En 1971, Yoko Ono a placé des annonces dans les journaux locaux pour annoncer une exposition personnelle au Museum of Modern Art de New York. Mais lorsque les visiteurs se sont présentés pour l'exposition, ils ont trouvé un petit panneau à l'extérieur de l'entrée. Il expliquait qu'Ono avait relâché des mouches dans l'enceinte du musée et invitait les gens à les suivre à travers la ville. Finalement, il n'y a pas eu d'exposition officielle à l'intérieur. Au lieu de cela, Ono avait posté des cameramen autour du bâtiment pour demander aux visiteurs ce qu'ils pensaient de l'exposition.

Leurs réactions sont devenues l'œuvre d'art elle-même. Certains ont vanté l'existence inexistante, tandis que d'autres ont immédiatement essayé de comprendre ce que tout cela signifiait. Beaucoup ont rejeté Ono catégoriquement, une personne la qualifiant de "dingue". Mais dans les images granuleuses de l'événement, un spectateur répond avec une joie pure : un enfant. Lorsque l'intervieweur lui demande ce qu'il penserait si l'exposition n'existait que dans son imagination, le garçon affiche un large sourire. "Alors vous avez un très bon musée là-bas", dit-il. "C'est vraiment génial."

Ce clip est désormais diffusé dans "Yoko Ono: Music of the Mind" au Broad à Los Angeles, où il semble moins être une vieille séquence qu'une clé pour comprendre l'ensemble de l'œuvre d'Ono. Jusqu'au 11 octobre, "Music of the Mind" est la première exposition personnelle de l'artiste, musicienne et activiste dans un musée en Californie du Sud. Elle couvre une grande partie des premiers travaux d'Ono, y compris l'art conceptuel, la musique, le film, l'installation, les pièces d'instruction et l'activisme.

"Yoko a un très vaste univers de travail qui n'est pas représenté dans l'exposition, et ne pourrait pas l'être", déclare Connor Monahan, son directeur de studio depuis près de vingt ans. "Il n'y a pas une seule exposition qui pourrait vraiment couvrir tout le travail de Yoko."

L'exposition au Broad arrive alors que l'héritage d'Ono est réexaminé. Longtemps rejetée par le public comme une provocatrice absurde d'avant-garde ou simplement "la femme qui a brisé les Beatles", Ono est désormais largement reconnue comme l'une des figures fondatrices de l'art conceptuel et de la performance. "Music of the Mind" met cela en lumière, présentant Ono non pas comme une note de bas de page culturelle ou une curiosité, mais comme l'une des visionnaires artistiques déterminantes du siècle dernier.

"Il y a un optimisme implacable chez Yoko", dit Monahan. "Beaucoup de gens, s'ils recevaient ce genre de critique publique, ne continueraient pas à produire plus de travail. Mais elle n'a jamais été brisée par cela." Il souligne l'une des philosophies de longue date d'Ono : "Croyez en vous et vous changerez le monde."

"L'imagination n'est pas secondaire par rapport à l'œuvre ; elle est l'œuvre", ajoute Monahan—une idée que l'enfant devant le MoMA a instinctivement comprise.

La vision d'Ono de l'imagination comme nourriture a commencé tôt. À 12 ans, après avoir été évacuée de Tokyo pendant la Seconde Guerre mondiale, elle et sa famille se sont réfugiées dans la campagne japonaise. La nourriture était rare, alors Ono et son jeune frère Keisuke s'allongeaient sur le dos, regardant le ciel et échangeant des "menus dans l'air"—imaginant ensemble des repas élaborés. Sarah Loyer, conservatrice et responsable des expositions au Broad, décrit ces moments comme "une croyance en son imagination comme mode de survie". Ono a plus tard considéré ces festins imaginés parmi ses premières œuvres d'art.

Après son retour à Tokyo, Ono s'est inscrite à l'Université Gakushuin en 1952, devenant la première femme étudiante en philosophie de l'école. Elle a ensuite déménagé aux États-Unis en 1953 et a fréquenté le Sarah Lawrence College, où elle a étudié la poésie et la composition musicale.

