 'Gyere vissza hozzánk, hogy legyen ételünk.'"

"Az emberek kezdetben kérdezték: 'Miért lesz sötét?'" – magyarázza Lucas. "'Az állatok éjszaka megesznek minket – miért történik ez?' Szóval azt mondták: 'Elmesélem a történetet.'"

A Lucas Múzeum első galériája, amely bevezeti a központi gondolatot, a spanyolországi Altamira barlangrajzainak méretarányos másolatával nyílik, amelyek legalább 14 000 évesek. Ezeket egy ultra-nagy felbontású kamerával fényképezték le, és a galéria falain részletesen kiállították.

"George egyik barátja, Caleb Deschanel" – a jól ismert operatőr – "segített, mert a világítás nagyon fontos a nézők vizuális befogadásához" – mondja Hobson. "George azt mondta: 'Azt akarom, hogy úgy érezd, mintha egy ablakon néznél ki.'" Ebből az altamirai festményekre nyíló ablakból a nézők továbblépnek a Sixtus-kápolna mennyezetének másolatához. "George 'Isten képregényének' hívja, mert a panelek elmesélik a történetet" – mondja Hobson.

"Az egyház és az állam az illusztrációt használta, hogy megteremtse azokat a mítoszokat, amelyeket el akart hitetni az emberekkel, mivel a legtöbb ember nem tudott olvasni" – folytatja. A Vatikán külön engedélyt adott Lucas csapatának, hogy nagy felbontású kamerákkal lefényképezzék a kápolna mennyezetét. "Nem mindenki mehet el a Vatikánba" – mondja. "És még ha a Sixtus-kápolnában is vagy, a látvány olyan messze van. Nem látsz néhány részletet azokban a történetekben. Mi közelebb hozzuk őket."

Hamarosan átsétálnak a múzeum több mint 30 nagy galériáján, amelyek többségét "papírral függesztették ki" a műalkotások méretarányos nyomataival, hogy Lucas be tudja állítani a helyüket és sorrendjüket. Hobson – aki a pár menetrendjét kezeli – gyorsan halad előre, megjegyezve a részleteket, alig várva, hogy eljussanak a következő találkozójukra. Lucas lassan és elgondolkodva halad, szinte minden darabot újra megvizsgál, megáll, hogy megvitassa tulajdonságaikat, és apró frusztrált hangokat ad ki, amikor észreveszi – látszólag emlékezetből –, hogy a több száz darab egyikét elmozdították. A galériák mítoszok szerint vannak szervezve. Egy Gyermekkor galéria olyan műalkotásokat mutat be, amelyek Lucas szerint azokat a mítoszokat építik, amelyek segítenek a gyerekeknek megérteni a helyüket a világban. Egy Munka galéria ugyanezt teszi a munka fogalmával. Vannak galériák az Anyaságnak, Romantikának, Fantáziának, Játéknak, Sportnak és még sok másnak. Néhány művész, fotós és illusztrátor saját teret kapott. "A közönség alkotja a történetet, de vannak bizonyos dolgok, amelyeket egymás mellé lehet tenni" – mondja Lucas. Az ő nézete szerint – ami talán George Herrimannek és Roland Barthes-nak is tetszene – a galériák dokumentum jellegűek: példák arra, hogyan adták tovább az emberek társadalmuk történeteit.

"Mi az illusztráció?" – folytatja. "Kell, hogy legyen egy történet – és a történet a társadalom mitológiája. Nem kell igaznak lennie. Valójában mindenki tudja, hogy nem igaz, de érzelmi. Megragad. Fontossá válik a társadalom számára, hogy összetartsa. Az emberek egy kicsit diszfunkcionálisak." Felemeli a tekintetét. "Szükséged van valamire, ami összehozza őket."

A Lucas Múzeum éppen jókor nyílik meg. Los Angeles, amely kevesebb mint két éve lángokban állt, most kezd újjáépülni. 2028-ban a város ad otthont a Nyári Olimpiának. A Los Angeles-i Megyei Művészeti Múzeum hatalmas új David Geffen Galériái idén tavasszal nyíltak meg, rengeteg nem-figuratív művészettel. A Lucas Múzeum buja területével és oktatási programjaival más szerepet tölt be: egy olyan helyet, ahol egy egész család eltölthet egy délutánt. (A 18 év alatti látogatók ingyenesen léphetnek be.) Oktatási szárnyában egy gyönyörű zárt állományú köny