Nel 1971, Yoko Ono pubblicò annunci sui giornali locali per annunciare una mostra personale al Museum of Modern Art di New York. Ma quando i visitatori si presentarono per l'esposizione, trovarono un piccolo cartello fuori dall'ingresso. Spiegava che Ono aveva liberato delle mosche nei giardini del museo e invitava le persone a seguirle per la città. Alla fine, non ci fu alcuna mostra ufficiale all'interno. Invece, Ono aveva posizionato degli operatori cinematografici intorno all'edificio per chiedere ai visitatori cosa pensassero della mostra.

Le loro reazioni divennero l'opera d'arte stessa. Alcuni si entusiasmarono per l'inesistente esposizione, mentre altri cercarono subito di capire cosa significasse tutto ciò. Molti liquidarono Ono senza mezzi termini, con una persona che la definì "pazza". Ma nelle immagini granulose dell'evento, uno spettatore risponde con pura gioia: un bambino. Quando l'intervistatore chiede cosa penserebbe se la mostra esistesse solo nella sua immaginazione, il ragazzo si illumina in un sorriso. "Allora hai un museo molto bello lì", dice. "È davvero fantastico".

Quel filmato ora viene proiettato all'interno di "Yoko Ono: Music of the Mind" al The Broad di Los Angeles, dove sembra meno un vecchio filmato e più una chiave per comprendere l'intera opera di Ono. In programma fino all'11 ottobre, "Music of the Mind" è la prima mostra personale museale dell'artista, musicista e attivista nel Sud della California. Copre gran parte del lavoro giovanile di Ono, tra cui arte concettuale, musica, film, installazioni, opere basate su istruzioni e attivismo.

"Yoko ha un universo di opere molto vasto che non è rappresentato nella mostra, e non potrebbe esserlo", dice Connor Monahan, suo direttore di studio per quasi due decenni. "Non esiste una mostra che possa davvero coprire tutto il lavoro di Yoko".

La mostra al The Broad arriva mentre l'eredità di Ono viene riesaminata. A lungo liquidata dal pubblico come una provocatrice d'avanguardia assurda o semplicemente "la donna che ha sciolto i Beatles", Ono è ora ampiamente riconosciuta come una delle figure fondatrici dell'arte concettuale e performativa. "Music of the Mind" lo evidenzia, presentando Ono non come una nota a piè di pagina culturale o una stranezza, ma come una delle visionarie artistiche determinanti del secolo scorso.

"C'è un ottimismo implacabile in Yoko", dice Monahan. "Molte persone, se avessero ricevuto quel tipo di critica pubblica, non continuerebbero a creare altre opere. Ma lei non è mai stata spezzata da questo." Indica una delle filosofie di lunga data di Ono: "Credi in te stesso e cambierai il mondo".

"L'immaginazione non è secondaria rispetto all'opera; è l'opera", aggiunge Monahan, un'idea che il bambino fuori dal MoMA aveva istintivamente compreso.

La visione di Ono dell'immaginazione come nutrimento è iniziata presto. A 12 anni, dopo essere stata evacuata da Tokyo durante la Seconda Guerra Mondiale, lei e la sua famiglia trovarono rifugio nella campagna giapponese. Il cibo scarseggiava, così Ono e suo fratello minore Keisuke si sdraiavano sulla schiena, guardando il cielo e scambiandosi "menu nell'aria", immaginando insieme pasti elaborati. Sarah Loyer, curatrice e responsabile delle mostre al The Broad, descrive quei momenti come "una fede nella propria immaginazione come modalità di sopravvivenza". Ono in seguito considerò questi banchetti immaginati tra le sue prime opere d'arte.

Dopo essere tornata a Tokyo, Ono si iscrisse all'Università Gakushuin nel 1952, diventando la prima studentessa di filosofia della scuola. Si trasferì poi negli Stati Uniti nel 1953 e frequentò il Sarah Lawrence College, dove studiò poesia e composizione musicale.

