W 1971 roku Yoko Ono zamieściła ogłoszenia w lokalnych gazetach, zapowiadając wystawę indywidualną w nowojorskim Museum of Modern Art. Kiedy jednak odwiedzający pojawili się na wystawie, przed wejściem znaleźli mały znak. Wyjaśniał on, że Ono wypuściła muchy na teren muzeum i zaprosiła ludzi, aby podążali za nimi po mieście. Ostatecznie w środku nie było oficjalnej ekspozycji. Zamiast tego Ono ustawiła kamerzystów wokół budynku, aby pytali odwiedzających, co myślą o wystawie.

Ich reakcje stały się samym dziełem sztuki. Niektórzy zachwycali się nieistniejącą wystawą, podczas gdy inni od razu próbowali zrozumieć, co to wszystko znaczy. Wielu z góry odrzuciło Ono, a jedna osoba nazwała ją "pomyloną". Ale w ziarnistym nagraniu z tego wydarzenia jeden widz reaguje czystą radością: dziecko. Kiedy ankieter pyta, co by pomyślał, gdyby wystawa istniała tylko w jego wyobraźni, chłopiec wybucha uśmiechem. "Więc macie tam bardzo dobre muzeum" – mówi. "To naprawdę fajne".

Ten klip jest teraz odtwarzany w ramach wystawy "Yoko Ono: Music of the Mind" w The Broad w Los Angeles, gdzie wydaje się mniej starym nagraniem, a bardziej kluczem do zrozumienia całego dorobku Ono. Trwająca do 11 października wystawa "Music of the Mind" jest pierwszą solową wystawą muzealną artystki, muzyczki i aktywistki w południowej Kalifornii. Obejmuje dużą część wczesnej twórczości Ono, w tym sztukę konceptualną, muzykę, film, instalacje, utwory instruktażowe i aktywizm.

"Yoko ma bardzo duży wszechświat prac, który nie jest reprezentowany na tej wystawie i nie mógłby być" – mówi Connor Monahan, jej dyrektor studia od prawie dwóch dekad. "Nie ma jednej wystawy, która mogłaby naprawdę objąć całą twórczość Yoko".

Wystawa w The Broad pojawia się w momencie, gdy dziedzictwo Ono jest na nowo oceniane. Długo odrzucana przez opinię publiczną jako albo absurdalna awangardowa prowokatorka, albo po prostu "kobieta, która rozbiła The Beatles", Ono jest obecnie powszechnie uznawana za jedną z założycielskich postaci sztuki konceptualnej i performansu. "Music of the Mind" to podkreśla, przedstawiając Ono nie jako kulturowy przypis czy osobliwość, ale jako jedną z definiujących artystycznych wizjonerek ostatniego stulecia.

"Yoko cechuje nieustępliwy optymizm" – mówi Monahan. "Wiele osób, gdyby otrzymało taką publiczną krytykę, nie kontynuowałoby tworzenia kolejnych prac. Ale ona nigdy się tym nie załamała". Wskazuje na jedną z długoletnich filozofii Ono: "Uwierz w siebie, a zmienisz świat".

"Wyobraźnia nie jest drugorzędna wobec dzieła; to dzieło jest wyobraźnią" – dodaje Monahan – idea, którą dziecko przed MoMA intuicyjnie zrozumiało.

Pogląd Ono na wyobraźnię jako pożywienie zaczął się wcześnie. W wieku 12 lat, po ewakuacji z Tokio podczas II wojny światowej, ona i jej rodzina schronili się na japońskiej wsi. Żywności było mało, więc Ono i jej młodszy brat Keisuke leżeli na plecach, patrząc w niebo i wymieniając się "menu w powietrzu" – wyobrażając sobie wyszukane posiłki. Sarah Loyer, kuratorka i kierowniczka wystaw w The Broad, opisuje te chwile jako "wiarę we własną wyobraźnię jako sposób na przetrwanie". Ono później uznała te wyobrażone uczty za jedne ze swoich pierwszych dzieł sztuki.

Po powrocie do Tokio Ono zapisała się na Uniwersytet Gakushuin w 1952 roku, stając się pierwszą studentką filozofii na tej uczelni. Następnie przeniosła się do Stanów Zjednoczonych w 1953 roku i uczęszczała do Sarah Lawrence College, gdzie studiowała poezję i kompozycję muzyczną.

