"Motet er mer kunst enn kunsten er," sa Andy Warhol en gang, og 39 år etter hans død kan han ha fått det siste ordet. Er mote kunst? Er kunst mote? I mai kan disse vedvarende spørsmålene endelig bli avgjort når The Metropolitan Museum of Arts kostymeinstitutt flytter fra sin langvarige kjellerlokasjon til en førsteklasses plass ovenpå, rett ved museets store hall. "På en måte er mote hinsides kunst," sier Andrew Bolton, kuratoren som er ansvarlig for kostymeinstituttet. "Det legemliggjør vår levde erfaring. Det er den eneste kunstformen som gjør det."

Mote vil nå innta sentralplassen i det som en gang var The Mets omfattende gavebutikk, beliggende mellom de egyptiske galleriene i nord og de greske og romerske galleriene i sør. Her, i sitt nye hjem, vil kostymeinstitutts Condé M. Nast-gallerier – oppkalt etter forleggeren og bon vivant som gjorde Vogue, Vanity Fair og andre magasiner til kulturelle ikoner – huse "Costume Art", en utstilling som utforsker og feirer den kledde kroppen, med klær og kunstverk fra de fleste av museets 19 samleområder.

Max Hollein, The Mets administrerende direktør og direktør, kaller de nye galleriene "en kraftfull fortsettelse" av det museet lenge har gjort. "Kostymeinstituttet er en del av vår identitet. De nye galleriene representerer ikke en revolusjon."

Men de har vært på vei lenge, og i mellomtiden har publikum for mote vokst dramatisk. "Forholdet mellom mote og kunst har blitt mindre defensivt," sier kunstneren Maurizio Cattelan, en av flere kunstnere og kuratorer jeg snakket med mens jeg skrev denne historien. "Mote ber ikke lenger om tillatelse fra kunst, og kunst later ikke lenger som om den ignorerer mote. De har forstått at de deler den samme besettelsen: kroppen, makt, begjær, status." Han tilføyer: "På The Met har mote beveget seg fra å bli vist fram som håndverk til å bli innrammet som narrativ. Utstillingene føles mindre som garderober og mer som argumenter. Det skiftet, fra objekt til idé, er der mote blir interessant."

"Kostymeinstitutts og dets utstillingers innvirkning har vokst enormt de siste 30 årene," sier designer Michael Kors, som lister opp kunstnere som Mark Rothko, John Singer Sargent og Georgia O’Keeffe som påvirkninger på arbeidet sitt. "Det har åpnet folks øyne for sammenhengen mellom mote og alt – fra popkultur til politikk til kunst. Det har vist publikum at mote handler om mer enn bare klærne du tar på deg hver dag."

Designer Tory Burch tilføyer at disse nye galleriene "vil anerkjenne mote som en essensiell del av vår felles historie. The Met har alltid forstått at mote er en vital form for kreativt uttrykk, en som former og reflekterer kulturen vår."

Likevel manglet kostymeinstitutts vårutstilling en permanent hjemmebase i årevis. Det nye rommet ble til etter en lang kampanje – i stor grad ledet av dette magasinets globale sjefredaktør – og presenterte en skremmende oppgave for et arkitektfirma. Oppdraget gikk til Brooklyn-baserte firma Peterson Rich Office, hvis partnere, Nathan Rich og Miriam Peterson – et ektepar som hadde sin første date på The Met – fordypet seg i museets historie og dets 21 separate bygninger. "Det er mer en by enn en bygning," sier Peterson. De studerte den store hallen og vurderte hvordan den kunne føre inn i galleriene, samt hvordan lys filterer gjennom rommet. Målet deres var å skape en ny urban sti, og de jobbet tett med Bolton. "Det var fantastisk å ha samtaler med ham," sier Peterson. "Vi følte en dyp resonans mellom arkitektur som et felt og kostyme som en kunstform." Bolton trengte et fleksibelt rom der belysningen kunne tilpasses og strøm ble tilført, men han ønsket at det skulle reflektere noe av greske og romerske galleriers statur. "Det måtte være et roterende utstillingsrom," sier Rich. "Det måtte stadig endres. Samtidig måtte det føles som om det alltid hadde vært der." De nye galleriene, på nesten 12 000 kvadratfot, er delt inn i fem sammenkoblede rom og inneholder kalksteinsterskler som gjenspeiler kalksteinsbuene i den store hallen. Lysende grå-hvite steingulv, bjelkeloft og venetianske gipsvegger fyller rommet med en aura av varighet.

