« La mode est plus de l'art que l'art lui-même », a un jour déclaré Andy Warhol, et 39 ans après sa mort, il pourrait avoir le dernier mot. La mode est-elle de l'art ? L'art est-il de la mode ? Ce mois de mai, ces questions persistantes pourraient enfin être tranchées lorsque l'Institut du Costume du Metropolitan Museum of Art quittera son emplacement de longue date au sous-sol pour un emplacement de choix à l'étage, juste à côté du Grand Hall du musée. « D'une certaine manière, la mode dépasse l'art », affirme Andrew Bolton, le conservateur responsable de l'Institut du Costume. « Elle incarne notre expérience vécue. C'est la seule forme d'art qui fasse cela. »

La mode occupera désormais le devant de la scène dans ce qui était autrefois la vaste boutique de souvenirs du Met, située entre les galeries égyptiennes au nord et les galeries grecques et romaines au sud. Ici, dans son nouveau foyer, les Galeries Condé M. Nast de l'Institut du Costume – nommées en l'honneur de l'éditeur et bon vivant qui a fait de Vogue, Vanity Fair et d'autres magazines des icônes culturelles – accueilleront « Costume Art », une exposition explorant et célébrant le corps vêtu, présentant des vêtements et des œuvres d'art provenant de la plupart des 19 domaines de collection du musée.

Max Hollein, PDG et directeur du Met, qualifie les nouvelles galeries de « puissante continuité » de ce que le musée a longtemps fait. « L'Institut du Costume fait partie de notre identité. Les nouvelles galeries ne représentent pas une révolution. »

Mais elles se font attendre depuis longtemps, et entre-temps, le public de la mode a considérablement augmenté. « La relation entre la mode et l'art est devenue moins défensive », déclare l'artiste Maurizio Cattelan, l'un des plusieurs artistes et conservateurs avec lesquels j'ai parlé en écrivant cet article. « La mode ne demande plus la permission à l'art, et l'art ne prétend plus ignorer la mode. Ils ont compris qu'ils partageaient la même obsession : le corps, le pouvoir, le désir, le statut. » Il ajoute : « Au Met, la mode est passée de l'exposition en tant qu'artisanat à la mise en scène en tant que récit. Les expositions ressemblent moins à des garde-robes et plus à des arguments. Ce passage, de l'objet à l'idée, est là où la mode devient intéressante. »

« L'impact de l'Institut du Costume et de ses expositions a énormément grandi au cours des 30 dernières années », déclare le designer Michael Kors, qui cite des artistes comme Mark Rothko, John Singer Sargent et Georgia O'Keeffe comme influences sur son travail. « Cela a ouvert les yeux des gens sur le lien entre la mode et tout – de la culture pop à la politique en passant par l'art. Cela a montré au public que la mode ne se résume pas aux vêtements que l'on porte chaque jour. »

La designer Tory Burch ajoute que ces nouvelles galeries « reconnaîtront la mode comme une partie essentielle de notre histoire collective. Le Met a toujours compris que la mode est une forme vitale d'expression créative, qui façonne et reflète notre culture. »

Malgré tout, l'exposition de printemps de l'Institut du Costume a longtemps manqué d'un foyer permanent. Le nouvel espace est le fruit d'une longue campagne – menée en grande partie par le directeur éditorial mondial de ce magazine – et a représenté une tâche redoutable pour un cabinet d'architecture. La commande a été confiée au cabinet Peterson Rich Office, basé à Brooklyn, dont les dirigeants, Nathan Rich et Miriam Peterson – un couple qui a eu son premier rendez-vous au Met – se sont plongés dans l'histoire du musée et ses 21 bâtiments distincts. « C'est plus une ville qu'un bâtiment », déclare Peterson. Ils ont étudié le Grand Hall et réfléchi à la manière dont il pourrait mener aux galeries, ainsi qu'à la façon dont la lumière filtre à travers l'espace. Leur objectif était de créer une nouvelle voie urbaine, et ils ont travaillé en étroite collaboration avec Bolton. « C'était merveilleux d'avoir des conversations avec lui », dit Peterson. « Nous avons ressenti une profonde résonance entre l'architecture en tant que domaine et le costume en tant que forme d'art. » Bolton avait besoin d'un espace flexible où l'éclairage pouvait être ajusté et l'alimentation électrique fournie, mais il voulait qu'il reflète quelque chose de la stature des galeries grecques et romaines. « Cela devait être un espace d'exposition tournant », déclare Rich. « Il devait constamment changer. En même temps, il devait donner l'impression d'avoir toujours été là. » Les nouvelles galeries, d'environ 12 000 pieds carrés, sont divisées en cinq espaces interconnectés et intègrent des seuils en calcaire qui font écho aux arches en calcaire du Grand Hall. Des sols en pierre gris et blanc luminescents, des plafonds à poutres apparentes et des murs en stuc vénitien inondent l'espace d'une aura de permanence.