All'inizio degli anni '60, Ono era profondamente coinvolta nella scena d'avanguardia del centro di New York. Metteva in scena performance sperimentali e opere basate su istruzioni nel suo loft di Chambers Street, attirando l'interesse di figure come Marcel Duchamp, Peggy Guggenheim, Isamu Noguchi e Robert Rauschenberg.

Veduta dell'installazione di "Yoko Ono: Music of the Mind" al The Broad, Los Angeles, 23 maggio–11 ottobre 2026.
Per gentile concessione di The Broad. Foto di Joshua White/JWPictures.com. © Yoko Ono

"Music of the Mind" inizia con tre versioni di **Lighting Piece** (1955), che dà una semplice istruzione: "Accendi un fiammifero e guardalo finché non si spegne". Nelle vicinanze ci sono foto di Ono che esegue il pezzo, insieme a un film in bianco e nero che la mostra mentre accende un fiammifero al rallentatore ipnotico. In altre parti delle gallerie, troverai pagine originali dattiloscritte di **Grapefruit**, il rivoluzionario libro del 1964 di Ono contenente opere basate su istruzioni. Queste pagine invitano il pubblico ad "Ascoltare il suono della terra che gira", "Disegnare una mappa per perdersi" e semplicemente "Volare". Quando in un'intervista del 1971 le fu chiesto perché avesse scritto il libro, Ono rispose: "Vedi, noi viviamo e moriamo. Nel mezzo mangiamo, dormiamo e camminiamo, ma questo non ci basta. Dobbiamo mettere in atto la nostra follia per essere sani".

A poche stanze dall'inizio della mostra, c'è una grande tela bianca ricoperta di chiodi. Alcuni hanno singole ciocche di capelli umani legate intorno. L'istruzione recita:
"Conficca un chiodo nella superficie ogni mattina.
Raccogli un singolo capello che cade quando ti pettini la mattina.
Lega quel capello intorno al chiodo conficcato."

Ogni volta che un partecipante conficca un altro chiodo nella tela, il colpo produce un rimbombo profondo ed echeggiante attraverso la galleria, sorprendendo i visitatori vicini prima di attirarli a provare loro stessi.

Veduta dell'installazione di **Painting to Hammer a Nail** in "Yoko Ono: Music of the Mind", Gropius Bau, Berlino, Germania, 2025.
© Gropius Bau, foto: Luca Girardini. Opera d'arte © Yoko Ono

Questi elementi interattivi e coinvolgenti si trovano in tutta la mostra. Anche prima di entrare nel museo, ai visitatori viene chiesto di scrivere desideri su piccoli pezzi di carta e di legarli agli ulivi che già crescono sulla piazza del museo. All'interno, in un'attività particolarmente gioiosa, i visitatori sono invitati a indossare grandi sacchi di stoffa nera e a muoversi su una piattaforma bianca, le loro forme lente e sfocate che sembrano macchie di Rorschach viventi. Altrove, per **Helmets (Pieces of Sky)** (2001), gli spettatori cercano tra elmetti dell'esercito tedesco della Seconda Guerra Mondiale sospesi, prendendo pezzi di puzzle a forma di cielo dall'interno per portarli a casa. "Prendi un pezzo di cielo", dice Ono agli spettatori. "Sappi che siamo tutti parte gli uni degli altri".

"Il lavoro sfida ciò che pensiamo significhi essere un membro del pubblico in un museo", dice Loyer. I visitatori che esitano ai margini di queste opere partecipative raccolgono lentamente il coraggio di unirsi dopo aver visto qualcun altro fare il primo passo, e ogni interazione innesca conversazioni.

I visitatori esplorano **Add Colour (Refugee Boat)** (1960/2016) di Yoko Ono installata in "Yoko Ono: Music of the Mind", Tate Modern, Londra, 2024.
© Yoko Ono. Foto © Oliver Cowling, per gentile concessione di Tate.