Au début des années 1960, Ono était profondément impliquée dans la scène d'avant-garde du centre-ville de New York. Elle a organisé des performances expérimentales et des œuvres basées sur des instructions dans son loft de Chambers Street, attirant l'intérêt de figures comme Marcel Duchamp, Peggy Guggenheim, Isamu Noguchi et Robert Rauschenberg.

Vue de l'installation de "Yoko Ono: Music of the Mind" au Broad, Los Angeles, du 23 mai au 11 octobre 2026.
Avec l'aimable autorisation du Broad. Photo par Joshua White/JWPictures.com. © Yoko Ono

"Music of the Mind" commence par trois versions de Lighting Piece (1955), qui donne une instruction simple : "Allume une allumette et regarde jusqu'à ce qu'elle s'éteigne." À proximité se trouvent des photos d'Oo interprétant la pièce, ainsi qu'un film en noir et blanc d'elle frottant une allumette au ralenti hypnotique. Ailleurs dans les galeries, vous trouverez des pages dactylographiées originales de Grapefruit, le livre révolutionnaire d'œuvres d'instruction d'Ono publié en 1964. Ces pages invitent le public à "Écouter le son de la terre qui tourne", "Dessiner une carte pour se perdre" et simplement "Voler". Interrogée en 1971 sur la raison pour laquelle elle avait écrit le livre, Ono a répondu : "Vous voyez, nous vivons et nous mourons. Entre les deux, nous mangeons, dormons et nous promenons—mais cela ne nous suffit pas. Nous devons jouer notre folie pour être sains d'esprit."

Quelques salles plus loin dans l'exposition, il y a une grande toile blanche couverte de clous. Certains ont des mèches de cheveux humains attachées autour. L'instruction se lit :
"Enfonce un clou dans la surface chaque matin.
Ramasse un seul cheveu qui tombe en te peignant le matin.
Attache ce cheveu autour du clou enfoncé."

Chaque fois qu'un participant enfonce un autre clou dans la toile, le coup envoie un boom profond et résonnant à travers la galerie, surprenant les visiteurs à proximité avant de les attirer pour essayer eux-mêmes.

Vue de l'installation de Painting to Hammer a Nail dans "Yoko Ono: Music of the Mind", Gropius Bau, Berlin, Allemagne, 2025.
© Gropius Bau, photo : Luca Girardini. Œuvre © Yoko Ono

Ces éléments interactifs et engageants se retrouvent tout au long de l'exposition. Avant même d'entrer dans le musée, les visiteurs sont invités à écrire des vœux sur de petits morceaux de papier et à les attacher aux oliviers déjà plantés sur la place du musée. À l'intérieur, dans une activité particulièrement joyeuse, les visiteurs sont invités à enfiler de grands sacs en tissu noir et à se déplacer sur une plateforme blanche, leurs formes lentes et floues ressemblant à des taches d'encre de Rorschach vivantes. Ailleurs, pour Helmets (Pieces of Sky) (2001), les spectateurs fouillent dans des casques de l'armée allemande de la Seconde Guerre mondiale suspendus, prenant des pièces de puzzle à motif de ciel à l'intérieur pour les ramener chez eux. "Prends un morceau de ciel", dit Ono aux spectateurs. "Sache que nous faisons tous partie les uns des autres."

"L'œuvre remet en question ce que nous pensons que signifie être un membre du public dans un musée", dit Loyer. Les visiteurs qui hésitent en bordure de ces œuvres participatives rassemblent lentement le courage de se joindre après avoir regardé quelqu'un d'autre passer en premier, et chaque interaction suscite des conversations.

Les visiteurs explorent Add Colour (Refugee Boat) (1960/2016) de Yoko Ono installé dans "Yoko Ono: Music of the Mind", Tate Modern, Londres, 2024.
© Yoko Ono. Photo © Oliver Cowling, avec l'aimable autorisation de Tate.

