"패션은 예술보다 더 예술이다." 앤디 워홀이 한때 말했듯, 그가 세상을 떠난 지 39년이 지난 지금, 그의 말이 결론이 될 수도 있겠다. 패션은 예술인가? 예술은 패션인가? 올해 5월, 메트로폴리탄 미술관 의상 연구소가 오랜 지하 공간에서 위층의 주요 장소로, 바로 미술관 그레이트 홀 옆으로 이전하면서 이 끈질긴 질문들이 마침내 해결될지 모른다. "어떤 면에서 패션은 예술을 초월한다"고 의상 연구소를 담당하는 큐레이터 앤드류 볼턴은 말한다. "그것은 우리의 삶의 경험을 구현한다. 그렇게 하는 유일한 예술 형식이다."

패션은 이제 이집트 갤러리가 북쪽에, 그리스와 로마 갤러리가 남쪽에 위치한, 한때 메트의 넓은 기념품 가게였던 공간에서 중심 무대를 차지할 것이다. 이곳 새로운 집에서, 의상 연구소의 콩데 M. 나스트 갤러리—보그, 배니티 페어 및 다른 잡지들을 문화적 아이콘으로 만든 출판인이자 생활을 즐기는 사람의 이름을 딴—는 '의상 예술'을 개최할 것이다. 이 전시는 옷 입은 신체를 탐구하고 기리며, 박물관의 19개 수집 영역 대부분의 의상과 예술 작품을 선보인다.

메트의 CEO이자 관장인 막스 홀라인은 새로운 갤러리를 박물관이 오랫동안 해온 일의 "강력한 연속"이라고 부른다. "의상 연구소는 우리 정체성의 일부다. 새로운 갤러리는 혁명을 나타내지 않는다."

그러나 이 갤러리는 오랜 시간이 걸렸고, 그동안 패션의 관객은 극적으로 성장했다. "패션과 예술의 관계는 덜 방어적으로 변했다"고 이 기사를 쓰면서 인터뷰한 여러 예술가 및 큐레이터 중 한 명인 예술가 마우리치오 카텔란은 말한다. "패션은 더 이상 예술에게 허락을 구하지 않으며, 예술은 더 이상 패션을 무시하는 척하지 않는다. 그들은 신체, 권력, 욕망, 지위라는 같은 집착을 공유한다는 것을 이해했다." 그는 덧붙인다, "메트에서 패션은 공예품으로 전시되는 것에서 서사로 구성되는 것으로 이동했다. 전시는 옷장보다는 논쟁처럼 느껴진다. 대상에서 아이디어로의 그 전환이 패션이 흥미로워지는 지점이다."

"의상 연구소와 그 전시의 영향력은 지난 30년 동안 엄청나게 커졌다"고 마크 로스코, 존 싱어 사전트, 조지아 오키프 같은 예술가들을 자신의 작업에 영향을 준 인물로 꼽는 디자이너 마이클 코어스는 말한다. "그것은 사람들의 눈을 패션과 팝 문화부터 정치, 예술에 이르기까지 모든 것의 연결고리에 뜨게 했다. 그것은 대중에게 패션이 매일 입는 옷 그 이상임을 보여주었다."

디자이너 토리 버치는 이 새로운 갤러리들이 "패션을 우리 공동 역사의 필수적인 부분으로 인식할 것"이라고 덧붙인다. "메트는 항상 패션이 창의적 표현의 중요한 형태이며, 우리 문화를 형성하고 반영한다는 것을 이해해왔다."

