"La moda es más arte que el arte", dijo una vez Andy Warhol, y 39 años después de su muerte, podría tener la última palabra. ¿Es la moda arte? ¿Es el arte moda? Este mayo, esas persistentes preguntas podrían finalmente resolverse cuando el Instituto del Vestido del Museo Metropolitano de Arte se traslade de su antigua ubicación en el sótano a un lugar privilegiado en el piso superior, justo al lado del Gran Salón del museo. "En cierto modo, la moda está más allá del arte", dice Andrew Bolton, el curador a cargo del Instituto del Vestido. "Encarna nuestra experiencia vivida. Es la única forma de arte que hace eso".

La moda ahora ocupará el centro del escenario en lo que una vez fue la extensa tienda de regalos del Met, situada entre las galerías egipcias al norte y las galerías griegas y romanas al sur. Aquí, en su nuevo hogar, las Galerías Condé M. Nast del Instituto del Vestido —nombradas así por el editor y bon vivant que convirtió a Vogue, Vanity Fair y otras revistas en íconos culturales— albergarán "Costume Art", una exposición que explora y celebra el cuerpo vestido, con prendas y obras de arte de la mayoría de las 19 áreas de colección del museo.

Max Hollein, director ejecutivo y director del Met, llama a las nuevas galerías "una poderosa continuación" de lo que el museo ha hecho durante mucho tiempo. "El Instituto del Vestido es parte de nuestra identidad. Las nuevas galerías no representan una revolución".

Pero han tardado mucho en llegar, y mientras tanto, la audiencia de la moda ha crecido dramáticamente. "La relación entre la moda y el arte se ha vuelto menos defensiva", dice el artista Maurizio Cattelan, uno de los varios artistas y curadores con los que hablé mientras escribía esta historia. "La moda ya no pide permiso al arte, y el arte ya no finge ignorar a la moda. Han entendido que comparten la misma obsesión: el cuerpo, el poder, el deseo, el estatus". Agrega: "En el Met, la moda ha pasado de exhibirse como artesanía a enmarcarse como narrativa. Las exposiciones se sienten menos como guardarropas y más como argumentos. Ese cambio, de objeto a idea, es donde la moda se vuelve interesante".

"El impacto del Instituto del Vestido y sus exposiciones ha crecido enormemente en los últimos 30 años", dice el diseñador Michael Kors, quien enumera artistas como Mark Rothko, John Singer Sargent y Georgia O'Keeffe como influencias en su trabajo. "Ha abierto los ojos de la gente a la conexión entre la moda y todo, desde la cultura pop hasta la política y el arte. Le ha mostrado al público que la moda es más que solo la ropa que te pones todos los días".

La diseñadora Tory Burch agrega que estas nuevas galerías "reconocerán a la moda como una parte esencial de nuestra historia compartida. El Met siempre ha entendido que la moda es una forma vital de expresión creativa, una que moldea y refleja nuestra cultura".

Aun así, la exposición de primavera del Instituto del Vestido careció de un hogar permanente durante años. El nuevo espacio surgió después de una larga campaña —liderada en gran parte por la directora editorial global de esta revista— y presentó una tarea desalentadora para una firma de arquitectura. El encargo fue para la firma Peterson Rich Office con sede en Brooklyn, cuyos directores, Nathan Rich y Miriam Peterson —un equipo de esposos que tuvieron su primera cita en el Met— se sumergieron en la historia del museo y sus 21 edificios separados. "Es más una ciudad que un edificio", dice Peterson. Estudiaron el Gran Salón y consideraron cómo podría conducir a las galerías, así como cómo la luz se filtra a través del espacio. Su objetivo era crear un nuevo camino urbano, y trabajaron estrechamente con Bolton. "Fue maravilloso tener conversaciones con él", dice Peterson. "Sentimos una profunda resonancia entre la arquitectura como campo y el vestuario como forma de arte". Bolton necesitaba un espacio flexible donde la iluminación pudiera ajustarse y se proporcionara energía, pero quería que reflejara algo de la estatura de las galerías griegas y romanas. "Tenía que ser un espacio de exposición rotativo", dice Rich. "Necesitaba cambiar constantemente. Al mismo tiempo, tenía que sentirse como si siempre hubiera estado allí". Las nuevas galerías, de casi 12,000 pies cuadrados, se dividen en cinco espacios interconectados e incorporan umbrales de piedra caliza que hacen eco de los arcos de piedra caliza en el Gran Salón. Pisos de piedra gris y blanca luminiscentes, techos con vigas y paredes de yeso veneciano inundan el espacio con un aura de permanencia.

