"Mode ist mehr Kunst als Kunst es ist", sagte Andy Warhol einst, und 39 Jahre nach seinem Tod könnte er das letzte Wort haben. Ist Mode Kunst? Ist Kunst Mode? Im Mai könnten diese hartnäckigen Fragen endlich geklärt werden, wenn das Costume Institute des Metropolitan Museum of Art von seinem langjährigen Standort im Keller an einen prominenten Platz im Obergeschoss zieht, direkt neben der Großen Halle des Museums. "In gewisser Weise ist Mode jenseits von Kunst", sagt Andrew Bolton, der Kurator des Costume Institute. "Sie verkörpert unsere gelebte Erfahrung. Sie ist die einzige Kunstform, die das tut."

Die Mode rückt nun ins Rampenlicht in dem ehemals weitläufigen Museumsshop des Met, der zwischen den ägyptischen Galerien im Norden und den griechischen und römischen Galerien im Süden liegt. Hier, in ihrer neuen Heimat, werden die Condé M. Nast Galleries des Costume Institute – benannt nach dem Verleger und Bonvivant, der Vogue, Vanity Fair und andere Magazine zu Kultikonen machte – "Costume Art" beherbergen, eine Ausstellung, die den gekleideten Körper erforscht und feiert, mit Kleidung und Kunstwerken aus den meisten der 19 Sammlungsbereiche des Museums.

Max Hollein, CEO und Direktor des Met, nennt die neuen Galerien "eine kraftvolle Fortsetzung" dessen, was das Museum schon lange tut. "Das Costume Institute ist Teil unserer Identität. Die neuen Galerien stellen keine Revolution dar."

Aber sie haben lange auf sich warten lassen, und in der Zwischenzeit ist das Publikum für Mode dramatisch gewachsen. "Das Verhältnis zwischen Mode und Kunst ist weniger defensiv geworden", sagt der Künstler Maurizio Cattelan, einer von mehreren Künstlern und Kuratoren, mit denen ich während der Arbeit an dieser Geschichte sprach. "Die Mode bittet die Kunst nicht mehr um Erlaubnis, und die Kunst tut nicht mehr so, als ignoriere sie die Mode. Sie haben verstanden, dass sie dieselbe Obsession teilen: den Körper, Macht, Verlangen, Status." Er fügt hinzu: "Im Met hat sich die Mode von der Präsentation als Handwerk zur Rahmung als Erzählung entwickelt. Die Ausstellungen fühlen sich weniger wie Garderoben und mehr wie Argumente an. Dieser Wechsel, vom Objekt zur Idee, ist es, wo Mode interessant wird."

"Die Wirkung des Costume Institute und seiner Ausstellungen ist in den letzten 30 Jahren enorm gewachsen", sagt der Designer Michael Kors, der Künstler wie Mark Rothko, John Singer Sargent und Georgia O’Keeffe als Einflüsse für seine Arbeit nennt. "Es hat den Menschen die Augen für die Verbindung zwischen Mode und allem anderen geöffnet – von Popkultur über Politik bis hin zu Kunst. Es hat der Öffentlichkeit gezeigt, dass es bei Mode um mehr geht als nur um die Kleidung, die man täglich trägt."

Designerin Tory Burch fügt hinzu, dass diese neuen Galerien "Mode als wesentlichen Teil unserer gemeinsamen Geschichte anerkennen werden. Das Met hat schon immer verstanden, dass Mode eine vitale Form des kreativen Ausdrucks ist, eine, die unsere Kultur prägt und widerspiegelt."

