El año pasado, lanzamos PhotoVogue Female Gaze, una serie de entrevistas que exploraban temas del primer PhotoVogue Festival en 2016, presentando a fotógrafas de nuestra comunidad. Este año, con nuestra convocatoria global Women by Women, quisimos crear un espacio más interactivo donde artistas mujeres pudieran intercambiar ideas, discutiendo tanto las similitudes como las diferencias en sus trabajos y perspectivas. Por eso renombramos la serie como Female Gazes.

Para nuestra primera conversación, invitamos a las artistas Ana Margarita Flores y Marisol Mendez a hablar sobre sus proyectos Where These Flowers Bloom y Madre. Ambas son de Latinoamérica pero dejaron la región en distintas etapas de sus vidas. Hablamos sobre identidad, pertenencia y abrazar las múltiples culturas que llevan dentro—reconociendo contradicciones mientras deconstruyen viejas creencias. También tocamos el tema de ser mujeres en la industria, la responsabilidad de retratar a otros y navegar una carrera creativa donde el conocimiento financiero es tan importante como la visión artística. El resultado fue una discusión rica que entrelazó temas contemporáneos como la colonización y las estructuras de género, explorados con sensibilidad y humor.

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Ana Margarita Flores

CATERINA DE BIASIO: Gracias a ambas por acompañarme. Para empezar, me encantaría saber cómo surgieron sus proyectos y el significado detrás de sus títulos.

MARISOL MENDEZ: Comencé Madre en 2019 después de volver a Bolivia tras estudiar en el extranjero—primero en Buenos Aires, luego en Londres, donde hice una maestría en fotografía de moda. En ese momento, la moda estaba en un momento de cambio, con personas cuestionando narrativas dominantes. Yalitza Aparicio, una mujer indígena y protagonista de Roma, incluso apareció en la portada de una revista. Esperaba encontrar un panorama cultural más diverso al regresar, pero en cambio, vi las mismas representaciones anticuadas de mujeres en los medios. Como artista visual, me pregunté: ¿Por qué no mostramos la belleza que nos rodea? Así que Madre se convirtió en mi forma de desafiar estas representaciones limitadas fotografiando a las mujeres que encontraba en mi día a día.

(Imagen: Killa por Marisol Mendez)

En esa época, mi mamá encontró nuestro álbum familiar mientras limpiaba, lo cual fue revelador. Mostraba la diversidad dentro de mi propia familia, aunque las mujeres del pasado tuvieron menos oportunidades de expresarse. El álbum también me hizo reflexionar sobre la historia clasista y racista de Bolivia, impulsándome a criticar el pasado de mi familia mientras imaginaba un nuevo futuro.

El proyecto se llama Madre—una palabra que encarna tanto el increíble poder de las mujeres para crear vida como la histórica confinación de las mujeres a roles reproductivos. Para mí, Madre celebra la feminidad mientras protesta contra los espacios limitados que aún se espera que ocupemos.

(Imagen: Dual por Marisol Mendez)

CDB: Quise reunirlas a ambas por sus muchos paralelismos, pero especialmente porque dejaron sus hogares en diferentes momentos de sus vidas.

ANA MARGARITA FLORES
Me identifico mucho con lo que dijo Marisol sobre volver a Bolivia y reconectarse con aspectos de su cultura a través de su familia.

Para mí, regresar a Perú cobró significado después de cambiar de carrera y comenzar a estudiar fotografía de moda. La fotografía me dio una forma de hacer preguntas que no había considerado antes. Mi carrera me impulsó a explorar el mensaje detrás de mi trabajo, comenzando con la autorreflexión. Ese proceso me llevó a investigar mis propias raíces.

Volví a Perú, pasando tiempo con mi abuela y revisando archivos familiares. En Cusco, conocí comunidades indígenas que colaboraban con un restaurante y centro de investigación de alta gama llamado Mil. Compartieron su profundo conocimiento de la tierra, transmitido desde tiempos preincaicos.