"La moda en el Met ha pasado de celebrar la belleza y la artesanía a explorar la cultura, la política y la historia", dice Dasha Zhukova, coleccionista de arte, empresaria y miembro de la junta del museo. "No se trata solo de lo que usamos, sino de lo que la ropa nos dice sobre quiénes somos. Así que no lo llamaría controvertido que el Instituto del Vestido haya ocupado el centro del escenario en el Met. Las nuevas galerías son sobre perspectiva, no jerarquía".

Zhukova también señala que el Instituto del Vestido ha ayudado a atraer a una audiencia más joven y diversa, especialmente desinteresada en los límites rígidos. La pintora Anna Weyant, de 31 años, afirma firmemente que el vestuario debe considerarse como arte y como una de las formas más "políticas" del arte.

Tschabalala Self (cuyo trabajo *Evening* aparece en la página 146) dice: "Para mí, la separación entre moda y arte es una falsa dicotomía. Ambos son medios de expresión —modalidades, realmente— que permiten a los artistas expresar las preocupaciones y deseos de nuestro tiempo. ... Estoy muy emocionada de ver la nueva exposición. Como pintora figurativa, el cuerpo es central en mi práctica. Es algo que todos compartimos, y cuando nos vestimos, todos hacemos una declaración".

"El término 'arte' proviene de la palabra griega antigua *arete*, que se traduce como 'excelencia'", dice el artista Paul Chan. "Así que me parece que puede haber excelencia en los vestuarios tanto como en cualquier pintura o escultura".

¿Hay algún disenso sobre el gran movimiento del Met? "Considero la moda como un arte pero no como Arte", comenta Massimiliano Gioni, director artístico del New Museum en el Bajo Manhattan. Sin embargo, Gioni se apresura a señalar que los museos y curadores —incluido él mismo— han ampliado su visión. "Ni siquiera importa si la moda es arte o no: ciertamente es una disciplina, una práctica que puede decirnos mucho sobre lo que deseamos y valoramos. Como tal, es un lenguaje que vale la pena escuchar y con el que vale la pena comprometerse si queremos aprender más sobre nosotros mismos".

"La diferencia entre arte y moda es el tiempo", dice la artista Rachel Feinstein. "La moda trata sobre el presente, sobre el ahora. El próximo año, lo que ves en la pasarela parecerá pasado de moda, mientras que una pintura o escultura hecha hoy no. El arte tiene longevidad —está hecho para durar".

Los límites desaparecen en la nueva exposición curada por Bolton. Titulada "Costume Art", es inclusiva y colaborativa, unificada por el tema del cuerpo humano y cómo ha sido representado —vestido, desvestido, decorado, honrado, lesionado y llorado. A través de una serie de yuxtaposiciones reveladoras, a menudo sorprendentes y a veces discordantes, la exposición empareja objetos e imágenes con prendas: una vasija griega del 460 a.C. con un vestido Fortuny de los años 20; *Hombre de Dolores con los Brazos Extendidos* de Albrecht Dürer con la chaqueta *Martyr to Love* de Vivienne Westwood; un vestido de paseo de 1883 que parece haber salido del estudio de Seurat para *Un domingo en la Grande Jatte*; esculturas curvilíneas de Jean Arp y Henry Moore emparejadas con conjuntos de Rei Kawakubo para Comme des Garçons. La exposición revela la larga y simbiótica relación entre el arte y la moda, argumentando que están profundamente conectados.

"Quería presentar la moda como una lente a través de la cual ver el arte", explica Bolton. "Quería que los emparejamientos fueran a veces formales, a veces conceptuales, a veces políticos, a veces humorísticos, a veces profundamente profundos y a veces ligeros. Cuando colocas una prenda junto a una obra de arte, surge un nuevo significado. Sucede algo más. Quiero centrarme en eso. Es como si uno más uno igual a tres... Con suerte, la muestra empoderará a las personas para hacer esas conexiones más allá de los muros del museo".