Trotzdem fehlte der Frühjahrsausstellung des Costume Institute jahrelang ein permanentes Zuhause. Der neue Raum entstand nach einer langen Kampagne – die maßgeblich von der globalen Chefredakteurin dieses Magazins angeführt wurde – und stellte eine entmutigende Aufgabe für ein Architekturbüro dar. Den Auftrag erhielt das in Brooklyn ansässige Büro Peterson Rich Office, dessen Inhaber Nathan Rich und Miriam Peterson – ein Ehepaar, das ihr erstes Date im Met hatte – sich in die Geschichte des Museums und seine 21 separaten Gebäude vertieften. "Es ist eher eine Stadt als ein Gebäude", sagt Peterson. Sie studierten die Große Halle und überlegten, wie sie in die Galerien führen könnte und wie das Licht durch den Raum fällt. Ihr Ziel war es, einen neuen städtischen Weg zu schaffen, und sie arbeiteten eng mit Bolton zusammen. "Es war wunderbar, Gespräche mit ihm zu führen", sagt Peterson. "Wir spürten eine tiefe Resonanz zwischen Architektur als Feld und Kostüm als Kunstform." Bolton brauchte einen flexiblen Raum, in dem die Beleuchtung angepasst und Strom bereitgestellt werden konnte, aber er wollte, dass er etwas von der Statur der griechischen und römischen Galerien widerspiegelt. "Es musste ein Raum für Wechselausstellungen sein", sagt Rich. "Er musste sich ständig verändern. Gleichzeitig musste es sich anfühlen, als wäre er schon immer da gewesen." Die neuen Galerien, fast 12.000 Quadratfuß groß, sind in fünf miteinander verbundene Räume unterteilt und enthalten Kalksteinschwellen, die die Kalksteinbögen in der Großen Halle aufgreifen. Leuchtende grau-weiße Steinböden, Balkendecken und venezianische Putzwände durchfluten den Raum mit einer Aura der Beständigkeit.

"Die Mode im Met hat sich vom Feiern von Schönheit und Handwerkskunst zum Erforschen von Kultur, Politik und Geschichte entwickelt", sagt Dasha Zhukova, Kunstsammlerin, Geschäftsfrau und Museumsvorstandsmitglied. "Es geht nicht nur darum, was wir tragen, sondern darum, was Kleidung uns über uns selbst erzählt. Daher würde ich es nicht als kontrovers bezeichnen, dass das Costume Institute ins Zentrum des Met gerückt ist. Die neuen Galerien drehen sich um Perspektive, nicht um Hierarchie."

Zhukova weist auch darauf hin, dass das Costume Institute geholfen hat, ein jüngeres und diverseres Publikum anzuziehen – eines, das besonders wenig an starren Grenzen interessiert ist. Die Malerin Anna Weyant, 31, erklärt entschieden, dass Kostüm als Kunst und als eine der "politischsten Formen" der Kunst betrachtet werden sollte.

Tschabalala Self (deren Werk "Evening" auf Seite 146 erscheint) sagt: "Für mich ist die Trennung zwischen Mode und Kunst eine falsche Dichotomie. Sie sind beide Ausdrucksmittel – Modalitäten wirklich – die es Künstlern ermöglichen, die Anliegen und Sehnsüchte unserer Zeit auszudrücken. … Ich bin wirklich gespannt auf die neue Ausstellung. Als figurative Malerin steht der Körper im Zentrum meiner Arbeit. Er ist etwas, das wir alle teilen, und wenn wir uns kleiden, treffen wir alle eine Aussage."

"Der Begriff 'Kunst' kommt vom altgriechischen Wort 'arete', was sich mit 'Exzellenz' übersetzen lässt", sagt der Künstler Paul Chan. "Daher scheint es mir, dass es in Kostümen genauso Exzellenz geben kann wie in jedem Gemälde oder jeder Skulptur."

Gibt es irgendwelche abweichenden Meinungen zum großen Schritt des Met? "Ich betrachte Mode als eine Kunst, aber nicht als Kunst", kommentiert Massimiliano Gioni, künstlerischer Direktor des New Museum in Lower Manhattan. Doch Gioni weist schnell darauf hin, dass Museen und Kuratoren – sich selbst eingeschlossen – ihren Blick erweitert haben. "Es ist nicht einmal wichtig, ob Mode Kunst ist oder nicht: Sicherlich ist sie eine Disziplin, eine Praxis, die uns viel über das erzählen kann, was wir begehren und schätzen. Als solche ist sie eine Sprache, die es wert ist, gehört und mit der sich auseinandergesetzt wird, wenn wir mehr über uns selbst erfahren wollen."