Des œuvres créées pour la première fois il y a des décennies prennent également de nouvelles significations à mesure que le monde change autour d'elles. Add Color (Refugee Boat), une installation participative continue qui invite les spectateurs à laisser des messages et des dessins sur un bateau blanc au centre d'une pièce entièrement blanche, s'est transformée de nombreuses fois au fil des ans : reflétant d'abord la crise des réfugiés syriens, puis l'Ukraine, et maintenant Gaza. Lors de ma visite, les spectateurs ont griffonné des appels à abolir l'ICE sur les murs, dessiné des vagues sous le bateau dans différentes nuances de bleu, et écrit des messages de paix dans plusieurs langues.

"Toute son œuvre est inachevée et change et évolue constamment avec le temps", dit Monahan. Revenez à "Music of the Mind" deux semaines plus tard, et ce sera littéralement différent : de nouveaux vœux suspendus aux arbres, de nouveaux messages couvrant les murs, de nouveaux inconnus complétant l'œuvre de manière qu'Ono elle-même ne pourrait jamais entièrement prédire. Tant que la guerre, le déplacement, la misogynie, le racisme, le nationalisme et la violence d'État continuent, l'œuvre d'Ono reste remarquablement pertinente.

Une vidéo de l'une des œuvres les plus célèbres d'Ono, Cut Piece, interprétée pour la première fois à Kyoto en 1964, est également exposée. Pendant la performance, l'artiste Yoko Ono était assise en silence sur scène tandis que les membres du public montaient et coupaient des morceaux de ses vêtements avec des ciseaux. Depuis lors, la pièce a été interprétée de nombreuses façons : traumatisme d'après-guerre, objectification, consentement, race, vulnérabilité et le rôle du public. "Cela met vraiment la responsabilité sur le spectateur", explique Loyer.

Cut Piece, 1964, interprété dans New Works of Yoko Ono, Carnegie Recital Hall, New York, filmé par David et Albert Maysles, film 16 mm, noir et blanc, son stéréo, 8 minutes 27 secondes.
© Yoko Ono

Bien que l'exposition aborde naturellement l'influence de John Lennon, elle ne le met pas au centre. Ono a rencontré Lennon en 1966, la veille de l'ouverture de son exposition à la Indica Gallery de Londres. Lennon est entré, a grimpé une échelle dans le cadre d'une pièce, et à travers une loupe a vu un tout petit mot imprimé au plafond : "YES". Ono a plus tard raconté lui avoir tendu une carte qui disait "Breathe", ce qui l'a fait se pencher si près qu'elle pouvait l'entendre inspirer. Puis il s'est dirigé vers un piédestal tenant une pomme—elle-même une œuvre d'art—et en a pris une bouchée. "J'ai pâli", se souvient Ono. "Je pensais, comment cet homme ose-t-il faire ça à mon travail."

Ensemble, Lennon et Ono ont transformé la célébrité en un outil pour l'activisme anti-guerre à travers des bed-ins, des campagnes d'affichage, des performances conceptuelles et des actions médiatiques contre la guerre du Vietnam. Mais la célébrité a aussi profondément déformé la façon dont le public voyait Ono elle-même.

Bed-In à l'Amsterdam Hilton Hotel, Pays-Bas, 1969.
© Yoko Ono. Photo : Henry Pessar.

Tout au long des années 1970, Ono a sorti une série d'albums expérimentaux politiquement chargés qui étaient souvent moqués à l'époque mais sont maintenant considérés comme remarquablement influents—préfigurant le punk, le riot grrrl, le no wave et la pop expérimentale des décennies avant que ces styles ne deviennent courants. Dans sa chanson parlée de 1973 "I Learned to Stutter", Ono dit : "Je vivais en tant qu'artiste et avais une liberté relative en tant que femme et étais considérée comme la garce de la société / Depuis que j'ai rencontré John, j'ai été promue au rang de sorcière et je pense que c'est très flatteur." La ligne est drôle, acérée et délibérément théâtrale. Mais sous l'humour se cachait quelque chose de bien plus douloureux. "La société m'a soudainement traitée comme une femme appartenant à un homme qui est l'une des personnes les plus puissantes de notre génération", continue-t-elle. "Toute la société souhaitait ma mort / J'ai commencé à accumuler une énorme quantité de complexe de culpabilité et en conséquence, j'ai commencé à bégayer."

