"La moda è più arte dell'arte", disse una volta Andy Warhol, e 39 anni dopo la sua morte, potrebbe avere l'ultima parola. La moda è arte? L'arte è moda? Questo maggio, quei persistenti interrogativi potrebbero finalmente trovare una risposta quando il Costume Institute del Metropolitan Museum of Art si trasferirà dalla sua storica collocazione in seminterrato a una posizione privilegiata al piano superiore, proprio accanto alla Great Hall del museo. "In un certo senso, la moda va oltre l'arte", afferma Andrew Bolton, curatore responsabile del Costume Institute. "Incarna la nostra esperienza vissuta. È l'unica forma d'arte a farlo".

La moda occuperà ora il centro della scena in quello che un tempo era l'esteso negozio di souvenir del Met, situato tra le gallerie egizie a nord e le gallerie greche e romane a sud. Qui, nella sua nuova sede, le Condé M. Nast Galleries del Costume Institute – intitolate all'editore e bon vivant che trasformò Vogue, Vanity Fair e altre riviste in icone culturali – ospiteranno "Costume Art", una mostra che esplora e celebra il corpo vestito, presentando abiti e opere d'arte provenienti dalla maggior parte delle 19 aree di collezione del museo.

Max Hollein, amministratore delegato e direttore del Met, definisce le nuove gallerie "una potente continuazione" di ciò che il museo ha sempre fatto. "Il Costume Institute è parte della nostra identità. Le nuove gallerie non rappresentano una rivoluzione".

Ma sono arrivate dopo una lunga attesa, e nel frattempo il pubblico della moda è cresciuto in modo drammatico. "Il rapporto tra moda e arte è diventato meno difensivo", afferma l'artista Maurizio Cattelan, uno dei diversi artisti e curatori con cui ho parlato mentre scrivevo questo articolo. "La moda non chiede più il permesso all'arte, e l'arte non finge più di ignorare la moda. Hanno capito di condividere la stessa ossessione: il corpo, il potere, il desiderio, lo status". Aggiunge: "Al Met, la moda è passata dall'essere esposta come artigianato all'essere inquadrata come narrazione. Le mostre sembrano meno guardaroba e più argomentazioni. Quel passaggio, dall'oggetto all'idea, è dove la moda diventa interessante".

"L'impatto del Costume Institute e delle sue mostre è cresciuto enormemente negli ultimi 30 anni", afferma lo stilista Michael Kors, che cita artisti come Mark Rothko, John Singer Sargent e Georgia O'Keeffe come influenze sul suo lavoro. "Ha aperto gli occhi della gente alla connessione tra la moda e tutto – dalla cultura pop alla politica all'arte. Ha mostrato al pubblico che la moda riguarda molto più dei semplici vestiti che indossiamo ogni giorno".

La stilista Tory Burch aggiunge che queste nuove gallerie "riconosceranno la moda come una parte essenziale della nostra storia condivisa. Il Met ha sempre capito che la moda è una forma vitale di espressione creativa, che plasma e riflette la nostra cultura".

Tuttavia, per anni la mostra primaverile del Costume Institute è mancata di una sede permanente. Il nuovo spazio è stato realizzato dopo una lunga campagna – guidata in gran parte dal direttore editoriale globale di questa rivista – e ha rappresentato un compito arduo per uno studio di architettura. L'incarico è andato allo studio Peterson Rich Office di Brooklyn, i cui titolari, Nathan Rich e Miriam Peterson – una coppia sposata che ha avuto il suo primo appuntamento al Met – si sono immersi nella storia del museo e nei suoi 21 edifici separati. "È più una città che un edificio", afferma Peterson. Hanno studiato la Great Hall e considerato come potesse condurre alle gallerie, oltre a come la luce filtra attraverso lo spazio. Il loro obiettivo era creare un nuovo percorso urbano, e hanno lavorato a stretto contatto con Bolton. "È stato meraviglioso conversare con lui", dice Peterson. "Abbiamo sentito una profonda risonanza tra l'architettura come campo e il costume come forma d'arte". Bolton aveva bisogno di uno spazio flessibile dove l'illuminazione potesse essere regolata e l'energia fornita, ma voleva che riflettesse qualcosa dello statuto delle gallerie greche e romane. "Doveva essere uno spazio espositivo rotativo", afferma Rich. "Doveva cambiare costantemente. Allo stesso tempo, doveva sembrare come se fosse sempre stato lì". Le nuove gallerie, di quasi 12.000 piedi quadrati, sono divise in cinque spazi interconnessi e incorporano soglie in pietra calcarea che riecheggiano gli archi in calcare della Great Hall. Pavimenti in pietra luminescenti grigia e bianca, soffitti a travi e pareti in intonaco veneziano inondano lo spazio di un'aura di permanenza.