Opere create decenni fa assumono anche nuovi significati mentre il mondo intorno a loro cambia. **Add Color (Refugee Boat)**, un'installazione partecipativa in corso che invita gli spettatori a lasciare messaggi e disegni su una barca bianca al centro di una stanza tutta bianca, si è trasformata molte volte nel corso degli anni: prima riflettendo la crisi dei rifugiati siriani, poi l'Ucraina, e ora Gaza. Durante la mia visita, gli spettatori hanno scarabocchiato appelli per abolire l'ICE sui muri, disegnato onde sotto la barca in diverse tonalità di blu e scritto messaggi di pace in più lingue.

"Tutto il suo lavoro è incompiuto e cambia e si evolve costantemente nel tempo", dice Monahan. Torna a "Music of the Mind" due settimane dopo, e sarà letteralmente diverso: nuovi desideri appesi agli alberi, nuovi messaggi che coprono i muri, nuovi sconosciuti che completano l'opera in modi che Ono stessa non potrebbe mai prevedere completamente. Finché guerra, sfollamento, misoginia, razzismo, nazionalismo e violenza di Stato continueranno, il lavoro di Ono sembra ancora sorprendentemente rilevante.

Un video di una delle opere più famose di Ono, **Cut Piece**, eseguita per la prima volta a Kyoto nel 1964, è anche in mostra. Durante la performance, l'artista Yoko Ono sedeva in silenzio sul palco mentre i membri del pubblico si avvicinavano e tagliavano pezzi dei suoi vestiti con delle forbici. Da allora, il pezzo è stato interpretato in molti modi: trauma del dopoguerra, oggettivazione, consenso, razza, vulnerabilità e il ruolo del pubblico. "Mette davvero la responsabilità sullo spettatore", spiega Loyer.

**Cut Piece**, 1964, eseguita in **New Works of Yoko Ono**, Carnegie Recital Hall, New York, filmato da David e Albert Maysles, pellicola 16mm, bianco e nero, suono stereo, 8 minuti e 27 secondi.
© Yoko Ono

Sebbene la mostra tocchi naturalmente l'influenza di John Lennon, non lo mette al centro. Ono incontrò Lennon nel 1966, la sera prima dell'apertura della sua mostra all'Indica Gallery di Londra. Lennon entrò, salì su una scala come parte di un pezzo, e attraverso una lente d'ingrandimento vide una piccola parola stampata sul soffitto: "YES". Ono ricordò in seguito di avergli dato un biglietto che diceva "Breathe", che lo fece avvicinare così tanto che lei poté sentirlo inspirare. Poi si avvicinò a un piedistallo che reggeva una mela, essa stessa un'opera d'arte, e la addentò. "Sono impallidita", ricordò Ono. "Ho pensato, come osa questo tipo fare questo al mio lavoro".

Insieme, Lennon e Ono trasformarono la celebrità in uno strumento per l'attivismo contro la guerra attraverso bed-in, campagne pubblicitarie, performance concettuali e azioni mediatiche contro la guerra del Vietnam. Ma la celebrità distorse anche profondamente il modo in cui il pubblico vedeva la stessa Ono.

**Bed-in all'Amsterdam Hilton Hotel, Paesi Bassi, 1969.**
© Yoko Ono. Foto: Henry Pessar.

Durante gli anni '70, Ono pubblicò una serie di album sperimentali e politicamente carichi che furono spesso derisi all'epoca ma sono ora visti come straordinariamente influenti, anticipando punk, riot grrrl, no wave e pop sperimentale decenni prima che questi stili diventassero mainstream. Nella sua canzone parlata del 1973 "I Learned to Stutter", Ono dice: "Vivevo come artista e avevo una relativa libertà come donna ed ero considerata la stronza nella società / Da quando ho incontrato John, sono stata promossa a strega e penso che sia molto lusinghiero". La battuta è divertente, tagliente e consapevolmente teatrale. Ma sotto l'umorismo c'era qualcosa di molto più doloroso. "La società improvvisamente mi ha trattato come una donna che apparteneva a un uomo che è una delle persone più potenti della nostra generazione", continua. "L'intera società desiderava che morissi / Ho iniziato ad accumulare un'enorme quantità di senso di colpa e come risultato ho iniziato a balbettare".