« La mode au Met est passée de la célébration de la beauté et du savoir-faire à l'exploration de la culture, de la politique et de l'histoire », déclare Dasha Zhukova, collectionneuse d'art, femme d'affaires et administratrice du musée. « Il ne s'agit pas seulement de ce que nous portons, mais de ce que les vêtements nous disent sur qui nous sommes. Je ne dirais donc pas qu'il est controversé que l'Institut du Costume occupe le devant de la scène au Met. Les nouvelles galeries concernent la perspective, pas la hiérarchie. »

Zhukova note également que l'Institut du Costume a contribué à attirer un public plus jeune et plus diversifié – particulièrement peu intéressé par les frontières rigides. La peintre Anna Weyant, âgée de 31 ans, affirme fermement que le costume doit être considéré comme de l'art et comme l'une des formes les plus « politiques » de l'art.

Tschabalala Self (dont l'œuvre *Evening* apparaît page 146) déclare : « Pour moi, la séparation entre la mode et l'art est une fausse dichotomie. Ce sont tous deux des moyens d'expression – des modalités, vraiment – qui permettent aux artistes d'exprimer les préoccupations et les désirs de notre époque. … Je suis vraiment impatiente de voir la nouvelle exposition. En tant que peintre figurative, le corps est central dans ma pratique. C'est quelque chose que nous partageons tous, et lorsque nous nous habillons, nous faisons tous une déclaration. »

« Le terme 'art' vient du mot grec ancien *arete*, qui se traduit par 'excellence' », explique l'artiste Paul Chan. « Il me semble donc qu'il peut y avoir de l'excellence dans les costumes autant que dans n'importe quelle peinture ou sculpture. »

Y a-t-il des dissensions concernant le grand changement du Met ? « Je considère la mode comme un art mais pas comme de l'Art », commente Massimiliano Gioni, directeur artistique du New Museum dans le Lower Manhattan. Pourtant, Gioni s'empresse de souligner que les musées et les conservateurs – lui y compris – ont élargi leur vision. « Peu importe même que la mode soit de l'art ou non : c'est certainement une discipline, une pratique qui peut nous en dire beaucoup sur ce que nous désirons et valorisons. En tant que telle, c'est un langage qu'il vaut la peine d'écouter et avec lequel il faut s'engager si nous voulons en apprendre davantage sur nous-mêmes. »

« La différence entre l'art et la mode, c'est le temps », déclare l'artiste Rachel Feinstein. « La mode, c'est le présent, c'est maintenant. L'année prochaine, ce que vous voyez sur les podiums paraîtra démodé, alors qu'une peinture ou une sculpture réalisée aujourd'hui ne le sera pas. L'art a de la longévité – il est fait pour durer. »

Les frontières s'estompent dans la nouvelle exposition organisée par Bolton. Intitulée « Costume Art », elle est inclusive et collaborative, unifiée par le thème du corps humain et de la manière dont il a été représenté – habillé, dénudé, décoré, honoré, blessé et pleuré. À travers une série de juxtapositions révélatrices, souvent surprenantes et parfois déconcertantes, l'exposition associe objets et images à des vêtements : un vase grec de 460 avant notre ère avec une robe Fortuny des années 1920 ; *L'Homme de douleurs aux bras étendus* d'Albrecht Dürer avec la veste *Martyr to Love* de Vivienne Westwood ; une robe de promenade de 1883 qui semble sortie de l'étude de Seurat pour *Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte* ; des sculptures curvilignes de Jean Arp et Henry Moore associées à des ensembles de Rei Kawakubo pour Comme des Garçons. L'exposition révèle la relation longue et symbiotique entre l'art et la mode – démontrant qu'ils sont profondément liés.

« Je voulais présenter la mode comme une lentille à travers laquelle voir l'art », explique Bolton. « Je voulais que les associations soient parfois formelles, parfois conceptuelles, parfois politiques, parfois humoristiques, parfois profondément profondes, et parfois légères. Lorsque vous placez un vêtement à côté d'une œuvre d'art, un nouveau sens émerge. Quelque chose d'autre se produit. Je veux me concentrer sur cela. C'est comme si un plus un égalait trois… J'espère que l'exposition permettra aux gens d'établir ces connexions au-delà des murs du musée. »

