„Moda este mai mult artă decât arta însăși”, a spus odată Andy Warhol, iar la 39 de ani după moartea sa, s-ar putea să aibă ultimul cuvânt. Este moda artă? Este arta modă? În luna mai a acestui an, aceste întrebări persistente ar putea fi în sfârșit rezolvate când Institutul de Costume al Muzeului Metropolitan de Artă se va muta din vechea sa locație din subsol într-un loc privilegiat la etaj, chiar lângă Sala Mare a muzeului. „Într-un fel, moda este dincolo de artă”, spune Andrew Bolton, curatorul responsabil de Institutul de Costume. „Ea întruchipează experiența noastră trăită. Este singura formă de artă care face asta.”

Moda va ocupa acum scena centrală în ceea ce a fost odată magazinul extins de cadouri al Met, situat între galeriile egiptene la nord și galeriile grecești și romane la sud. Aici, în noua sa locație, Galeriile Condé M. Nast ale Institutului de Costume – numite după editorul și bon vivant-ul care a transformat Vogue, Vanity Fair și alte reviste în icoane culturale – vor găzdui „Costume Art”, o expoziție care explorează și celebrează corpul îmbrăcat, prezentând îmbrăcăminte și opere de artă din majoritatea celor 19 zone de colecționare ale muzeului.

Max Hollein, directorul general și directorul Met, numește noile galerii „o continuare puternică” a ceea ce muzeul a făcut dintotdeauna. „Institutul de Costume face parte din identitatea noastră. Noile galerii nu reprezintă o revoluție.”

Dar acestea au fost așteptate mult timp, iar între timp, publicul pentru modă a crescut dramatic. „Relația dintre modă și artă a devenit mai puțin defensivă”, spune artistul Maurizio Cattelan, unul dintre cei mai mulți artiști și curatori cu care am vorbit în timp ce scriam acest articol. „Moda nu mai cere permisiunea artei, iar arta nu mai pretinde că ignoră moda. Au înțeles că împărtășesc aceeași obsesie: corpul, puterea, dorința, statutul.” El adaugă: „La Met, moda a trecut de la a fi expusă ca meșteșug la a fi încadrată ca narațiune. Expozițiile se simt mai puțin ca garderobe și mai mult ca argumente. Această schimbare, de la obiect la idee, este punctul în care moda devine interesantă.”

„Impactul Institutului de Costume și al expozițiilor sale a crescut enorm în ultimii 30 de ani”, spune designerul Michael Kors, care enumeră artiști precum Mark Rothko, John Singer Sargent și Georgia O’Keeffe ca influențe pentru munca sa. „Le-a deschis oamenilor ochii asupra conexiunii dintre modă și totul – de la cultura pop la politică și artă. I-a arătat publicului că moda înseamnă mai mult decât hainele pe care le porți în fiecare zi.”

Designerul Tory Burch adaugă că aceste noi galerii „vor recunoaște moda ca o parte esențială a istoriei noastre comune. Met a înțeles întotdeauna că moda este o formă vitală de expresie creativă, una care modelează și reflectă cultura noastră.”

Cu toate acestea, expoziția de primăvară a Institutului de Costume a rămas ani de zile fără o casă permanentă. Noul spațiu a fost realizat după o lungă campanie – condusă în mare parte de directorul editorial global al acestei reviste – și a reprezentat o sarcină descurajantă pentru o firmă de arhitectură. Comisia a fost acordată firmei Peterson Rich Office din Brooklyn, ai cărei principal, Nathan Rich și Miriam Peterson – un cuplu care și-a avut prima întâlnire la Met – s-au cufundat în istoria muzeului și în cele 21 de clădiri separate ale sale. „Este mai degrabă un oraș decât o clădire”, spune Peterson. Ei au studiat Sala Mare și au luat în considerare cum ar putea să conducă către galerii, precum și cum lumina filtrează prin spațiu. Scopul lor a fost de a crea o nouă cale urbană și au lucrat îndeaproape cu Bolton. „A fost minunat să avem conversații cu el”, spune Peterson. „Am simțit o rezonanță profundă între arhitectură ca domeniu și costum ca formă de artă.” Bolton avea nevoie de un spațiu flexibil unde iluminarea să poată fi ajustată și să fie asigurată alimentarea cu energie, dar dorea să reflecte ceva din statura galeriilor grecești și romane. „Trebuia să fie un spațiu de expoziție rotativ”, spune Rich. „Trebuia să se schimbe constant. În același timp, trebuia să simți că a fost acolo dintotdeauna.” Noile galerii, de aproape 12.000 de metri pătrați, sunt împărțite în cinci spații interconectate și încorporează praguri de calcar care fac ecou arcurilor de calcar din Sala Mare. Pardoseli luminescente din piatră gri și albă, tavan cu grinzi și pereți din tencuială venețiană inundă spațiul cu o aură de permanență.