그럼에도 불구하고, 의상 연구소의 봄 전시는 수년 동안 영구적인 장소가 없었다. 새로운 공간은 긴 캠페인—주로 이 잡지의 글로벌 편집 디렉터가 주도—끝에 이루어졌으며, 한 건축 회사에게는 벅찬 과제를 제시했다. 의뢰는 브루클린 기반 회사 피터슨 리치 오피스에 갔는데, 그들의 대표인 네이선 리치와 미리엄 피터슨—메트에서 첫 데이트를 한 부부 팀—은 박물관의 역사와 21개의 별도 건물에 몰두했다. "건물이라기보다 도시에 가깝다"고 피터슨은 말한다. 그들은 그레이트 홀을 연구하고 그것이 갤러리로 어떻게 이어질 수 있는지, 그리고 빛이 공간을 통해 어떻게 걸러지는지 고려했다. 그들의 목표는 새로운 도시 경로를 만드는 것이었고, 그들은 볼턴과 긴밀히 협력했다. "그와 대화를 나누는 것은 멋졌다"고 피터슨은 말한다. "우리는 건축 분야와 의상 예술 형식 사이에 깊은 공명을 느꼈다." 볼턴은 조명이 조정되고 전력이 공급될 수 있는 유연한 공간이 필요했지만, 그는 그것이 그리스와 로마 갤러리의 위상 같은 것을 반영하기를 원했다. "회전식 전시 공간이어야 했다"고 리치는 말한다. "끊임없이 변화해야 했다. 동시에, 항상 거기에 있었던 것처럼 느껴져야 했다." 거의 12,000평방피트에 달하는 새로운 갤러리는 상호 연결된 다섯 개의 공간으로 나뉘며, 그레이트 홀의 석회석 아치를 연상시키는 석회석 문턱을 통합했다. 발광하는 회색과 흰색 돌 바닥, 들보 천장, 베네치아 석고 벽은 공간에 영속성의 기운을 가득 채운다.

"메트의 패션은 아름다움과 장인정신을 기리는 것에서 문화, 정치, 역사를 탐구하는 것으로 성장했다"고 예술 수집가, 사업가, 박물관 이사인 다샤 주코바는 말한다. "그것은 단지 우리가 무엇을 입는지가 아니라, 의복이 우리가 누구인지에 대해 무엇을 말해주는지에 관한 것이다. 그래서 의상 연구소가 메트에서 중심 무대를 차지한 것을 논란적이라고 부르지 않을 것이다. 새로운 갤러리는 위계가 아니라 관점에 관한 것이다."

주코바는 또한 의상 연구소가 더 젊고 다양한 관객—특히 경직된 경계에 관심이 없는—을 끌어오는 데 도움이 되었다고 지적한다. 31세인 화가 안나 와이언트는 의상이 예술로, 그리고 예술의 가장 '정치적인 형태' 중 하나로 간주되어야 한다고 단호히 말한다.

차발랄라 셀프(그의 작품 <이브닝>은 146페이지에 실림)는 말한다, "나에게 패션과 예술의 분리는 잘못된 이분법이다. 그들은 모두 표현의 수단—실제로 양식—이며, 예술가들이 우리 시대의 관심사와 욕망을 표현할 수 있게 한다. … 나는 새로운 전시를 보게 되어 정말 기쁘다. 인물화가로서, 신체는 나의 실천에서 중심이다. 그것은 우리 모두가 공유하는 것이며, 우리가 옷을 입을 때 우리 모두는 성명을 발표한다."

"'예술'이라는 용어는 고대 그리스어 '아레테'에서 왔으며, '탁월함'으로 번역된다"고 예술가 폴 찬은 말한다. "그래서 나에게는 어떤 그림이나 조각만큼 의상에도 탁월함이 있을 수 있는 것 같다."

메트의 대규모 이동에 대한 반대 의견이 있는가? "나는 패션을 예술로 간주하지만 예술(Art)로는 간주하지 않는다"고 로어 맨해튼의 뉴 뮤지엄 예술 디렉터 마시밀리아노 지오니는 논평한다. 그러나 지오니는 박물관과 큐레이터들—자신을 포함—이 시야를 넓혔다고 지적한다. "패션이 예술인지 아닌지는 중요하지도 않다: 확실히 그것은 하나의 학문, 우리가 무엇을 욕망하고 가치 있는지에 대해 많은 것을 말해줄 수 있는 실천이다. 그런 점에서, 그것은 우리 자신에 대해 더 많이 알고 싶다면 귀 기울이고 참여할 가치가 있는 언어다."