Vista de Perú desde el avión.
Ana Margarita Flores

Aunque conocía esta historia, nunca había conectado directamente con estas comunidades. Fue una revelación—me di cuenta de lo poco que realmente sabía sobre mi propio país. De niña, la cultura peruana estaba presente en mi hogar a través de la comida y el idioma, pero rara vez discutíamos su historia. Honestamente, nunca lo cuestioné mucho mientras vivía en Suiza con mis padres. No fue hasta mis estudios de fotografía que comencé a deconstruir estas capas.

Durante mi viaje en 2023, investigué sobre colonialismo y conocí a personas que han enfrentado siglos de discriminación. Me sentí orgullosa de interactuar con ellos y aprender de su conocimiento preservado, pero también enojada por cómo siguen marginados—juzgados por su falta de educación formal, color de piel o idioma.

Para mi proyecto final, exploré los textiles como un lenguaje y un acto de resistencia. Mi investigación se profundizó en algo muy personal. Tuve que confrontar mi propia identidad—ser peruana con padres de Perú, pero percibida como blanca allí, mientras que en Europa me ven como morena. Mi abuela, de piel morena, sufrió discriminación, pero yo, su nieta, soy tratada de manera diferente.

Establecí paralelos entre la historia de las mujeres indígenas y la vida de mi abuela. Elegir Cusco fue intencional—nací allí, y regresar fue como reclamar mis raíces. Me tomé autorretratos en la antigua casa de mi familia, una experiencia emocional.

El nombre de mi proyecto surgió inesperadamente. Mientras andaba en bicicleta escuchando Where This Flower Blooms de Tyler, the Creator, algo hizo clic. Lo ajusté a Where These Flowers Bloom—un guiño a las historias de tres mujeres.

Por eso el trabajo de Marisol resuena conmigo. Ambas navegamos nuestra identidad a través de la historia familiar. Mi madre, mi abuela y yo compartimos a Perú como nuestro terreno común. Regresar allí me ayudó a florecer—no solo como artista, sino como persona.

La madre de Ana, Ana Margarita Flores (CDB): Cuando ambas hablaron antes, noté que usaron la palabra "enojo". Lo encuentro interesante, considerando cómo a menudo se etiqueta a las mujeres como enojadas. La teórica Sarah Ahmed dice que el enojo es una emoción fértil, especialmente para las mujeres—algo que deberíamos celebrar porque puede impulsar cambios positivos, particularmente para personas creativas. Así que quería preguntar: ¿Alguna vez sintieron que su identidad, como mujeres con raíces latinoamericanas, fue simplificada en cómo las personas las perciben a ustedes y a su trabajo? ¿Cómo desafían eso?

Marisol Mendez (MM): Ahora mismo, me atrae mucho la idea de la "interseccionalidad", que ha estado circulando por un tiempo. Me gusta tu palabra, "simplificada", porque la identidad es compleja—moldeada por dónde naces, dónde creces, incluso la geografía. La interseccionalidad resuena conmigo porque reconoce identidades híbridas. Contenemos tantas capas. Como dijiste, ser mujeres nos moldea, pero también soy una boliviana blanca, lo cual altera completamente mi experiencia. Es un poco triste no poder definir exactamente quién soy, pero quizás esa fluidez es hermosa.

Ana Margarita Flores (AMF): También me conecto profundamente con la interseccionalidad. Nací en Perú pero crecí en Suiza, así que parte de mí es suiza, parte es peruana. Durante mucho tiempo, luché por encontrar mi lugar—hasta que entendí que no necesito solo uno. Ahora, amo moverme entre ambos y sentirme en casa en cada uno.

Con más artistas latinoamericanas ganando visibilidad, estamos agregando capas a la conversación sobre lo que significa Latinoamérica, especialmente en Europa. A menudo nos estereotipan—asumiendo que todos compartimos el mismo idioma, música o cultura. Pero la realidad es mucho más compleja. Como artistas, nuestro poder está en mostrar esa diversidad, incluso dentro de un solo país.