„Moda la Met a evoluat de la celebrarea frumuseții și a meșteșugului la explorarea culturii, politicii și istoriei”, spune Dasha Zhukova, colecționar de artă, femeie de afaceri și trustee al muzeului. „Nu este vorba doar despre ce purtăm, ci despre ce ne spune îmbrăcămintea despre cine suntem. Așadar, nu aș numi controversat faptul că Institutul de Costume a ocupat scena centrală la Met. Noile galerii sunt despre perspectivă, nu despre ierarhie.”

Zhukova mai notează că Institutul de Costume a ajutat la atragerea unui public mai tânăr și mai divers – un public deosebit de neinteresat de limite rigide. Pictorița Anna Weyant, în vârstă de 31 de ani, afirmă cu fermitate că costumul ar trebui considerat artă și una dintre cele mai „politice forme” ale artei.

Tschabalala Self (a cărei lucrare **Evening** apare la pagina 146) spune: „Pentru mine, separarea dintre modă și artă este o dihotomie falsă. Ambele sunt mijloace de exprimare – modalități, într-adevăr – care le permit artiștilor să exprime preocupările și dorințele vremurilor noastre. ... Sunt foarte încântată să văd noua expoziție. Ca pictor figurativ, corpul este central în practica mea. Este ceva ce împărtășim cu toții, iar când ne îmbrăcăm, cu toții facem o declarație.”

„Termenul «artă» provine din cuvântul grecesc antic **arete**, care se traduce prin «excelență»”, spune artistul Paul Chan. „Așadar, mi se pare că poate exista excelență în costume la fel de mult ca în orice pictură sau sculptură.”

Există vreo dezacord cu privire la marea mutare a Met? „Consider moda o artă, dar nu Artă”, comentează Massimiliano Gioni, directorul artistic al New Museum din Lower Manhattan. Cu toate acestea, Gioni se grăbește să sublinieze că muzeele și curatorii – inclusiv el însuși – și-au lărgit viziunea. „Nici măcar nu contează dacă moda este artă sau nu: cu siguranță este o disciplină, o practică care ne poate spune multe despre ceea ce dorim și apreciem. Ca atare, este un limbaj demn de ascultat și cu care să ne angajăm dacă vrem să aflăm mai multe despre noi înșine.”

„Diferența dintre artă și modă este timpul”, spune artistul Rachel Feinstein. „Moda este despre prezent, despre acum. Anul viitor, ceea ce vezi pe podium va părea demodat, în timp ce o pictură sau sculptură făcută astăzi nu va părea. Arta are longevitate – este menită să dureze.”

Granițele dispar în noua expoziție comisariată de Bolton. Intitulată „Costume Art”, este incluzivă și colaborativă, unită de tema corpului uman și modul în care a fost înfățișat – îmbrăcat, dezbrăcat, decorat, onorat, rănit și jelit. Printr-o serie de juxtapuneri revelatoare, adesea surprinzătoare și uneori discordante, expoziția împerechează obiecte și imagini cu îmbrăcăminte: un vas grecesc din 460 î.Hr. cu o rochie Fortuny din anii 1920; **Omul durerilor cu brațele întinse** al lui Albrecht Dürer cu jacheta **Martir al iubirii** a lui Vivienne Westwood; o rochie de plimbare din 1883 care pare că a ieșit din studiul lui Seurat pentru **O duminică după-amiază pe insula La Grande Jatte**; sculpturi curbilinii de Jean Arp și Henry Moore asociate cu ansambluri de Rei Kawakubo pentru Comme des Garçons. Expoziția dezvăluie relația lungă și simbiotică dintre artă și modă – argumentând că acestea sunt profund conectate.

„Am vrut să prezint moda ca pe o lentilă prin care să privim arta”, explică Bolton. „Am vrut ca împerecherile să fie uneori formale, uneori conceptuale, uneori politice, uneori umoristice, uneori profund profunde și uneori ușoare. Când plasezi o îmbrăcăminte lângă o operă de artă, apare o nouă semnificație. Se întâmplă altceva. Vreau să mă concentrez pe asta. Este ca și cum unu plus unu ar face trei... Sper că expoziția le va împuternici pe oameni să facă acele conexiuni dincolo de zidurile muzeului.”