"예술과 패션의 차이는 시간이다"고 예술가 레이철 펜스타인은 말한다. "패션은 현재, 지금에 관한 것이다. 내년에, 당신이 런웨이에서 보고 있는 것은 시대에 뒤떨어진 것처럼 보일 것이지만, 오늘 만들어진 그림이나 조각은 그렇지 않을 것이다. 예술은 장수한다—오래 지속되도록 의도된 것이다."

볼턴이 기획한 새로운 전시에서 경계는 사라진다. '의상 예술'이라는 제목의 이 전시는 포용적이고 협력적이며, 인간 신체와 그것이 어떻게 묘사되어왔는지—옷 입고, 벗고, 장식되고, 존경받고, 상처입고, 애도되는—라는 주제로 통일된다. 일련의 계시적이고, 종종 놀라우며, 때로는 불쾌한 병치를 통해, 전시는 물건과 이미지를 의상과 짝지운다: 기원전 460년 그리스 항아리와 1920년대 포투니 드레스; 알브레히트 뒤러의 <팔을 벌린 슬픔의 남자>와 비비안 웨스트우드의 <사랑의 순교자> 재킷; 쇠라의 <그랑드 자트 섬의 일요일> 스케치에서 나온 듯한 1883년 워킹 드레스; 장 아르프와 헨리 무어의 곡선 조각과 레이 가와쿠보의 코메 데 가르송 앙상블. 전시는 예술과 패션 사이의 길고 공생적인 관계를 드러내며—그들이 깊이 연결되어 있다는 주장을 펼친다.

"나는 패션을 예술을 바라보는 렌즈로 제시하고 싶었다"고 볼턴은 설명한다. "나는 짝짓기가 때로는 형식적이고, 때로는 개념적이며, 때로는 정치적이고, 때로는 유머러스하며, 때로는 깊이 심오하고, 때로는 경쾌하기를 원했다. 당신이 의복을 예술 작품 옆에 놓을 때, 새로운 의미가 나타난다. 다른 무언가가 일어난다. 나는 그것에 초점을 맞추고 싶다. 마치 1 더하기 1이 3이 되는 것처럼… 바라건대, 이 쇼는 사람들이 박물관 벽 너머에서 그런 연결을 만들 수 있도록 권한을 부여할 것이다."

"나는 메트의 패션 발표가 어떻게 기록적인 것에서 더 몰입적이고, 거의 영화적인 것으로 이동했는지에 감명받았다"고 예술가 로리 시몬스는 말한다. "전시는 서사, 분위기, 심리—더 많은 공연의 감각을 띠게 되었다… 박물관은 신체—옷 입고, 스타일링되고, 무대에 오른—가 어떤 고대 유물만큼 풍부하고 의미 부여된다는 것을 인정하고 있다. 그것은 또한 실시간으로 끊임없이 다시 쓰여지는 진행 중인 이야기이기도 하다. 그것의 이집트 갤러리 근처와 그리스와 로마 갤러리 맞은편에 위치하는 것은 중단처럼 느껴지기보다는 수정처럼 느껴진다. 그것은 우리가 입는 것 또한 문명의 유물임을 인정한다."

"나는 패션의 일부 매력이 회화와 예술가들에게 전염된다는 생각이 좋다"고 예술가 존 커린은 나에게 말한다. "나는 조각이나 건축, 사진보다 회화를 더 중요하게 생각한다; 그래도 나는 이 것들이, 특히 패션이, 박물관에 매우 유익했기 때문에, 훌륭하게 공존한다고 생각한다." 메트 같은 기관들은 변화가 필요하다고 그는 주장한다; 어떤 것도 신성시되어서는 안 된다. "그들은 메트에 연예인 동물원을 두어야 한다"고 그는 말한다. "우리에 있는 벌거벗은 사람들. 그들은 모두 앞에서 운동할 수 있다… 필요한 것이라면 서점을 포기하겠다." (메트는 가게를 포기하지 않았다—그저 이전했을 뿐이다.)