Mencionaste el enojo—es un gran punto de partida porque alimenta una exploración más profunda. Me impulsa a aprender sobre mi cultura y desafiar narrativas simplistas. No intentamos borrar percepciones existentes, pero compartimos nuestras propias historias, ofreciendo nuevas perspectivas.

CDB: Los europeos a menudo actúan como si solo nosotros tuviéramos derecho a la complejidad. Lo que ambas hacen tan naturalmente es ver las cosas de manera interseccional—reconociendo que la realidad está en capas. Examinan el patriarcado, el colonialismo y la feminidad sin separarlos porque están profundamente entrelazados en su trabajo. Así que mi pregunta es: ¿Hubo un momento en que se dieron cuenta de que su forma de ver o crear imágenes estaba influenciada por sesgos patriarcales o coloniales? ¿O que tuvieron que desaprender algo dentro de ustedes mismas?

MM: Crecí rodeada de machismo y yo misma era bastante machista, proveniente de un entorno boliviano conservador. Aunque mis padres no eran necesariamente así, Bolivia en general es más tradicional y patriarcal que muchos lugares. Es interesante cómo estas ideas a menudo son transmitidas por las madres también.

Latinoamérica todavía tiene una cultura profundamente machista—muy patriarcal, muy tradicional. La influencia de la Iglesia Católica está en todas partes. La fe es hermosa, y admiro la devoción de las personas, pero las opiniones de la Iglesia sobre las mujeres son restrictivas, e incluso hoy, muchos puestos de poder siguen cerrados para ellas. Creciendo como católica, estas fueron las lecciones que absorbí. Pensé que tenía que ser sexy, usar ropa ajustada y me sentía insegura porque no tenía una figura curvilínea.

Me gusta la palabra "deconstrucción" porque no se trata de borrar estas ideas, sino de examinarlas y remodelarlas. Eso es lo que hice en Madre. Proveniente de la moda, estaba acostumbrada al estilismo y los retratos, pero en Bolivia no tenía un estilista—así que el catolicismo se convirtió en mi estilista. Tomé inspiración de su imaginería pero cambié el mensaje. Por ejemplo, retraté a María Magdalena como una mujer trans en ropa interior sexy. El humor, para mí, es una forma de proponer nuevos mundos—convertir el enojo en algo lúdico desafía las normas patriarcales.

Y es importante reconocer que hay hombres que me ayudaron a desaprender estas actitudes. El cambio es un esfuerzo colectivo; ninguno de nosotros es perfecto, y todavía estamos construyendo nuevas formas de pensar.

Incluso como peruana, temía exotizar mi propia cultura o repetir clichés. Quería que mi trabajo fuera una carta de amor a mis sujetos y a mi país, mostrándoles respeto. Para evitar estereotipos, estudié cómo los fotógrafos—no solo en Latinoamérica, sino en todo el Sur Global—retrataban a las personas, analizando qué funcionaba y qué no.

No quería alterar cómo se veían mis sujetos. Su uso del color me fascinaba—les preguntaba sobre sus atuendos diarios, y aunque usaban ropa similar, pequeños cambios, como intercambiar sombreros o colores, los hacían únicos.

Así fue como comencé. Colaborando con otra directora, reimaginamos la ropa tradicional de formas contemporáneas y artísticas. Para tomas de bodegones, me inspiré en campañas de moda pero usé zapatos tradicionales. Jugar con estos elementos fue mi forma de redefinir la moda en mis propios términos.

En la universidad, me dijeron que la moda tenía que involucrar marcas—de lo contrario, no contaba. Pero ¿quién decide qué es la moda? Si la gente lo usa hoy, es moda. Esa mentalidad solo reforzó mi necesidad de documentar su estilo, demostrando que la moda existe más allá de las etiquetas comerciales.