Na początku lat 60. Ono była głęboko zaangażowana w nowojorską awangardową scenę downtown. Wystawiała eksperymentalne performanse i prace oparte na instrukcjach w swoim loftie przy Chambers Street, przyciągając uwagę takich postaci jak Marcel Duchamp, Peggy Guggenheim, Isamu Noguchi i Robert Rauschenberg.

Widok instalacji "Yoko Ono: Music of the Mind" w The Broad, Los Angeles, 23 maja – 11 października 2026.
Dzięki uprzejmości The Broad. Zdjęcie: Joshua White/JWPictures.com. © Yoko Ono

"Music of the Mind" zaczyna się od trzech wersji **Lighting Piece** (1955), która zawiera prostą instrukcję: "Zapal zapałkę i patrz, aż zgaśnie". W pobliżu znajdują się zdjęcia Ono wykonującej to dzieło, a także czarno-biały film przedstawiający ją zapalającą zapałkę w hipnotycznym zwolnionym tempie. W innych miejscach galerii można znaleźć oryginalne strony maszynopisu z **Grapefruit**, przełomowej książki instrukcji Ono z 1964 roku. Strony te zapraszają publiczność do "Słuchania dźwięku obracającej się Ziemi", "Narysowania mapy, aby się zgubić" i po prostu "Latania". Zapytana w wywiadzie w 1971 roku, dlaczego napisała tę książkę, Ono odpowiedziała: "Widzisz, żyjemy i umieramy. Pomiędzy tym jemy, śpimy i chodzimy – ale to dla nas za mało. Musimy odgrywać nasze szaleństwo, aby być przy zdrowych zmysłach".

Kilka sal dalej znajduje się duże białe płótno pokryte gwoździami. Niektóre mają pojedyncze pasma ludzkich włosów zawiązane wokół nich. Instrukcja brzmi:
"Wbij gwóźdź w powierzchnię każdego ranka.
Podnieś pojedynczy włos, który wypadnie podczas czesania rano.
Zawiąż ten włos wokół wbitego gwoździa".

Za każdym razem, gdy uczestnik wbija kolejny gwóźdź w płótno, uderzenie wydaje głęboki, echo niosący się huk przez galerię, zaskakując pobliskich odwiedzających, zanim przyciągnie ich, by sami spróbowali.

Widok instalacji **Painting to Hammer a Nail** w ramach "Yoko Ono: Music of the Mind", Gropius Bau, Berlin, Niemcy, 2025.
© Gropius Bau, zdjęcie: Luca Girardini. Dzieło sztuki © Yoko Ono

Te angażujące, interaktywne elementy można znaleźć w całej wystawie. Jeszcze przed wejściem do muzeum odwiedzający proszeni są o napisanie życzeń na małych karteczkach i przywiązanie ich do drzew oliwnych już rosnących na placu muzealnym. Wewnątrz, w jednej z szczególnie radosnych aktywności, odwiedzający są zapraszani do założenia dużych czarnych materiałowych worków i poruszania się po białej platformie, a ich powolne, rozmyte kształty wyglądają jak żywe kleksy Rorschacha. Gdzie indziej, w ramach **Helmets (Pieces of Sky)** (2001), widzowie przeszukują zawieszone hełmy niemieckiej armii z czasów II wojny światowej, wyjmując z nich kawałki puzzli z wzorem nieba, aby zabrać je do domu. "Weź kawałek nieba" – mówi Ono widzom. "Wiedz, że wszyscy jesteśmy częścią siebie nawzajem".

"Prace te kwestionują to, co myślimy o byciu członkiem publiczności w muzeum" – mówi Loyer. Odwiedzający, którzy wahają się na obrzeżach tych partycypacyjnych dzieł, powoli zbierają odwagę, aby dołączyć po obejrzeniu, jak ktoś inny robi to pierwszy, a każda interakcja wywołuje rozmowy.

Odwiedzający eksplorują **Add Colour (Refugee Boat)** (1960/2016) Yoko Ono zainstalowane w ramach "Yoko Ono: Music of the Mind", Tate Modern, Londyn, 2024.
© Yoko Ono. Zdjęcie © Oliver Cowling, dzięki uprzejmości Tate.

