La première femme noire à remporter le concours de beauté Miss Festival au Festival de Cannes—une autre de ses mannequins a remporté le titre l'année suivante. Ces victoires ont fait de Del Marco le premier choix pour l'expansion de Christian Dior sur les marchés internationaux, et c'est depuis le vivier de talents de Del Marco que Dior a choisi Helen Williams.

Mais en 1952, avec tout cet élan, la vie de DeVore s'est brusquement arrêtée. Elle a eu un accident de voiture lors d'une tempête de neige à Détroit. Des amis ont sorti son corps blessé de l'épave en flammes juste avant que sa nouvelle Buick Special n'explose. Elle s'est réveillée d'un coma deux semaines plus tard, enveloppée dans un plâtre corporel du cou aux pieds. Ses jambes étaient écrasées, ses épaules brisées, et un bras était disloqué. Même ses dents étaient brisées. « La seule chose qui me maintenait ensemble, c'était le tout nouveau gaine que je portais », a-t-elle dit à sa famille. Elle a passé neuf mois au lit, dont cinq en traction à l'hôpital. Son médecin a juré qu'il ne reprendrait plus jamais un cas aussi difficile.

« Elle avait une bonne main, et elle s'en est servie pour signer des contrats depuis sa chambre d'hôpital », dit Alina Mitchell, auteure de The Color of Beauty. « Elle était tellement déterminée. Cela m'inspire. Imaginez être coincée à l'hôpital pendant des mois et utiliser ce temps pour trouver des moyens d'améliorer l'industrie de la mode. »

Bien sûr, la Fashion Week—comme la mode elle-même—est un effort collaboratif et en constante évolution. Sa version moderne la plus ancienne a commencé en 1903, lorsqu'un magasin de vêtements spécialisés de New York appelé Erlich Brothers a tenu ce qui est considéré comme le premier défilé de mode américain dans sa boutique. Cette nouvelle idée est devenue une tradition à l'échelle de la ville connue sous le nom de « semaine de presse » à l'hôtel Plaza en 1943, lancée par Eleanor Lambert, une célèbre attachée de presse de mode. Mais il manquait l'esprit de rébellion audacieuse et de style personnel de la communauté noire (par exemple, en 1984, lors du premier défilé de Michael Kors, Iman a ajusté un châle à son propre goût avant de marcher sur le podium).

« On pouvait faire des choses à l'époque. On pouvait simplement faire des choses—être les premiers à faire certaines choses. On n'y pense pas sur le moment. On est tellement occupés à intégrer », dit Bethann Hardison. « La lutte était un grand combat parce que nous savions ce que nous avions de notre côté. Nous étions des gangsters, des révolutionnaires, des Buffalo soldiers. Mais ce n'était pas monotone. Del Marco savait s'adapter au fil des décennies, au fil des générations. » Et suivant l'énergie nouvelle de New York « Black is beautiful », Paris a lancé sa propre fashion week en 1973, Milan en 1975, et Londres en 1984.

En tant que pionnière de la beauté noire mainstream, DeVore ne changeait pas seulement l'industrie de la mode en présentant des mannequins avec différentes teintes de peau, cheveux et noms ; elle apportait aussi la culture noire. Soudainement, les mannequins marchaient différemment, se connectaient différemment au public, parlaient différemment, et même négociaient leur travail différemment. La nouvelle présence noire a ouvert de nouvelles possibilités noires.

Ophelia DeVore, dans une photo non datée
Photo : Gracieuseté de la famille DeVore

Beaucoup de gens ordinaires sont aussi passés par l'école de charme et l'agence de mannequins de DeVore. L'une d'eux était MaryLouise Patterson, qui a fréquenté l'école de charme dans les années 1950 à l'âge de 15 ans.

« C'était comme si je passais de petite fille à jeune femme—"dame" est probablement le bon mot, une jeune dame plutôt qu'une jeune femme », dit-elle. « La différence, c'était que vous aviez ces manières et ce raffinement qui étaient spéciaux. Tout le monde n'avait pas cela. »

Elle dit que son passage à l'école de charme de DeVore a été la première fois où elle s'est sentie belle. Au lieu de devenir mannequin, Patterson est devenue l'une des pédiatres les plus gracieuses d'Amérique. « J'ai toujours voulu me présenter sous mon meilleur jour, et Ophelia DeVore m'a donné cela—ce sentiment, cette conscience », dit-elle. « Elle m'a aidée à rencontrer ma meilleure version de moi-même et à comprendre pourquoi cela compte. Cela m'est resté toute ma vie. »

Aujourd'hui, la mode débat souvent de l'exclusivité éphémère des mannequins « it » et du battage médiatique des plus hautes distinctions. DeVore était plus indulgente : « Elles n'avaient pas besoin d'être les plus belles, les meilleures danseuses, ou les plus talentueuses. Tout ce qu'elles devaient être, c'était la meilleure version d'elles-mêmes. Ma philosophie était qu'il n'existait pas de personne laide. » Seulement une personne paresseuse.