„Am fost impresionată de modul în care prezentarea modei la Met a trecut de la ceva arhivist la ceva mai imersiv, aproape cinematografic”, spune artistul Laurie Simmons. „Expozițiile au preluat narațiune, atmosferă, psihologie – mai mult un simț al performanței... Muzeul recunoaște că corpul – îmbrăcat, stilizat, pus în scenă – este la fel de bogat și încărcat ca orice relicvă străveche. Este, de asemenea, o poveste continuă care este constant rescrisă în timp real. Amplasarea sa lângă galeriile egiptene și vizavi de galeriile grecești și romane se simte mai puțin ca o perturbare și mai mult ca o corecție. Recunoaște că ceea ce purtăm este, de asemenea, artefactul civilizației.”

„Îmi place ideea că o parte din strălucirea modei se transferă asupra picturii și artiștilor”, îmi spune artistul John Currin. „Îmi pasă de pictură chiar mai mult decât de sculptură sau arhitectură sau fotografie; totuși, cred că aceste lucruri coexistă minunat, în special moda, pentru că a fost atât de benefică pentru muzeu.” Instituții precum Met au nevoie de schimbare, susține el; nimic nu ar trebui considerat sacru. „Ar trebui să aibă un zoo de celebrități la Met”, spune el. „Oameni goi în cuști. Pot să facă exerciții în fața tuturor... Renunț la librărie dacă asta este necesar.” (Met nu a renunțat la magazinul său – doar l-a mutat.)

În cele din urmă, i-am pus soțului meu, Calvin Tomkins, care a scris istoria Muzeului Metropolitan de Artă (**Merchants and Masterpieces**), întrebarea pe care o adresasem tuturor: „Poate costumul să fie artă și arta să fie modă?” El a răspuns cu un răsunător „Da!” și a adăugat: „De fapt, cele două sunt atât de apropiate încât nu se pot abține să nu fie una și aceeași.”

În acest articol: coafurile de Jimmy Paul; machiajul de Kabuki; manichiurist, Jin Soon Choi; croitor, Carol Ai.
Produs de Special Production Agency. Design scenografic: Studio Wagner.
Toate imaginile operelor de artă sunt oferite cu permisiunea Muzeului Metropolitan de Artă.

Întrebări frecvente
Desigur, iată o listă de întrebări frecvente despre expoziția Institutului de Costume de la Muzeul Metropolitan de Artă, scrise într-un ton conversațional natural.



Informații generale

Î: Ce este Costume Art la Met?

R: Este denumirea populară pentru expoziția anuală de modă prezentată de Institutul de Costume al Met. În fiecare an, este o expoziție tematică majoră care explorează moda ca formă de artă prin articole vestimentare istorice și designuri contemporane.



Î: Este o expoziție permanentă?

R: Nu. Este o expoziție specială temporară care se deschide în fiecare primăvară și rulează aproximativ patru până la cinci luni. Tema, titlul și accentul pe designer se schimbă în fiecare an.



Î: Unde se află în cadrul Met?

R: Este găzduită în Sala de Expoziții Iris și B. Gerald Cantor de la parterul muzeului. De obicei, veți vedea o intrare dedicată și o coadă pentru ea.



Î: Am nevoie de un bilet separat?

R: Da. În timp ce intrarea generală la Met este „plătești ce dorești” pentru rezidenții și studenții din New York, expoziția Institutului de Costume necesită un bilet cu intrare la oră fixă și o taxă suplimentară pentru expoziția specială. Este foarte recomandat să le rezervați în avans online.



Vizitarea și experiența

Î: De ce este întotdeauna atât de aglomerat?

R: Este unul dintre cele mai populare evenimente anuale ale Met, mai ales după ce Gala Met atrage o atenție media masivă. Atrage atât pasionați de modă, cât și iubitori de artă și turiști. Zilele de săptămână, dimineața devreme sau mai târziu în perioada expoziției sunt de obicei mai puțin aglomerate.



Î: Cât timp durează să vezi expoziția?

R: Majoritatea vizitatorilor petrec între 45 de minute și 1,5 ore, în funcție de dimensiunea expoziției din acel an și de cât de atent te