Dzieła stworzone po raz pierwszy dekady temu nabierają również nowych znaczeń, gdy zmienia się otaczający je świat. **Add Color (Refugee Boat)**, ciągła instalacja partycypacyjna, która zaprasza widzów do zostawiania wiadomości i rysunków na białej łodzi w centrum całkowicie białego pokoju, wielokrotnie przekształcała się na przestrzeni lat: najpierw odzwierciedlając kryzys syryjskich uchodźców, potem Ukrainę, a teraz Gazę. Podczas mojej wizyty widzowie wypisywali na ścianach wezwania do zniesienia ICE, rysowali fale pod łodzią w różnych odcieniach niebieskiego i pisali wiadomości o pokoju w wielu językach.

"Cała jej twórczość jest niedokończona i stale się zmienia i ewoluuje z czasem" – mówi Monahan. Wróć do "Music of the Mind" dwa tygodnie później, a będzie dosłownie inaczej: nowe życzenia wiszące na drzewach, nowe wiadomości pokrywające ściany, nowi nieznajomi uzupełniający dzieło w sposób, którego sama Ono nigdy nie mogła w pełni przewidzieć. Dopóki trwają wojna, przesiedlenia, mizoginia, rasizm, nacjonalizm i przemoc państwowa, twórczość Ono wciąż wydaje się uderzająco aktualna.

Na wystawie prezentowane jest również wideo jednego z najsłynniejszych dzieł Ono, **Cut Piece**, wykonanego po raz pierwszy w Kioto w 1964 roku. Podczas performansu artystka Yoko Ono siedziała cicho na scenie, podczas gdy członkowie publiczności podchodzili i wycinali nożyczkami kawałki jej ubrania. Od tego czasu dzieło to było interpretowane na wiele sposobów: jako trauma powojenna, uprzedmiotowienie, zgoda, rasa, wrażliwość i rola publiczności. "To naprawdę przenosi odpowiedzialność na widza" – wyjaśnia Loyer.

**Cut Piece**, 1964, wykonane w ramach **New Works of Yoko Ono**, Carnegie Recital Hall, Nowy Jork, sfilmowane przez Davida i Alberta Mayslesów, film 16mm, czarno-biały, dźwięk stereo, 8 minut 27 sekund.
© Yoko Ono

Chociaż wystawa naturalnie dotyka wpływu Johna Lennona, nie stawia go w centrum. Ono poznała Lennona w 1966 roku, w noc przed otwarciem jej wystawy w londyńskiej Indica Gallery. Lennon wszedł, wspiął się po drabinie jako części jednego z dzieł i przez szkło powiększające zobaczył małe słowo wydrukowane na suficie: "TAK". Ono później wspominała, że wręczyła mu kartkę z napisem "Oddychaj", co sprawiło, że pochylił się tak blisko, że słyszała jego wdech. Potem podszedł do piedestału z jabłkiem – samym w sobie dziełem sztuki – i ugryzł je. "Zbladłam" – wspominała Ono. "Pomyślałam, jak śmie ten facet robić coś takiego z moją pracą".

Razem Lennon i Ono zamienili sławę w narzędzie do aktywizmu antywojennego poprzez bed-iny, kampanie billboardowe, konceptualne performanse i działania medialne przeciwko wojnie w Wietnamie. Ale sława również głęboko zniekształciła sposób, w jaki publiczność postrzegała samą Ono.

**Bed-In w Amsterdam Hilton Hotel, Holandia, 1969.**
© Yoko Ono. Zdjęcie: Henry Pessar.

W latach 70. Ono wydała serię politycznie nacechowanych, eksperymentalnych albumów, które były wówczas często wyśmiewane, ale obecnie są postrzegane jako niezwykle wpływowe – zapowiadające punka, riot grrrl, no wave i eksperymentalny pop na dekady przed tym, zanim te style stały się mainstreamowe. W swojej piosence mówionej z 1973 roku "I Learned to Stutter", Ono mówi: "Żyłam jako artystka i miałam względną wolność jako kobieta i byłam uważana za sukę w społeczeństwie / Odkąd poznałam Johna, zostałam awansowana na wiedźmę i myślę, że to bardzo pochlebne". Ta linijka jest zabawna, ostra i świadomie teatralna. Ale pod humorem kryło się coś znacznie bardziej bolesnego. "Społeczeństwo nagle potraktowało mnie jak kobietę należącą do mężczyzny, który jest jedną z najpotężniejszych osób naszego pokolenia" – kontynuuje. "Całe społeczeństwo życzyło mi śmierci / Zaczęłam gromadzić ogromny kompleks winy i w rezultacie zaczęłam się jąkać".