Ambas usan la ropa para desafiar percepciones de la realidad—una desde una lente colonial, la otra desde una patriarcal. Desde la infancia, nos han dicho qué es "apropiado" usar y qué no, así como la moda dicta qué está "in" o "out".

AMF: Mi punto de inflexión fue leer Las venas abiertas de América Latina de Eduardo Galeano.
MM: ¡Ese libro me enfureció!
AMF: Lo leí dos o tres veces mientras investigaba para mi tesis final. Hay un pasaje donde Galeano señala cómo a los turistas les encanta fotografiar a mujeres latinoamericanas con vestimenta tradicional sin cuestionar sus orígenes. Explica que estas prendas—e incluso peinados—fueron impuestos por los colonizadores españoles. Me impactó. Lo que llamamos "tradición" es en realidad influencia colonial, y nunca lo había cuestionado. Investigaciones posteriores revelaron que los sombreros también eran herramientas de control—los terratenientes hacían que sus trabajadores esclavizados usaran estilos diferentes para distinguirlos.

(Where These Flowers Bloom – Ana Margarita Flores)

MM: En Bolivia, las cholitas pasenjas usan sombreros bombín, que originalmente eran sombreros de hombres. La leyenda dice que llegó un cargamento excesivo de estos sombreros, y como no había suficientes hombres para comprarlos, los vendedores los promocionaron a las mujeres como moda europea de alto estatus. Las mujeres los adoptaron, no por fuerza, sino como una forma de navegar el sistema de clases.

Por eso importan múltiples perspectivas—la historia a menudo se simplifica demasiado cuando se ve a través de una sola lente. Durante demasiado tiempo, solo ciertas personas pudieron moldear estas narrativas. Ahora, con más fotógrafas latinoamericanas contando sus propias historias, finalmente estamos viendo voces diversas. Gran parte de nuestra historia visual proviene de forasteros occidentales—es vital reclamar nuestras propias narrativas.

(Bull – Marisol Mendez)

CDB: "Coral" es una palabra que amo. Ambas colaboran profundamente con sus sujetos—el consentimiento y la interacción son temas urgentes. ¿Cómo las inspiraron estas mujeres y cómo fue el trabajo recíproco?

MM: La fotografía es sobre conexión. Lo mínimo que le debes a alguien es respeto, pero a menudo se pasa por alto. Yo misma me pongo nerviosa al ser fotografiada—entiendo el desequilibrio de poder. Se te confía la imagen de alguien; eso es sagrado. Así que priorizo la confianza: aprender su nombre, hacer contacto visual, compartir ideas, preguntar, ¿Qué piensas? ¿Te sientes cómoda?

Una vez, trabajé con una persona no binaria que había aceptado una sesión de desnudos pero cambió de opinión. Así que no lo hicimos—sencillo. En cambio, hicimos retratos increíbles. La persona siempre está antes que la foto.

Creo... (texto cortado)El trabajo siempre crece a través de la colaboración y la conversación con la otra persona. Es hermoso cuando pueden compartir sus pensamientos y sentimientos—eso hace que la fotografía sea aún mejor.

Marisol Mendez:
Estoy completamente de acuerdo. Me acerco a cada persona con la misma intención—quiero que se sientan felices y orgullosas de la imagen que creamos juntas. Sé cómo se siente estar frente a la cámara y verse en una foto, así que siempre lo tengo presente.

Debes ser consciente del poder que tienes como fotógrafa y romperlo haciendo que la persona se sienta cómoda. Me gusta charlar con ellas antes y después de la sesión para crear un momento especial.

Ana Margarita Flores:
Tomo fotos en película, así que no puedo mostrarles los resultados de inmediato, pero si tengo tiempo, tomo una foto rápida con el teléfono para compartir. Muchas de las mujeres con las que trabajé nunca habían estado en una sesión de fotos, así que comencé con una peque