"Me ha impresionado cómo la presentación de la moda en el Met ha cambiado de algo archivístico a algo más inmersivo, casi cinematográfico", dice la artista Laurie Simmons. "Las exposiciones han adoptado narrativa, estado de ánimo, psicología —más una sensación de performance... El museo está reconociendo que el cuerpo —vestido, estilizado, escenificado— es tan rico y cargado como cualquier reliquia antigua. También es una historia en curso que constantemente se reescribe en tiempo real. Su ubicación cerca de las galerías egipcias y frente a las galerías griegas y romanas se siente menos como una interrupción y más como una corrección. Reconoce que lo que usamos también es artefacto de la civilización".

"Me gusta la idea de que parte del glamour de la moda se esté contagiando a la pintura y a los artistas", me dice el artista John Currin. "Me importa la pintura incluso más que la escultura o la arquitectura o la fotografía; aún así, creo que estas cosas coexisten maravillosamente, especialmente la moda, porque ha sido tan beneficiosa para el museo". Instituciones como el Met necesitan cambio, argumenta; nada debe considerarse sagrado. "Deberían tener un zoológico de celebridades en el Met", dice. "Gente desnuda en jaulas. Pueden hacer ejercicio frente a todos... Renunciaré a la librería si es necesario". (El Met no ha renunciado a su tienda, solo la reubicó).

Finalmente, le pregunté a mi esposo, Calvin Tomkins, quien escribió la historia del Museo Metropolitano de Arte (*Merchants and Masterpieces*), la pregunta que le había estado haciendo a todos: "¿Puede el vestuario ser arte y el arte ser moda?" Respondió con un rotundo "¡Sí!" y agregó: "De hecho, los dos están tan cerca que no pueden evitar ser el uno al otro".

En esta historia: peluquería de Jimmy Paul; maquillaje de Kabuki; manicurista, Jin Soon Choi; sastre, Carol Ai.
Producido por Special Production Agency. Diseño de escenario: Studio Wagner.
Todas las imágenes de obras de arte cortesía del Museo Metropolitano de Arte.

**Preguntas Frecuentes**
Por supuesto. Aquí hay una lista de preguntas frecuentes sobre la exposición del Instituto del Vestido en el Museo Metropolitano de Arte, escrita en un tono conversacional natural.

**Información General**
**P:** ¿Qué es Costume Art en el Met?
**R:** Es el nombre popular de la exposición anual de moda presentada por el Instituto del Vestido del Met. Cada año es una gran exhibición temática que explora la moda como forma de arte a través de prendas históricas y diseños contemporáneos.

**P:** ¿Es una exposición permanente?
**R:** No. Es una exposición temporal especial que se abre cada primavera y dura entre cuatro y cinco meses. El tema, título y enfoque del diseñador cambian cada año.

**P:** ¿Dónde se encuentra en el Met?
**R:** Está ubicada en la Sala de Exposiciones Iris y B. Gerald Cantor en el primer piso del museo. Normalmente verás una entrada y una fila dedicadas para ella.

**P:** ¿Necesito una entrada separada?
**R:** Sí. Si bien la admisión general al Met es paga-lo-que-deseas para residentes y estudiantes de Nueva York, la exposición del Instituto del Vestido requiere una entrada con horario reservado con una tarifa adicional para exposiciones especiales. Se recomienda encarecidamente reservarlas con anticipación en línea.

**Visita y Experiencia**
**P:** ¿Por qué siempre está tan concurrida?
**R:** Es uno de los eventos anuales más populares del Met, especialmente después de que la Met Gala atrae una atención mediática masiva. Atrae a entusiastas de la moda, amantes del arte y turistas por igual. Los días entre semana, temprano en la mañana o más tarde durante la exposición suelen ser menos concurridos.

**P:** ¿Cuánto tiempo lleva ver la exposición?
**R:** La mayoría de los visitantes pasan entre 45 minutos y 1.5 horas, dependiendo del tamaño de la exposición de ese año y de cuán de cerca mires los detalles.

**P:** ¿Puedo tomar fotos o videos?
**R:** Generalmente se permite la fotografía sin flash para uso personal, pero siempre es mejor verificar las pautas específicas publicadas en la entrada cada año, ya que las reglas pueden cambiar. Los trípodes y los palos para selfies suelen estar prohibidos.

**P:** ¿Es la exposición buena para niños?
**R:** Puede serlo, especialmente para niños interesados en el diseño o la narración de historias. Sin embargo, implica mucho caminar lentamente y mirar objetos delicados detrás de vidrio, así que depende del niño.