"Der Unterschied zwischen Kunst und Mode ist Zeit", sagt die Künstlerin Rachel Feinstein. "Mode dreht sich um die Gegenwart, um das Jetzt. Nächstes Jahr wird das, was man auf dem Laufsteg sieht, veraltet aussehen, während ein heute gemaltes Bild oder eine heute geschaffene Skulptur das nicht tut. Kunst hat Langlebigkeit – sie soll Bestand haben."

Grenzen verschwinden in der von Bolton kuratierten neuen Ausstellung. Unter dem Titel "Costume Art" ist sie inklusiv und kollaborativ, vereint durch das Thema des menschlichen Körpers und wie er dargestellt wurde – bekleidet, unbekleidet, geschmückt, geehrt, verletzt und betrauert. Durch eine Reihe aufschlussreicher, oft überraschender und manchmal erschütternder Gegenüberstellungen kombiniert die Ausstellung Objekte und Bilder mit Kleidung: eine griechische Vase aus dem Jahr 460 v. Chr. mit einem Fortuny-Kleid der 1920er Jahre; Albrecht Dürers "Schmerzensmann mit ausgestreckten Armen" mit Vivienne Westwoods "Martyr to Love"-Jacke; ein Spazierkleid von 1883, das aus Seurats Studie für "Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte" entsprungen zu sein scheint; kurvenreiche Skulpturen von Jean Arp und Henry Moore kombiniert mit Ensembles von Rei Kawakubo für Comme des Garçons. Die Ausstellung enthüllt die lange und symbiotische Beziehung zwischen Kunst und Mode – und macht deutlich, dass sie tief miteinander verbunden sind.

"Ich wollte Mode als Linse präsentieren, durch die man Kunst betrachten kann", erklärt Bolton. "Ich wollte, dass die Gegenüberstellungen manchmal formal, manchmal konzeptionell, manchmal politisch, manchmal humorvoll, manchmal tiefgründig und manchmal unbeschwert sind. Wenn man ein Kleidungsstück neben ein Kunstwerk stellt, entsteht eine neue Bedeutung. Etwas anderes geschieht. Darauf möchte ich den Fokus legen. Es ist, als ob eins plus eins gleich drei ergibt … Hoffentlich wird die Ausstellung die Menschen befähigen, diese Verbindungen auch außerhalb der Museumsmauern herzustellen."

"Ich war beeindruckt davon, wie sich die Präsentation von Mode im Met von etwas Archivischem zu etwas Immersiverem, fast Filmischem, gewandelt hat", sagt die Künstlerin Laurie Simmons. "Die Ausstellungen haben Erzählung, Stimmung, Psychologie angenommen – mehr einen Sinn für Performance … Das Museum erkennt an, dass der Körper – gekleidet, gestylt, in Szene gesetzt – so reich und aufgeladen ist wie jedes antike Relikt. Es ist auch eine fortlaufende Geschichte, die ständig in Echtzeit neu geschrieben wird. Seine Platzierung in der Nähe der ägyptischen Galerien und gegenüber den griechischen und römischen Galerien fühlt sich weniger wie eine Störung und mehr wie eine Korrektur an. Es anerkennt, dass das, was wir tragen, auch ein Artefakt der Zivilisation ist."

"Mir gefällt der Gedanke, dass etwas vom Glamour der Mode auf die Malerei und die Künstler abfärbt", sagt mir der Künstler John Currin. "Mir liegt die Malerei noch mehr am Herzen als Skulptur oder Architektur oder Fotografie; dennoch denke ich, dass diese Dinge wunderbar koexistieren, besonders Mode, weil sie so vorteilhaft für das Museum war." Institutionen wie das Met brauchen Veränderung, argumentiert er; nichts sollte als heilig angesehen werden. "Sie sollten einen Promi-Zoo im Met haben", sagt er. "Nackte Menschen in Käfigen. Sie können vor allen trainieren … Ich gebe die Buchhandlung auf, wenn es das ist, was es braucht." (Das Met hat seinen Shop nicht aufgegeben – nur verlegt.)