마지막으로, 나는 메트로폴리탄 미술관의 역사(<상인과 걸작>)를 쓴 내 남편 캘빈 톰킨스에게 모두에게 물었던 질문을 했다: "의상은 예술이 될 수 있고 예술은 패션이 될 수 있는가?" 그는 단호한 "그렇다!"로 대답하며 덧붙였다, "사실, 둘은 너무 가까워서 서로가 되지 않을 수 없다."

이 이야기에서: 헤어 지미 폴; 메이크업 가부키; 매니큐어 진 순 최; 재단사 캐롤 아이.
스페셜 프로덕션 에이전시 제작. 세트 디자인: 스튜디오 와그너.
모든 예술 작품 이미지 메트로폴리탄 미술관 제공.

자주 묻는 질문
물론입니다. 다음은 자연스러운 대화 어조로 작성된 메트로폴리탄 미술관 의상 연구소 전시에 관한 FAQ 목록입니다.

일반 정보
Q: 메트의 '의상 예술'이란 무엇인가요?
A: 메트 의상 연구소가 매년 선보이는 패션 전시회의 대중적인 명칭입니다. 매년 주요 테마를 가지고 역사적 의상과 현대 디자인을 통해 패션을 예술 형식으로 탐구하는 대규모 쇼케이스입니다.

Q: 영구 전시인가요?
A: 아닙니다. 매년 봄에 열리고 약 4~5개월 동안 운영되는 특별 임시 전시입니다. 테마, 제목, 디자이너 초점은 매년 바뀝니다.

Q: 메트 내 어디에 위치하나요?
A: 박물관 1층의 아이리스 앤 제럴드 캔터 전시관에 있습니다. 일반적으로 전용 입구와 줄이 보일 것입니다.

Q: 별도의 티켓이 필요한가요?
A: 네. 메트 일반 입장권은 뉴욕 거주자와 학생에게는 기부금 형태이지만, 의상 연구소 전시는 추가 특별 전시 요금이 붙는 시간제 입장 티켓이 필요합니다. 온라인으로 미리 예약하는 것이 매우 권장됩니다.

방문 및 경험
Q: 왜 항상 그렇게 붐비나요?
A: 메트의 가장 인기 있는 연중 행사 중 하나이며, 특히 메트 갈라가 대규모 미디어 관심을 불러일으킨 후 더욱 그렇습니다. 패션 애호가, 예술 애호가, 관광객을 모두 끌어모읍니다. 평일, 이른 아침, 또는 전시 후반부가 일반적으로 덜 붐빕니다.

Q: 전시를 보는 데 얼마나 걸리나요?
A: 대부분의 방문자는 해당 연도 쇼의 규모와 세부 사항을 얼마나 자세히 보는지에 따라 45분에서 1시간 30분 정도 소요됩니다.

Q: 사진이나 동영상을 찍을 수 있나요?
A: 일반적으로 개인적 용도의 플래시 없는 사진 촬영은 허용되지만, 규칙이 변경될 수 있으므로 매년 입구에 게시된 구체적인 지침을 확인하는 것이 가장 좋습니다. 삼각대와 셀피 스틱은 일반적으로 금지됩니다.

Q: 아이들에게 좋은 전시인가요?
A: 디자인이나 스토리텔링에 관심이 있는 아이들에게는 특히 좋을 수 있습니다. 그러나 유리 뒤에 있는 섬세한 물건을 천천히 걸어가며 많이 봐야 하므로, 아이의 성향에 따라 다릅니다.