I 1971 placerede Yoko Ono annoncer i lokale aviser, hvor hun annoncerede en soloudstilling på New Yorks Museum of Modern Art. Men da besøgende dukkede op til udstillingen, fandt de et lille skilt uden for indgangen. Det forklarede, at Ono havde sluppet fluer løs på museets område og inviteret folk til at følge dem rundt i byen. I sidste ende var der ingen officiel udstilling indenfor. I stedet havde Ono placeret kameramænd omkring bygningen for at spørge besøgende, hvad de syntes om showet.
Deres reaktioner blev selve kunstværket. Nogle mennesker var begejstrede for den ikke-eksisterende udstilling, mens andre straks forsøgte at finde ud af, hvad det hele betød. Mange afviste Ono fuldstændigt, og en person kaldte hende "skør". Men i det kornede optagelse af begivenheden reagerer en beskuer med ren glæde: et barn. Da intervieweren spørger, hvad han ville synes, hvis udstillingen kun eksisterede i hans fantasi, bryder drengen ud i et smil. "Så har du et meget godt museum der," siger han. "Det er virkelig fedt."
Det klip spiller nu inde i "Yoko Ono: Music of the Mind" på The Broad i Los Angeles, hvor det føles mindre som gamle optagelser og mere som en nøgle til at forstå Onos samlede værk. "Music of the Mind," der løber frem til 11. oktober, er kunstneren, musikeren og aktivistens første soloudstilling på et museum i Sydcalifornien. Den dækker meget af Onos tidlige arbejde, herunder konceptkunst, musik, film, installation, instruktionsværker og aktivisme.
"Yoko har et meget stort univers af værker, der ikke er repræsenteret i showet, og som ikke kunne være det," siger Connor Monahan, hendes studieleder i næsten to årtier. "Der er intet enkelt show, der virkelig kunne dække alt Yokos arbejde."
Udstillingen på The Broad kommer, mens Onos arv bliver genvurderet. Længe afvist af offentligheden som enten en absurd avantgarde-provokatør eller blot "kvinden, der splittede The Beatles," bliver Ono nu bredt anerkendt som en af grundlæggerne af koncept- og performancekunst. "Music of the Mind" fremhæver dette og præsenterer Ono ikke som en kulturel fodnote eller særhed, men som en af de definerende kunstneriske visionærer i det sidste århundrede.
"Der er en ubønhørlig optimisme hos Yoko," siger Monahan. "Mange mennesker, hvis de modtog den slags offentlig kritik, ville ikke fortsætte med at lave mere arbejde. Men hun blev aldrig knækket af det." Han peger på en af Onos mangeårige filosofier: "Tro på dig selv, og du vil ændre verden."
"Fantasi er ikke sekundært i forhold til værket; det er værket," tilføjer Monahan—en idé, som barnet uden for MoMA instinktivt forstod.
Onos syn på fantasi som næring startede tidligt. Som 12-årig, efter at være blevet evakueret fra Tokyo under Anden Verdenskrig, søgte hun og hendes familie tilflugt på den japanske landside. Mad var knap, så Ono og hendes yngre bror Keisuke lå på ryggen, kiggede op på himlen og udvekslede "menuer i luften"—forestillede sig overdådige måltider sammen. Sarah Loyer, kurator og udstillingsleder på The Broad, beskriver disse øjeblikke som "en tro på ens fantasi som en overlevelsesmåde." Ono betragtede senere disse forestillede fester som blandt sine første kunstværker.
Efter at være vendt tilbage til Tokyo, indskrev Ono sig på Gakushuin Universitet i 1952 og blev skolens første kvindelige filosofistuderende. Hun flyttede derefter til USA i 1953 og gik på Sarah Lawrence College, hvor hun studerede poesi og musikalsk komposition.
I begyndelsen af 1960'erne var Ono dybt involveret i New Yorks avantgarde-scene i downtown-området. Hun iscenesatte eksperimentelle forestillinger og instruktionsbaserede værker i sin loftlejlighed på Chambers Street og fangede interessen hos personer som Marcel Duchamp, Peggy Guggenheim, Isamu Noguchi og Robert Rauschenberg.
Installationsbillede af "Yoko Ono: Music of the Mind" på The Broad, Los Angeles, 23. maj–11. oktober 2026.
Med tilladelse fra The Broad. Foto af Joshua White/JWPictures.com. © Yoko Ono
"Music of the Mind" begynder med tre versioner af Lighting Piece (1955), som giver en simpel instruktion: "Tænd en tændstik og se på den, indtil den brænder ud." I nærheden er der billeder af Ono, der udfører stykket, sammen med en sort-hvid film af hende, der tænder en tændstik i hypnotisk slowmotion. Andre steder i gallerierne finder du originale maskinskrevne sider fra Grapefruit, Onos banebrydende bog med instruktionsværker fra 1964. Disse sider inviterer publikum til at "Lyt til lyden af jorden, der drejer," "Tegn et kort for at fare vild," og simpelthen "Flyv." Da hun blev spurgt i et interview i 1971, hvorfor hun skrev bogen, svarede Ono: "Ser du, vi lever og vi dør. Imellem det spiser og sover vi og går rundt—men det er ikke nok for os. Vi må handle vores galskab ud for at være sunde."