"La moda al Met è cresciuta dal celebrare la bellezza e l'artigianato all'esplorare cultura, politica e storia", afferma Dasha Zhukova, collezionista d'arte, imprenditrice e membro del consiglio del museo. "Non riguarda solo ciò che indossiamo, ma ciò che l'abbigliamento ci dice su chi siamo. Quindi non la definirei controverso che il Costume Institute abbia preso il centro della scena al Met. Le nuove gallerie riguardano la prospettiva, non la gerarchia".

Zhukova nota anche che il Costume Institute ha contribuito ad attirare un pubblico più giovane e diversificato – particolarmente disinteressato a confini rigidi. La pittrice Anna Weyant, che ha 31 anni, afferma con fermezza che il costume dovrebbe essere considerato arte e come una delle forme più "politiche" dell'arte.

Tschabalala Self (il cui lavoro *Evening* appare a pagina 146) dice: "Per me, la separazione tra moda e arte è una falsa dicotomia. Sono entrambi mezzi di espressione – modalità, in realtà – che permettono agli artisti di esprimere le preoccupazioni e i desideri del nostro tempo. … Sono davvero entusiasta di vedere la nuova mostra. Come pittrice figurativa, il corpo è centrale nella mia pratica. È qualcosa che condividiamo tutti, e quando ci vestiamo facciamo tutti una dichiarazione".

"Il termine 'arte' deriva dalla parola greca antica *arete*, che si traduce come 'eccellenza'", afferma l'artista Paul Chan. "Quindi mi sembra che possa esserci eccellenza nei costumi tanto quanto in qualsiasi dipinto o scultura".

C'è qualche dissenso sul grande passo del Met? "Considero la moda un'arte ma non come Arte", commenta Massimiliano Gioni, direttore artistico del New Museum nella Lower Manhattan. Tuttavia Gioni si affretta a sottolineare che i musei e i curatori – lui incluso – hanno ampliato la loro visione. "Non importa nemmeno se la moda sia arte o meno: certamente è una disciplina, una pratica che può dirci molto su ciò che desideriamo e valorizziamo. In quanto tale, è un linguaggio che vale la pena ascoltare e con cui confrontarsi se vogliamo saperne di più su noi stessi".

"La differenza tra arte e moda è il tempo", afferma l'artista Rachel Feinstein. "La moda riguarda il presente, riguarda l'adesso. L'anno prossimo, ciò che vedi in passerella sembrerà datato, mentre un dipinto o una scultura realizzati oggi non lo saranno. L'arte ha longevità – è fatta per durare".

I confini svaniscono nella nuova mostra curata da Bolton. Intitolata "Costume Art", è inclusiva e collaborativa, unificata dal tema del corpo umano e di come è stato raffigurato – vestito, svestito, decorato, onorato, ferito e pianto. Attraverso una serie di accostamenti rivelatori, spesso sorprendenti e a volte stridenti, la mostra accosta oggetti e immagini con abiti: un vaso greco del 460 a.C. con un abito Fortuny degli anni '20; l'*Uomo dei dolori con le braccia tese* di Albrecht Dürer con la giacca *Martyr to Love* di Vivienne Westwood; un abito da passeggio del 1883 che sembra uscito dallo studio di Seurat per *Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte*; sculture curvilinee di Jean Arp e Henry Moore accostate a completi di Rei Kawakubo per Comme des Garçons. La mostra rivela il lungo e simbiotico rapporto tra arte e moda – sostenendo che sono profondamente connesse.

"Volevo presentare la moda come una lente attraverso cui vedere l'arte", spiega Bolton. "Volevo che gli accostamenti fossero a volte formali, a volte concettuali, a volte politici, a volte umoristici, a volte profondamente profondi e a volte spensierati. Quando metti un capo accanto a un'opera d'arte, emerge un nuovo significato. Succede qualcos'altro. Voglio concentrarmi su quello. È come se uno più uno facesse tre… Si spera che la mostra permetta alle persone di stabilire quelle connessioni anche al di fuori delle mura del museo".