« J'ai été frappée par la façon dont la présentation de la mode au Met est passée de quelque chose d'archivistique à quelque chose de plus immersif, presque cinématographique », déclare l'artiste Laurie Simmons. « Les expositions ont pris une dimension narrative, d'ambiance, psychologique – plus un sens de la performance… Le musée reconnaît que le corps – habillé, stylisé, mis en scène – est aussi riche et chargé que n'importe quelle relique ancienne. C'est aussi une histoire en cours qui est constamment réécrite en temps réel. Son emplacement près des galeries égyptiennes et en face des galeries grecques et romaines ressemble moins à une perturbation et plus à une correction. Il reconnaît que ce que nous portons est aussi un artefact de la civilisation. »

« J'aime l'idée qu'une partie du glamour de la mode rejaillisse sur la peinture et les artistes », me confie l'artiste John Currin. « Je me soucie de la peinture encore plus que de la sculpture, de l'architecture ou de la photographie ; pourtant, je pense que ces choses coexistent merveilleusement, surtout la mode, car elle a été si bénéfique pour le musée. » Les institutions comme le Met ont besoin de changement, argue-t-il ; rien ne devrait être considéré comme sacré. « Ils devraient avoir un zoo de célébrités au Met », dit-il. « Des gens nus dans des cages. Ils peuvent s'entraîner devant tout le monde… Je sacrifierai la librairie si c'est ce qu'il faut. » (Le Met n'a pas sacrifié sa boutique – seulement déplacée.)

Enfin, j'ai posé à mon mari, Calvin Tomkins, qui a écrit l'histoire du Metropolitan Museum of Art (*Merchants and Masterpieces*), la question que je posais à tout le monde : « Le costume peut-il être de l'art et l'art peut-il être de la mode ? » Il a répondu par un retentissant « Oui ! » et a ajouté : « En fait, les deux sont si proches qu'ils ne peuvent s'empêcher d'être l'un l'autre. »

Dans cet article : coiffure par Jimmy Paul ; maquillage par Kabuki ; manucure, Jin Soon Choi ; tailleur, Carol Ai.
Produit par Special Production Agency. Design de plateau : Studio Wagner.
Toutes les images d'œuvres d'art sont fournies par le Metropolitan Museum of Art.

**Foire aux questions**
Bien sûr, voici une liste de FAQ sur l'exposition de l'Institut du Costume au Metropolitan Museum of Art, rédigée dans un ton conversationnel naturel.

**Informations générales**
Q : Qu'est-ce que Costume Art au Met ?
R : C'est le nom populaire de l'exposition annuelle de mode présentée par l'Institut du Costume du Met. Chaque année, c'est une grande exposition thématique qui explore la mode en tant que forme d'art à travers des vêtements historiques et des designs contemporains.

Q : Est-ce une exposition permanente ?
R : Non. C'est une exposition temporaire spéciale qui ouvre chaque printemps et dure environ quatre à cinq mois. Le thème, le titre et le focus sur un designer changent chaque année.

Q : Où se trouve-t-elle dans le Met ?
R : Elle est hébergée dans le Hall d'exposition Iris et B. Gerald Cantor au premier étage du musée. Vous verrez généralement une entrée dédiée et une file d'attente pour celle-ci.

Q : Ai-je besoin d'un billet séparé ?
R : Oui. Bien que l'entrée générale au Met soit à contribution libre pour les résidents et étudiants de New York, l'exposition de l'Institut du Costume nécessite un billet à entrée chronométrée avec un droit d'entrée supplémentaire pour les expositions spéciales. Il est fortement recommandé de les réserver à l'avance en ligne.

**Visite et expérience**
Q : Pourquoi est-ce toujours aussi bondé ?
R : C'est l'un des événements annuels les plus populaires du Met, surtout après que le Met Gala attire une énorme attention médiatique. Il attire à la fois les passionnés de mode, les amateurs d'art et les touristes. Les jours de semaine, tôt le matin ou plus tard pendant la durée de l'exposition sont généralement moins fréquentés.

Q : Combien de temps faut-il pour voir l'exposition ?
R : La plupart des visiteurs passent entre 45 minutes et 1 heure 30, selon la taille de l'exposition de l'année et l'attention portée aux détails.

Q : Puis-je prendre des photos ou des vidéos ?
R : La photographie sans flash à usage personnel est généralement autorisée, mais il est toujours préférable de vérifier les consignes spécifiques affichées à l'entrée chaque année, car les règles peuvent changer. Les trépieds et les perches à selfie sont généralement interdits.

Q : L'exposition est-elle adaptée aux enfants ?
R : Elle peut l'être, surtout pour les enfants intéressés par le design ou la narration. Cependant, elle implique beaucoup de marche lente et d'observation d'objets délicats derrière des vitrines, donc cela dépend.