Et par rum inde i showet er der et stort hvidt lærred dækket af søm. Nogle har enkelte hårstrå bundet omkring sig. Instruktionen lyder:
"Hammer et søm ind i overfladen hver morgen.
Saml et enkelt hår op, der falder ud, når du redder dig om morgenen.
Bind det hår omkring det hamrede søm."
Hver gang en deltager hamrer endnu et søm ind i lærredet, sender slaget et dybt, ekkoende brag gennem galleriet, hvilket overrasker nærliggende besøgende, før det trækker dem ind til selv at prøve.
Installationsbillede af Painting to Hammer a Nail i "Yoko Ono: Music of the Mind," Gropius Bau, Berlin, Tyskland, 2025.
© Gropius Bau, foto: Luca Girardini. Kunstværk © Yoko Ono
Disse engagerende, interaktive elementer findes gennem hele showet. Selv før de går ind i museet, bliver besøgende bedt om at skrive ønsker på små stykker papir og binde dem på oliventræerne, der allerede vokser på museets plads. Indenfor, i en særlig glædelig aktivitet, bliver besøgende inviteret til at tage store sorte stofsække på og bevæge sig rundt på en hvid platform, deres langsomme, slørede former ligner levende Rorschach-klatter. Andre steder, til Helmets (Pieces of Sky) (2001), søger beskuere gennem suspenderede tyske hjelme fra Anden Verdenskrig og tager himmelmønstrede puslespilsbrikker fra indeni dem med hjem. "Tag et stykke himmel," siger Ono til beskuerne. "Vid, at vi alle er en del af hinanden."
"Værket udfordrer, hvad vi tror, det betyder at være et publikumsmedlem på et museum," siger Loyer. Besøgende, der tøver i kanten af disse deltagende værker, samler langsomt modet til at deltage, efter at have set en anden gå først, og hver interaktion sætter gang i samtaler.
Besøgende udforsker Yoko Onos Add Colour (Refugee Boat) (1960/2016) installeret i "Yoko Ono: Music of the Mind," Tate Modern, London, 2024.
© Yoko Ono. Foto © Oliver Cowling, med tilladelse fra Tate.
Værker, der først blev skabt for årtier siden, får også nye betydninger, efterhånden som verden omkring dem ændrer sig. Add Color (Refugee Boat), en igangværende deltagende installation, der inviterer beskuere til at efterlade beskeder og tegninger på en hvid båd i midten af et helt hvidt rum, har forvandlet sig mange gange gennem årene: først afspejlet den syriske flygtningekrise, derefter Ukraine, og nu Gaza. Under mit besøg skrev beskuere opfordringer til at afskaffe ICE på tværs af væggene, tegnede bølger under båden i forskellige blå nuancer og skrev budskaber om fred på flere sprog.
"Alt hendes arbejde er ufærdigt og konstant skiftende og udviklende over tid," siger Monahan. Kom tilbage til "Music of the Mind" to uger senere, og det vil bogstaveligt talt være anderledes: nye ønsker hængende fra træer, nye beskeder, der dækker vægge, nye fremmede, der fuldfører værket på måder, Ono selv aldrig fuldt ud kunne forudsige. Så længe krig, fordrivelse, kvindehad, racisme, nationalisme og statslig vold fortsætter, føles Onos arbejde stadig slående relevant.
En video af et af Onos mest berømte værker, Cut Piece, første gang opført i Kyoto i 1964, er også udstillet. Under forestillingen sad kunstneren Yoko Ono stille på scenen, mens publikum kom op og klippede stykker af hendes tøj af med sakse. Siden da er stykket blevet fortolket på mange måder: efterkrigstraume, objektgørelse, samtykke, race, sårbarhed og publikums rolle. "Det lægger virkelig ansvaret på beskueren," forklarer Loyer.
Cut Piece, 1964, opført i New Works of Yoko Ono, Carnegie Recital Hall, New York, filmet af David og Albert Maysles, 16mm film, sort-hvid, stereolyd, 8 minutter 27 sekunder.
© Yoko Ono
Selvom udstillingen naturligt berører John Lennons indflydelse, sætter den ham ikke i centrum. Ono mødte Lennon i 1966, aftenen før hendes show åbnede på Londons Indica Gallery. Lennon vandrede ind, klatrede op ad en stige som en del af et stykke, og så gennem et forstørrelsesglas et lille ord trykt på loftet: "YES." Ono huskede senere at have givet ham et kort, der sagde "Breathe," hvilket fik ham til at læne sig så tæt ind, at hun kunne høre ham trække vejret. Så gik han hen til en piedestal, der holdt et æble—selv et kunstværk—og tog en bid. "Jeg blev bleg," huskede Ono. "Jeg tænkte, hvordan vover den fyr at gøre det mod mit værk."