"Mote på The Met har vokst fra å feire skjønnhet og håndverkskunst til å utforske kultur, politikk og historie," sier Dasha Zhukova, en kunstsamler, forretningskvinne og museumstyremedlem. "Det handler ikke bare om hva vi har på oss, men om hva klær forteller oss om hvem vi er. Så jeg vil ikke kalle det kontroversielt at kostymeinstituttet har tatt sentralplassen på The Met. De nye galleriene handler om perspektiv, ikke hierarki."

Zhukova påpeker også at kostymeinstituttet har hjulpet til med å tiltrekke et yngre og mer mangfoldig publikum – et som spesielt er lite interessert i stive grenser. Maleren Anna Weyant, som er 31, fastslår at kostyme bør betraktes som kunst og som en av kunstens mest "politiske former."

Tschabalala Self (hvis verk Evening vises på side 146) sier: "For meg er skillet mellom mote og kunst en falsk dikotomi. De er begge uttrykksmåter – modaliteter, egentlig – som lar kunstnere uttrykke vår tids bekymringer og begjær. … Jeg er veldig spent på å se den nye utstillingen. Som figurativ maler er kroppen sentral i min praksis. Det er noe vi alle deler, og når vi kler på oss, gir vi alle et utsagn."

"Begrepet 'kunst' kommer fra det gamle greske ordet arete, som oversettes til 'fortreffelighet'," sier kunstneren Paul Chan. "Så det virker for meg at det kan være like mye fortreffelighet i kostymer som i et hvilket som helst maleri eller skulptur."

Er det noen uenighet om The Mets store trekk? "Jeg anser mote som en kunst, men ikke som Kunst," kommenterer Massimiliano Gioni, kunstnerisk direktør for New Museum på Lower Manhattan. Likevel er Gioni rask med å påpeke at museer og kuratorer – seg selv inkludert – har utvidet synsfeltet sitt. "Det spiller ikke engang noen rolle om mote er kunst eller ikke: det er helt klart en disiplin, en praksis som kan fortelle oss mye om hva vi begjærer og verdsetter. Som sådan er det et språk verdt å lytte til og engasjere seg med hvis vi vil lære mer om oss selv."

"Forskjellen mellom kunst og mote er tid," sier kunstneren Rachel Feinstein. "Mote handler om nåtiden, om nå. Neste år vil det du ser på catwalken se utdatert ut, mens et maleri eller en skulptur laget i dag ikke vil det. Kunst har lang levetid – den er ment å vare."

Grenser forsvinner i den nye utstillingen kurert av Bolton. Med tittelen "Costume Art" er den inkluderende og samarbeidende, forent av temaet menneskekroppen og hvordan den har blitt avbildet – kledd, naken, dekorert, æret, skadet og sørget over. Gjennom en serie avslørende, ofte overraskende og noen ganger skurrende sammenstillinger, parer utstillingen gjenstander og bilder med klær: et gresk kar fra 460 f.Kr. med en Fortuny-kjole fra 1920-tallet; Albrecht Dürers Man of Sorrows with Arms Outstretched med Vivienne Westwoods Martyr to Love-jakke; en promenadedrakt fra 1883 som ser ut til å ha trådt ut fra Seurats studie til A Sunday on La Grande Jatte; kurvelineære skulpturer av Jean Arp og Henry Moore parret med antrekk av Rei Kawakubo for Comme des Garçons. Utstillingen avslører det lange og symbiotiske forholdet mellom kunst og mote – og argumenterer for at de er dypt forbundet.

"Jeg ønsket å presentere mote som en linse å se kunsten gjennom," forklarer Bolton. "Jeg ønsket at sammenkoblingene skulle være noen ganger formelle, noen ganger konseptuelle, noen ganger politiske, noen ganger humoristiske, noen ganger dypt profunde og noen ganger lekne. Når du plasserer et plagg ved siden av et kunstverk, oppstår en ny betydning. Noe annet skjer. Jeg vil fokusere på det. Det er som om en pluss en blir tre… Forhåpentligvis vil utstillingen gi folk muligheten til å gjøre disse forbindelsene utenfor museets vegger."