Depuis lors, la voix d'Ono a trouvé un nouveau sens. Pendant la durée de "Music of the Mind", son travail s'étendra au-delà du musée lui-même : sept panneaux d'affichage à travers Los Angeles afficheront des phrases comme THINK PEACE, ACT PEACE, IMAGINE PEACE, et PEACE is POWER. En face du Broad, REDCAT—l'espace de performance dans le complexe du Walt Disney Concert Hall—accueillera des performances de Cut Piece et Sky Piece to Jesus Christ. Et en août, des musiciens dont Yo La Tengo, Tune-Yards, Sleater-Kinney, Rufus Wainwright et Yuka Honda réinterpréteront la musique d'Ono lors d'un grand concert au Broad.

"Yoko voit l'art comme quelque chose qui n'a jamais été limité à une galerie ou un musée", dit Monahan. "[Elle voit] l'art comme une action ou une activité, une provocation ou un changement de perception pour le public." L'un des dictons préférés d'Ono, explique-t-il, est : "Le travail de l'artiste n'est pas de détruire mais de changer la valeur des choses."

Un sac noir devient un outil de jeu collectif. Un arbre devient un enregistrement vivant de désir, de chagrin et d'espoir. Un clou devient un acte de connexion. L'art d'Ono parle en fin de compte de la croyance fragile et radicale qu'une autre façon de voir—et donc une autre façon de vivre—pourrait encore être possible. Imaginez.



Questions Fréquemment Posées
Voici une liste de FAQ sur la visite de l'exposition Yoko Ono au Broad, rédigée dans un ton naturel avec des réponses claires et directes.







Planification Générale



Q : De quoi parle l'exposition Yoko Ono au Broad ?

R : C'est une grande rétrospective du travail de Yoko Ono, des années 1960 à aujourd'hui. Elle se concentre sur son art interactif, ses instructions et son activisme pour la paix—dont une grande partie vous invite à participer.



Q : Combien de temps faut-il pour voir toute l'exposition ?

R : La plupart des gens passent environ 1 à 1h30. Si vous prévoyez de faire chaque pièce interactive, prévoyez plutôt 2 heures.



Q : Ai-je besoin d'un billet séparé pour l'exposition Yoko Ono ?

R : Oui. La collection générale du Broad est gratuite avec un billet horodaté, mais l'exposition Yoko Ono nécessite un billet payant séparé. Réservez-le en ligne à l'avance.



Q : L'exposition est-elle adaptée aux enfants ?

R : Absolument. De nombreuses pièces sont pratiques—comme enfoncer un clou dans une toile ou écrire des vœux. C'est très engageant pour les enfants, mais surveillez-les près des installations les plus fragiles.



Q : Puis-je prendre des photos à l'intérieur de l'exposition ?

R : Oui, la photographie sans flash est autorisée dans la plupart des zones. Certaines pièces très fragiles ou sensibles à la lumière peuvent avoir des restrictions, mais des panneaux vous le diront.



L'Art et l'Expérience



Q : Que signifie l'art d'instruction ?

R : Yoko Ono vous donne souvent une instruction écrite plutôt qu'un objet fini. L'art est complété lorsque vous imaginez ou suivez physiquement l'instruction.



Q : Quelle pièce devrais-je absolument essayer d'interagir ?

R : Essayez absolument Wish Tree. Vous écrivez un vœu sur une étiquette en papier et l'attachez à un arbre. Aussi, Painting to Hammer a Nail est un classique—vous enfoncez littéralement un clou dans un panneau blanc.



Q : La performance Cut Piece fait-elle partie de l'exposition ?

R : La performance originale n'a pas lieu en direct, mais l'exposition inclut des documents de Yoko Ono interprétant Cut Piece dans les années 1960. C'est puissant à regarder.