Sammen gjorde Lennon og Ono berømmelse til et redskab for antikrigsaktivisme gennem bed-ins, billboardkampagner, konceptuelle forestillinger og medieaktioner mod Vietnamkrigen. Men berømmelse forvrængede også dybt, hvordan offentligheden så Ono selv.
Bed-In på Amsterdam Hilton Hotel, Holland, 1969.
© Yoko Ono. Foto: Henry Pessar.
Gennem 1970'erne udgav Ono en række politisk ladede, eksperimentelle album, der ofte blev hånet på det tidspunkt, men som nu ses som bemærkelsesværdigt indflydelsesrige—de forudså punk, riot grrrl, no wave og eksperimentel pop årtier før disse stilarter blev mainstream. I sin spoken-word-sang "I Learned to Stutter" fra 1973 siger Ono: "Jeg levede som kunstner og havde relativ frihed som kvinde og blev betragtet som kællingen i samfundet / Siden jeg mødte John, blev jeg opgraderet til en heks, og jeg synes, at det er meget smigrende." Linjen er sjov, skarp og bevidst teatralsk. Men under humoren var der noget meget mere smertefuldt. "Samfundet behandlede mig pludselig som en kvinde, der tilhørte en mand, som er en af de mest magtfulde mennesker i vores generation," fortsætter hun. "Hele samfundet ønskede mig død / Jeg begyndte at akkumulere en enorm mængde skyldkompleks, og som et resultat af det begyndte jeg at stamme."
Siden da har Onos stemme fået ny betydning. Under "Music of the Mind" vil hendes arbejde strække sig ud over selve museet: syv billboards over hele Los Angeles vil vise sætninger som THINK PEACE, ACT PEACE, IMAGINE PEACE og PEACE is POWER. På tværs af gaden fra The Broad vil REDCAT—performancestedet inde i Walt Disney Concert Hall-komplekset—være vært for forestillinger af Cut Piece og Sky Piece to Jesus Christ. Og i august vil musikere som Yo La Tengo, Tune-Yards, Sleater-Kinney, Rufus Wainwright og Yuka Honda genfortolke Onos musik under en større koncert på The Broad.
"Yoko ser kunst som noget, der aldrig har været begrænset til et galleri eller et museum," siger Monahan. "[Hun ser] kunst som en handling eller aktivitet, en provokation eller et skift i perception for publikum." En af Onos yndlingssætninger, forklarer han, er: "Kunstnerens job er ikke at ødelægge, men at ændre værdien af ting."
En sort sæk bliver et redskab til kollektiv leg. Et træ bliver en levende optegnelse af længsel, sorg og håb. Et søm bliver en handling af forbindelse. Onos kunst handler i sidste ende om den skrøbelige, radikale tro på, at en anden måde at se—og derfor en anden måde at leve på—stadig kan være mulig. Forestil dig.
Ofte stillede spørgsmål
Her er en liste over ofte stillede spørgsmål om at besøge Yoko Ono-udstillingen på The Broad, skrevet i en naturlig tone med klare, direkte svar
Generel planlægning
Q Hvad handler Yoko Ono-udstillingen på The Broad om
A Det er en stor oversigtsudstilling af Yoko Onos værker fra 1960'erne til i dag Den fokuserer på hendes interaktive kunst instruktioner og fredsaktivismehvoraf meget inviterer dig til at deltage
Q Hvor lang tid tager det at se hele udstillingen
A De fleste bruger omkring 1 til 15 timer Hvis du planlægger at lave alle de interaktive stykker, så sæt cirka 2 timer af
Q Har jeg brug for en separat billet til Yoko Ono-showet
A Ja The Broads generelle samling er gratis med en tidsbestemt billet, men Yoko Ono-udstillingen kræver en separat betalt billet Bestil den online i forvejen
Q Er udstillingen god for børn
A Absolut Mange stykker er handsonsom at hamre et søm ind i et lærred eller skrive ønsker Det er meget engagerende for børn, men hold øje med dem nær de mere skrøbelige installationer
Q Må jeg tage billeder inde i udstillingen
A Ja ikke-blitz fotografering er tilladt i de fleste områder Nogle meget skrøbelige eller lysfølsomme stykker kan have begrænsninger, men skilte vil fortælle dig det
Kunsten og oplevelsen
Q Hvad betyder instruktionskunst
A Yoko Ono giver dig ofte en skriftlig instruktion i stedet for et færdigt objekt Kunsten er fuldført, når du forestiller dig eller fysisk følger instruktionen
Q Hvilket stykke skal jeg helt sikkert prøve at interagere med
A Prøv helt sikkert Wish Tree Du skriver et ønske på en papirlap og binder det til et træ Også Painting to Hammer a Nail er en klassikerdu hamrer bogstaveligt talt et søm ind i et hvidt panel
Q Er Cut Piece-forestillingen en del af udstillingen
A Den originale forestilling finder ikke sted live, men showet inkluderer dokumentation af Yoko Ono, der udfører Cut Piece i 1960'erne Det er stærkt at se