Da allora, la voce di Ono ha trovato un nuovo significato. Durante il periodo di "Music of the Mind", il suo lavoro si estenderà oltre il museo stesso: sette cartelloni pubblicitari in tutta Los Angeles mostreranno frasi come THINK PEACE, ACT PEACE, IMAGINE PEACE e PEACE is POWER. Dall'altra parte della strada rispetto al The Broad, il REDCAT, lo spazio per performance all'interno del complesso della Walt Disney Concert Hall, ospiterà performance di **Cut Piece** e **Sky Piece to Jesus Christ**. E ad agosto, musicisti tra cui Yo La Tengo, Tune-Yards, Sleater-Kinney, Rufus Wainwright e Yuka Honda reinterpretaranno la musica di Ono durante un grande concerto al The Broad.

"Yoko vede l'arte come qualcosa che non è mai stato limitato a una galleria o a un museo", dice Monahan. "[Lei vede] l'arte come un'azione o un'attività, una provocazione o un cambiamento di percezione per il pubblico." Uno dei detti preferiti di Ono, spiega, è: "Il compito dell'artista non è distruggere ma cambiare il valore delle cose".

Un sacco nero diventa uno strumento per il gioco collettivo. Un albero diventa una registrazione vivente di desiderio, dolore e speranza. Un chiodo diventa un atto di connessione. L'arte di Ono riguarda in definitiva la fragile e radicale convinzione che un altro modo di vedere, e quindi un altro modo di vivere, possa essere ancora possibile. Immagina.

**Domande Frequenti**

Ecco un elenco di domande frequenti sulla visita alla mostra di Yoko Ono al The Broad, scritte con un tono naturale e risposte chiare e dirette.

**Pianificazione Generale**

**D: Di cosa tratta la mostra di Yoko Ono al The Broad?**
**R:** È un'importante retrospettiva del lavoro di Yoko Ono, dagli anni '60 a oggi. Si concentra sulla sua arte interattiva, le istruzioni e l'attivismo per la pace, gran parte della quale ti invita a partecipare.

**D: Quanto tempo ci vuole per vedere l'intera mostra?**
**R:** La maggior parte delle persone impiega circa 1 ora e mezza. Se hai intenzione di fare ogni attività interattiva, calcola circa 2 ore.

**D: Ho bisogno di un biglietto separato per la mostra di Yoko Ono?**
**R:** Sì. La collezione generale del Broad è gratuita con un biglietto con orario, ma la mostra di Yoko Ono richiede un biglietto a pagamento separato. Prenotalo online in anticipo.

**D: La mostra è adatta ai bambini?**
**R:** Assolutamente sì. Molte opere sono pratiche, come piantare un chiodo in una tela o scrivere desideri. È molto coinvolgente per i bambini, ma tienili d'occhio vicino alle installazioni più fragili.

**D: Posso fare foto all'interno della mostra?**
**R:** Sì, la fotografia senza flash è consentita nella maggior parte delle aree. Alcuni pezzi molto fragili o sensibili alla luce potrebbero avere restrizioni, ma i cartelli te lo diranno.

**L'Arte e l'Esperienza**

**D: Cosa significa arte basata su istruzioni?**
**R:** Yoko Ono spesso ti dà un'istruzione scritta piuttosto che un oggetto finito. L'arte è completata quando tu immagini o segui fisicamente l'istruzione.

**D: Con quale opera dovrei assolutamente interagire?**
**R:** Prova assolutamente **Wish Tree**. Scrivi un desiderio su un'etichetta di carta e legalo a un albero. Anche **Painting to Hammer a Nail** è un classico: pianti letteralmente un chiodo in un pannello bianco.

**D: La performance di Cut Piece fa parte della mostra?**
**R:** La performance originale non si svolge dal vivo, ma la mostra include documentazione di Yoko Ono che esegue **Cut Piece** negli anni '60. È potente da guardare.