Od tego czasu głos Ono znalazł nowe znaczenie. Podczas trwania "Music of the Mind" jej twórczość wyjdzie poza mury muzeum: siedem billboardów w Los Angeles będzie wyświetlać frazy takie jak THINK PEACE, ACT PEACE, IMAGINE PEACE i PEACE is POWER. Po drugiej stronie ulicy od The Broad, REDCAT – przestrzeń performatywna w kompleksie Walt Disney Concert Hall – będzie gościć performanse **Cut Piece** i **Sky Piece to Jesus Christ**. A w sierpniu muzycy, w tym Yo La Tengo, Tune-Yards, Sleater-Kinney, Rufus Wainwright i Yuka Honda, dokonają reinterpretacji muzyki Ono podczas dużego koncertu w The Broad.

"Yoko postrzega sztukę jako coś, co nigdy nie ograniczało się do galerii czy muzeum" – mówi Monahan. "[Ona postrzega] sztukę jako działanie lub aktywność, prowokację lub zmianę percepcji u odbiorcy". Jedno z ulubionych powiedzeń Ono, jak wyjaśnia, brzmi: "Zadaniem artysty nie jest niszczenie, ale zmienianie wartości rzeczy".

Czarny worek staje się narzędziem do wspólnej zabawy. Drzewo staje się żywym zapisem tęsknoty, żalu i nadziei. Gwóźdź staje się aktem połączenia. Sztuka Ono ostatecznie opowiada o kruchej, radykalnej wierze, że inny sposób widzenia – a zatem inny sposób życia – może być wciąż możliwy. Wyobraź sobie.

**Często zadawane pytania**
Oto lista najczęściej zadawanych pytań dotyczących wizyty na wystawie Yoko Ono w The Broad, napisana naturalnym tonem z jasnymi, bezpośrednimi odpowiedziami.

**Planowanie ogólne**

P: O co chodzi w wystawie Yoko Ono w The Broad?
O: To duży przegląd twórczości Yoko Ono, obejmujący okres od lat 60. do dziś. Koncentruje się na jej interaktywnej sztuce, instrukcjach i aktywizmie na rzecz pokoju – z których wiele zaprasza do udziału.

P: Ile czasu zajmuje obejrzenie całej wystawy?
O: Większość osób spędza około 1 do 1,5 godziny. Jeśli planujesz wykonać wszystkie interaktywne elementy, zarezerwuj bliżej 2 godzin.

P: Czy potrzebuję osobnego biletu na wystawę Yoko Ono?
O: Tak. Ogólna kolekcja The Broad jest bezpłatna z biletem czasowym, ale wystawa Yoko Ono wymaga osobnego płatnego biletu. Zarezerwuj go online z wyprzedzeniem.

P: Czy wystawa jest odpowiednia dla dzieci?
O: Zdecydowanie. Wiele prac jest praktycznych – jak wbijanie gwoździa w płótno czy pisanie życzeń. Jest bardzo angażująca dla dzieci, ale należy na nie uważać w pobliżu bardziej delikatnych instalacji.

P: Czy mogę robić zdjęcia wewnątrz wystawy?
O: Tak, w większości miejsc dozwolone jest fotografowanie bez flesza. Niektóre bardzo delikatne lub wrażliwe na światło elementy mogą mieć ograniczenia, ale znaki cię o tym poinformują.

**Sztuka i doświadczenie**

P: Co oznacza sztuka instrukcji?
O: Yoko Ono często daje ci pisemną instrukcję, a nie gotowy obiekt. Dzieło sztuki jest ukończone, gdy wyobrazisz sobie lub fizycznie wykonasz instrukcję.

P: Z którym dziełem zdecydowanie powinienem spróbować wejść w interakcję?
O: Zdecydowanie spróbuj **Wish Tree**. Piszesz życzenie na papierowej przywieszce i przywiązujesz je do drzewa. Również **Painting to Hammer a Nail** to klasyka – dosłownie wbijasz gwóźdź w biały panel.

P: Czy performans **Cut Piece** jest częścią wystawy?
O: Oryginalny performans nie odbywa się na żywo, ale wystawa obejmuje dokumentację Yoko Ono wykonującej **Cut Piece** w latach 60. Oglądanie tego jest poruszające.