Die erste Schwarze Frau, die den Miss-Festival-Schönheitswettbewerb bei den Filmfestspielen von Cannes gewann – ein weiteres ihrer Models holte sich im darauffolgenden Jahr den Titel. Diese Erfolge machten Del Marco zur ersten Wahl für Christian Diors Vorstoß in internationale Märkte, und aus Del Marcos Talentpool wählte Dior Helen Williams aus.

Doch 1952, bei all diesem Schwung, kam DeVores Leben abrupt zum Stillstand. Sie hatte einen Autounfall während eines Schneesturms in Detroit. Freunde zogen ihren verletzten Körper aus dem brennenden Wrack, kurz bevor ihr neuer Buick Special explodierte. Sie erwachte zwei Wochen später aus dem Koma, eingehüllt in einen Gipsverband vom Hals abwärts. Ihre Beine waren zermalmt, ihre Schultern gebrochen, und ein Arm war ausgerenkt. Sogar ihre Zähne waren zersplittert. „Das Einzige, was mich zusammenhielt, war der brandneue Hüftgürtel, den ich trug“, erzählte sie ihrer Familie. Sie verbrachte neun Monate im Bett, davon fünf in Traktion im Krankenhaus. Ihr Arzt schwor, er würde nie wieder einen so schwierigen Fall übernehmen.

„Sie hatte eine gute Hand, und die nutzte sie, um Verträge von ihrem Krankenhauszimmer aus zu unterschreiben“, sagt Alina Mitchell, Autorin von The Color of Beauty. „Sie war so entschlossen. Das inspiriert mich. Stellen Sie sich vor, monatelang im Krankenhaus zu liegen und diese Zeit zu nutzen, um Wege zu finden, die Modeindustrie zu verbessern.“

Natürlich ist die Fashion Week – wie die Mode selbst – eine kollaborative, sich ständig verändernde Angelegenheit. Ihre früheste moderne Form begann 1903, als ein New Yorker Spezialbekleidungsgeschäft namens Erlich Brothers das abhielt, was als Amerikas erste Modenschau in seinem Laden gilt. Diese neue Idee wurde 1943 zu einer stadtweiten Tradition namens „Press Week“ im Plaza Hotel, ins Leben gerufen von Eleanor Lambert, einer bekannten Mode-Publizistin. Aber es fehlte der Geist der kühnen Rebellion und des persönlichen Stils der Schwarzen Gemeinschaft (zum Beispiel passte Iman 1984 bei Michael Kors‘ erster Modenschau einen Schal nach ihrem eigenen Geschmack an, bevor sie über den Laufsteg ging).

„Man konnte damals Dinge tun. Man konnte einfach Dinge tun – die Erste bei Dingen sein. Man denkt damals nicht darüber nach. Man ist so damit beschäftigt, zu integrieren“, sagt Bethann Hardison. „Der Kampf war ein großer Kampf, weil wir wussten, was wir auf unserer Seite hatten. Wir waren Gangster, Revolutionäre, Buffalo Soldiers. Aber es war nicht eintönig. Del Marco wusste, wie man sich über Jahrzehnte, über Generationen hinweg anpasst.“ Und der frischen New Yorker „Black is beautiful“-Energie folgend startete Paris 1973 seine eigene Fashion Week, Mailand 1975 und London 1984.

Als Pionierin der Mainstream-Schwarzen-Schönheit veränderte DeVore nicht nur die Modeindustrie, indem sie Models mit unterschiedlichen Hauttönen, Haaren und Namen präsentierte; sie brachte auch Schwarze Kultur ein. Plötzlich liefen Models anders, verbanden sich anders mit dem Publikum, sprachen anders und verhandelten sogar ihre Arbeit anders. Neue Schwarze Präsenz eröffnete neue Schwarze Möglichkeiten.

Ophelia DeVore, auf einem undatierten Foto
Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Familie DeVore

Viele normale Menschen durchliefen ebenfalls DeVores Charm School und Modelagentur. Eine davon war MaryLouise Patterson, die die Charm School in den 1950er-Jahren im Alter von 15 Jahren besuchte.

„Es war, als würde ich von einem kleinen Mädchen zu einer jungen Frau – ‚Dame‘ ist wahrscheinlich das richtige Wort, eine junge Dame eher als eine junge Frau“, sagt sie. „Der Unterschied war, dass man diese Manieren und diesen Schliff hatte, der etwas Besonderes war. Nicht jeder hatte das.“

Sie sagt, ihre Zeit in DeVores Charm School sei das erste Mal gewesen, dass sie sich schön gefühlt habe. Statt Model zu werden, wurde Patterson eine der elegantesten Kinderärztinnen Amerikas. „Ich wollte mich immer im besten Licht präsentieren, und Ophelia DeVore hat mir das gegeben – dieses Gefühl, dieses Bewusstsein“, sagt sie. „Sie half mir, mein bestes Selbst zu erreichen und zu verstehen, warum das wichtig ist. Es ist mir mein ganzes Leben lang geblieben.“

Heute debattiert die Mode oft über die flüchtige Exklusivität von „It“-Models und den Hype um höchste Auszeichnungen. DeVore war freundlicher: „Sie mussten nicht die Schönsten sein, die besten Tänzerinnen oder die Talentiertesten. Alles, was sie sein mussten, war die beste Version ihrer selbst. Meine Philosophie war, dass es so etwas wie einen hässlichen Menschen nicht gibt.“ Nur einen faulen.