"Jeg har blitt slått av hvordan The Mets presentasjon av mote har skiftet fra noe arkivmessig til noe mer oppslukende, nesten filmisk," sier kunstneren Laurie Simmons. "Utstillingene har tatt til seg narrativ, stemning, psykologi – mer en følelse av forestilling … Museet anerkjenner at kroppen – kledd, stilert, iscenesatt – er like rik og ladet som noe gammelt relikvie. Det er også en pågående historie som stadig blir omskrevet i sanntid. Dens plassering nær de egyptiske galleriene og overfor de greske og romerske galleriene føles mindre som en forstyrrelse og mer som en korreksjon. Det anerkjenner at det vi har på oss også er sivilisasjonens artefakt."

"Jeg liker ideen om at noe av motens glamour smitter over på malerkunst og kunstnere," forteller kunstneren John Currin meg. "Jeg bryr meg om malerkunst enda mer enn skulptur eller arkitektur eller fotografi; likevel tror jeg disse tingene sameksisterer fantastisk, spesielt mote, fordi det har vært så gunstig for museet." Institusjoner som The Met trenger forandring, argumenterer han; ingenting bør betraktes som hellig. "De burde hatt en kjendisdyrehage på The Met," sier han. "Folk nakne i bur. De kan trene foran alle … Jeg gir opp bokhandelen hvis det er det som skal til." (The Met har ikke gitt opp butikken sin – bare flyttet den.)

Til slutt spurte jeg min mann, Calvin Tomkins, som skrev historien om The Metropolitan Museum of Art (Merchants and Masterpieces), spørsmålet jeg hadde stilt til alle: "Kan kostyme være kunst og kunst være mote?" Han svarte med et rungende "Ja!" og la til: "Faktisk er de to så nære at de ikke kan la være å være hverandre."

I denne historien: hår av Jimmy Paul; sminke av Kabuki; manikyr, Jin Soon Choi; skredder, Carol Ai.
Produsert av Special Production Agency. Scenografi: Studio Wagner.
Alle kunstverkbilder med tillatelse fra The Metropolitan Museum of Art.

Vanlige spørsmål
Selvfølgelig. Her er en liste over vanlige spørsmål om kostymeinstitutts utstilling på The Metropolitan Museum of Art skrevet i en naturlig, samtaleaktig tone.



Generell informasjon

Spørsmål: Hva er Costume Art på The Met?

Svar: Det er det populære navnet på den årlige moteutstillingen presentert av The Mets kostymeinstitutt. Hvert år er det en stor temautstilling som utforsker mote som en kunstform gjennom historiske plagg og samtidsdesign.



Spørsmål: Er det en permanent utstilling?

Svar: Nei. Det er en spesiell midlertidig utstilling som åpner hver vår og varer i omtrent fire til fem måneder. Temaet, tittelen og designerfokuset endres hvert år.



Spørsmål: Hvor i The Met er den lokalisert?

Svar: Den er huset i Iris og B. Gerald Cantor-utstillingshallen på museets første etasje. Du vil vanligvis se en dedikert inngang og kø til den.



Spørsmål: Trenger jeg en separat billett?

Svar: Ja. Mens generell adgang til The Met er betal-hva-du-vil for New York-innbyggere og studenter, krever kostymeinstitutts utstilling en tidsbestemt inngangsbillett med et ekstra gebyr for spesiell utstilling. Det anbefales på det sterkeste å bestille disse på forhånd på nettet.



Besøk og opplevelse

Spørsmål: Hvorfor er det alltid så travelt?

Svar: Det er en av The Mets mest populære årlige begivenheter, spesielt etter at Met Galaen bringer massiv medieoppmerksomhet. Den tiltrekker seg motentusiaster, kunstelskere og turister. Hverdager, tidlige morgen-timer eller senere i utstillingens løpetid er vanligvis mindre travelt.



Spørsmål: Hvor lang tid tar det å se utstillingen?

Svar: De fleste besøkende bruker mellom 45 minutter og 1,5 time, avhengig av størrelsen på årets utstilling og hvor nøye du ser på detaljene.



Spørsmål: Kan jeg ta bilder eller videoer?

Svar: Blitsfri fotografering for personlig bruk er vanligvis tillatt, men det er alltid best å sjekke de spesifikke retningslinjene som er oppført ved inngangen hvert år, da reglene kan endre seg. Stativ og selfiestenger er vanligvis forbudt.



Spørsmål: Er utstillingen bra for barn?

Svar: Den kan være det, spesielt for barn som er interessert i design eller historiefortelling. Imidlertid innebærer det mye sakte gange og å se på skjøre gjenstander bak glass, så det avhenger av barnet.