Planches contact, gracieuseté d'Alina Mitchell.

Del Marco et l'école de charme ont fermé en 2006. Le glamour rapide des tentes de Bryant Park a pris fin en 2010. DeVore est décédée en 2014. La mode ramène souvent les choses, et son influence était forte—son école de charme et son agence ont aidé 40 000 aspirants sur sept décennies—mais elle n'a pas été pleinement reconnue.

Par exemple, l'impact continu de DeVore est évident car la collection de ses archives à Emory a mené à des cours sur « Black Beauty », « Le Pouvoir de l'amour-propre noir », et « Résister au racisme ». Les étudiants transforment ces discussions en essais, thèses et autres travaux académiques, qui deviennent des livres et un savoir plus large. Avec une vie comme celle de DeVore, dit Dudley, « l'émerveillement ne s'estompe jamais ».

« Elle savait qu'elle élevait la noirceur dans le monde de la mode et dans notre société, et elle voyait probablement cela comme un effort étape par étape », ajoute Dudley, « mais nous avons l'avantage de regarder en arrière et de réaliser, wow, elle a accompli tant de choses. »

Lorsque la plupart des artistes créent leur plus grande œuvre—un roman, une symphonie, une peinture, un film, une pièce de théâtre, un gratte-ciel, une chaussure—nous célébrons leur fierté : l'artiste apposant son nom sur son art pour que tout le monde le voie, que ce soit dans la peinture, l'encre, les lumières, le bois sculpté ou la pierre, ou la couture. Ironiquement, nous sommes moins généreux lorsque la meilleure réalisation d'un créateur est liée à l'idée de la beauté elle-même. Sachant cela, DeVore aspirait à être rappelée. Lorsqu'on lui a demandé pourquoi elle avait nommé son école de charme d'après elle-même, elle a simplement dit : « J'avais le sentiment que j'étais au bord de quelque chose de grand, et je voulais que le monde sache que j'étais celle qui était derrière. »

Questions fréquemment posées
Voici une liste de FAQ traitant de l'affirmation selon laquelle la Fashion Week a perdu de vue ses racines noires, allant du niveau débutant au niveau avancé



Questions pour débutants



1 Que signifie réellement « la Fashion Week a perdu de vue ses racines noires »

Cela signifie que bien que la culture, le style et l'esthétique noirs aient historiquement été des moteurs majeurs des tendances de la mode, les plateformes officielles de la Fashion Week échouent souvent à créditer correctement, à mettre en avant ou à soutenir financièrement les créateurs et créatifs noirs proportionnellement à leur influence



2 Quelles sont les racines noires de la Fashion Week

Historiquement, les communautés noires ont été à l'origine de nombreux mouvements de mode majeurs. De plus, les mannequins, stylistes et créateurs noirs ont fait partie intégrante de l'évolution de l'industrie, même lorsqu'ils étaient relégués en coulisses ou exclus des podiums principaux



3 La Fashion Week est-elle réellement diversifiée maintenant ou est-ce toujours un problème

Bien qu'il y ait plus de diversité visible sur les podiums qu'il y a 20 ans, le problème s'est déplacé. Il s'agit moins de voir des mannequins noirs défiler que de savoir qui possède les marques, qui est assis au premier rang et qui prend les décisions créatives finales. Souvent, la culture noire est utilisée comme un tableau d'inspiration par les grandes marques tandis que les labels appartenant à des Noirs luttent toujours pour les mêmes emplacements privilégiés et le même financement



4 Pourquoi cela importe-t-il ? La mode n'est-elle pas juste une question de vêtements

La mode est un moteur culturel et économique massif. Lorsque les contributions noires sont effacées ou tokenisées, cela perpétue l'inégalité économique et l'appropriation culturelle. Cela importe parce que cela détermine qui peut bâtir richesse et héritage à partir des tendances qui commencent dans les communautés noires



5 Pouvez-vous me donner un exemple simple de cet effacement

Un exemple majeur est la tendance du logomania des années 1990 et 2000. Elle a été popularisée par les artistes hip-hop noirs et les marques de streetwear comme FUBU et Karl Kani. Cependant, lorsque les maisons de luxe européennes ont adopté le même style, elles ont été louées comme de la haute couture tandis que les créateurs noirs originaux étaient souvent rejetés comme « ghetto » ou « trop urbains » pour le calendrier principal de la Fashion Week







Questions avancées spécifiques à l'industrie