Schließlich stellte ich meinem Mann, Calvin Tomkins, der die Geschichte des Metropolitan Museum of Art ("Merchants and Masterpieces") geschrieben hat, die Frage, die ich allen gestellt hatte: "Kann Kostüm Kunst sein und Kunst Mode sein?" Er antwortete mit einem deutlichen "Ja!" und fügte hinzu: "Tatsächlich sind die beiden so nah, dass sie nicht umhin können, füreinander zu sein."

In dieser Geschichte: Haare von Jimmy Paul; Make-up von Kabuki; Maniküre, Jin Soon Choi; Schneiderin, Carol Ai.
Produziert von Special Production Agency. Szenenbild: Studio Wagner.
Alle Kunstwerkabbildungen mit freundlicher Genehmigung des Metropolitan Museum of Art.

Häufig gestellte Fragen
Natürlich. Hier ist eine Liste von FAQs zur Ausstellung des Costume Institute im Metropolitan Museum of Art, in einem natürlichen, gesprächsähnlichen Ton verfasst.

Allgemeine Informationen
F: Was ist "Costume Art" im Met?
A: Es ist die gängige Bezeichnung für die jährliche Modeausstellung, die vom Costume Institute des Met präsentiert wird. Jedes Jahr ist es eine große thematische Schau, die Mode als Kunstform durch historische Gewänder und zeitgenössische Designs erforscht.

F: Ist es eine permanente Ausstellung?
A: Nein. Es ist eine spezielle temporäre Ausstellung, die jedes Frühjahr eröffnet und etwa vier bis fünf Monate läuft. Das Thema, der Titel und der Designerfokus ändern sich jedes Jahr.

F: Wo im Met befindet es sich?
A: Es ist in der Iris and B. Gerald Cantor Exhibition Hall im ersten Stock des Museums untergebracht. Normalerweise sieht man einen speziellen Eingang und eine Schlange dafür.

F: Brauche ich ein separates Ticket?
A: Ja. Während der allgemeine Eintritt ins Met für New Yorker Einwohner und Studenten nach dem Prinzip "Zahlen Sie, was Sie möchten" funktioniert, erfordert die Costume Institute-Ausstellung ein Zeitfensterticket mit einer zusätzlichen Sonderausstellungsgebühr. Es wird dringend empfohlen, diese im Voraus online zu buchen.

Besuch & Erfahrung
F: Warum ist es immer so voll?
A: Es ist eines der beliebtesten jährlichen Ereignisse des Met, besonders nachdem der Met Gala massive Medienaufmerksamkeit bringt. Es zieht Modebegeisterte, Kunstliebhaber und Touristen gleichermaßen an. Werktags, frühmorgens oder später im Ausstellungsverlauf ist es typischerweise weniger voll.

F: Wie lange dauert es, die Ausstellung zu sehen?
A: Die meisten Besucher verbringen zwischen 45 Minuten und 1,5 Stunden dort, abhängig von der Größe der jeweiligen Jahresausstellung und wie genau man sich die Details ansieht.

F: Kann ich Fotos oder Videos machen?
A: Blitzlose Fotografie für den persönlichen Gebrauch ist normalerweise erlaubt, aber es ist immer am besten, die jeweiligen Richtlinien am Eingang zu prüfen, da sich die Regeln ändern können. Stativ und Selfie-Sticks sind typischerweise verboten.

F: Ist die Ausstellung gut für Kinder?
A: Sie kann es sein, besonders für Kinder, die sich für Design oder Geschichtenerzählen interessieren. Allerdings beinhaltet sie viel langsames Gehen und das Betrachten empfindlicher Objekte hinter Glas, also hängt es vom Kind ab.