"Sono stata colpita da come la presentazione della moda al Met sia passata da qualcosa di archivistico a qualcosa di più immersivo, quasi cinematografico", afferma l'artista Laurie Simmons. "Le mostre hanno assunto narrazione, atmosfera, psicologia – più un senso di performance… Il museo riconosce che il corpo – vestito, stilizzato, messo in scena – è ricco e carico quanto qualsiasi antico reperto. È anche una storia in corso che viene costantemente riscritta in tempo reale. La sua collocazione vicino alle gallerie egizie e di fronte a quelle greche e romane sembra meno una perturbazione e più una correzione. Riconosce che ciò che indossiamo è anche un manufatto della civiltà".

"Mi piace l'idea che parte del glamour della moda si stia trasferendo alla pittura e agli artisti", mi dice l'artista John Currin. "Mi interessa la pittura anche più della scultura o dell'architettura o della fotografia; tuttavia, penso che queste cose coesistano meravigliosamente, specialmente la moda, perché è stata così benefica per il museo". Istituzioni come il Met hanno bisogno di cambiamento, sostiene; nulla dovrebbe essere considerato sacro. "Dovrebbero avere uno zoo di celebrità al Met", dice. "Gente nuda nelle gabbie. Possono allenarsi di fronte a tutti… Rinuncio alla libreria se è necessario". (Il Met non ha rinunciato al suo negozio – solo lo ha trasferito.)

Infine, ho posto a mio marito, Calvin Tomkins, che ha scritto la storia del Metropolitan Museum of Art (*Merchants and Masterpieces*), la domanda che avevo fatto a tutti: "Il costume può essere arte e l'arte può essere moda?" Ha risposto con un sonoro "Sì!" e ha aggiunto: "In effetti, le due cose sono così vicine che non possono fare a meno di essere l'una dell'altra".

In questo articolo: acconciature di Jimmy Paul; trucco di Kabuki; manicure, Jin Soon Choi; sartoria, Carol Ai.
Prodotto da Special Production Agency. Set Design: Studio Wagner.
Tutte le immagini delle opere d'arte per gentile concessione del Metropolitan Museum of Art.

**Domande Frequenti**
Naturalmente, ecco un elenco di FAQ sulla mostra del Costume Institute al Metropolitan Museum of Art scritto in un tono conversazionale naturale.

**Informazioni Generali**
**D: Cos'è Costume Art al Met?**
**R:** È il nome popolare per la mostra annuale di moda presentata dal Costume Institute del Met. Ogni anno è una grande mostra a tema che esplora la moda come forma d'arte attraverso abiti storici e design contemporanei.

**D: È una mostra permanente?**
**R:** No. È una mostra temporanea speciale che apre ogni primavera e dura circa quattro o cinque mesi. Il tema, il titolo e il focus sugli stilisti cambiano ogni anno.

**D: Dove si trova al Met?**
**R:** È ospitata nella Iris and B. Gerald Cantor Exhibition Hall al primo piano del museo. Di solito si vede un ingresso dedicato e una fila per essa.

**D: Ho bisogno di un biglietto separato?**
**R:** Sì. Mentre l'ingresso generale al Met è pay-what-you-wish per i residenti di New York e gli studenti, la mostra del Costume Institute richiede un biglietto con ingresso a orario fissato con una tariffa aggiuntiva per le mostre speciali. Si consiglia vivamente di prenotarli in anticipo online.

**Visita ed Esperienza**
**D: Perché è sempre così affollata?**
**R:** È uno degli eventi annuali più popolari del Met, specialmente dopo che il Met Gala porta un'enorme attenzione mediatica. Attira appassionati di moda, amanti dell'arte e turisti allo stesso modo. I giorni feriali, le prime ore del mattino o più avanti nella durata della mostra sono tipicamente meno affollati.

**D: Quanto tempo ci vuole per vedere la mostra?**
**R:** La maggior parte dei visitatori trascorre tra i 45 minuti e 1,5 ore, a seconda delle dimensioni della mostra di quell'anno e di quanto si guardano da vicino i dettagli.

**D: Posso fare foto o video?**
**R:** Di solito è consentita la fotografia senza flash per uso personale, ma è sempre meglio controllare le linee guida specifiche pubblicate all'ingresso ogni anno, poiché le regole possono cambiare. Treppiedi e selfie stick sono tipicamente vietati.

**D: La mostra è adatta ai bambini?**
**R:** Può esserlo, specialmente per i bambini interessati al design o alla narrazione. Tuttavia, comporta molta camminata lenta e osservazione di oggetti delicati dietro vetro, quindi dipende.