Kontaktabzüge, mit freundlicher Genehmigung von Alina Mitchell.

Del Marco und die Charm School schlossen 2006. Der schnelllebige Glamour der Zelte im Bryant Park endete 2010. DeVore verstarb 2014. Mode bringt oft Dinge zurück, und ihr Einfluss war stark – ihre Charm School und Agentur halfen 40.000 Hoffnungsvollen über sieben Jahrzehnte –, aber er wurde nicht vollständig anerkannt.

Zum Beispiel ist DeVores anhaltender Einfluss deutlich, weil Emorys Sammlung ihrer Archive zu Kursen über „Black Beauty“, „Die Macht der Schwarzen Selbstliebe“ und „Widerstand gegen Rassismus“ geführt hat. Studierende verwandeln diese Diskussionen in Essays, Dissertationen und andere akademische Arbeiten, die zu Büchern und breiterem Wissen werden. Bei einem Leben wie dem von DeVore, sagt Dudley, „lässt das Staunen nie nach“.

„Sie wusste, dass sie das Schwarzsein in der Modewelt und in unserer Gesellschaft aufwertete, und sie sah es wahrscheinlich als eine Schritt-für-Schritt-Bemühung“, fügt Dudley hinzu, „aber wir haben den Vorteil, zurückzublicken und zu erkennen: Wow, sie hat so viel erreicht.“

Wenn die meisten Künstler ihr größtes Werk schaffen – einen Roman, eine Sinfonie, ein Gemälde, einen Film, ein Theaterstück, einen Wolkenkratzer, einen Schuh – feiern wir ihren Stolz darauf: der Künstler, der seinen Namen auf sein Handwerk setzt, für alle sichtbar, sei es in Farbe, Tinte, Lichtern, geschnitztem Holz oder Stein oder Nähten. Ironischerweise sind wir weniger großzügig, wenn die beste Leistung eines Schöpfers mit der Idee von Schönheit selbst verbunden ist. DeVore wusste das und sehnte sich danach, in Erinnerung zu bleiben. Als man sie fragte, warum sie ihre Charm School nach sich selbst benannt hatte, sagte sie schlicht: „Ich hatte das Gefühl, am Rande von etwas Großem zu stehen, und ich wollte, dass die Welt weiß, dass ich diejenige war, die dahintersteckt.“

Häufig gestellte Fragen
Hier ist eine Liste von FAQs, die sich mit der Behauptung befassen, dass die Fashion Week ihre Schwarzen Wurzeln aus den Augen verloren hat, von Anfänger- bis Fortgeschrittenenniveau



Anfängerfragen



1 Was bedeutet „die Fashion Week hat ihre Schwarzen Wurzeln aus den Augen verloren“ eigentlich

Es bedeutet, dass Schwarze Kultur, Stil und Ästhetik historisch gesehen wichtige Treiber von Modetrends waren, die offiziellen Plattformen der Fashion Week jedoch oft versäumen, Schwarze Designer und Kreative angemessen zu würdigen, zu präsentieren oder finanziell zu unterstützen – im Verhältnis zu ihrem Einfluss



2 Was sind die Schwarzen Wurzeln der Fashion Week

Historisch gesehen waren Schwarze Gemeinschaften die Ursprünge vieler großer Modebewegungen. Darüber hinaus waren Schwarze Models, Stylisten und Designer ein integraler Bestandteil der Entwicklung der Branche, selbst als sie ins Abseits gedrängt oder von den Hauptlaufstegen ausgeschlossen wurden



3 Ist die Fashion Week heute tatsächlich vielfältig oder ist es immer noch ein Problem

Während auf den Laufstegen heute sichtbar mehr Vielfalt herrscht als vor 20 Jahren, hat sich das Problem verschoben. Es geht weniger darum, Schwarze Models bei den Shows zu sehen, sondern mehr darum, wem die Marken gehören, wer in der ersten Reihe sitzt und wer die endgültigen kreativen Entscheidungen trifft. Oft wird Schwarze Kultur von großen Marken als Moodboard genutzt, während Schwarze Labels immer noch um dieselben Premium-Plätze und Finanzierungen kämpfen



4 Warum ist das wichtig? Geht es bei Mode nicht nur um Kleidung

Mode ist ein massiver kultureller und wirtschaftlicher Motor. Wenn Schwarze Beiträge ausgelöscht oder tokenisiert werden, verewigt das wirtschaftliche Ungleichheit und kulturelle Aneignung. Es ist wichtig, weil es bestimmt, wer aus den Trends, die in Schwarzen Gemeinschaften entstehen, Wohlstand und Vermächtnis aufbauen kann



5 Können Sie mir ein einfaches Beispiel für diese Auslöschung geben

Ein wichtiges Beispiel ist der Logomania-Trend der 1990er- und 2000er-Jahre. Dieser wurde von Schwarzen Hip-Hop-Künstlern und Streetwear-Marken wie FUBU und Karl Kani populär gemacht. Als europäische Luxushäuser denselben Stil übernahmen, wurden sie jedoch als High Fashion gelobt, während die ursprünglichen Schwarzen Schöpfer oft als „ghetto“ oder „zu urban“ für den Hauptkalender der Fashion Week abgetan wurden







Fortgeschrittene branchenspezifische Fragen