¿Es esta la parte trasera de un vestido de mujer? Me pregunto, parado frente a una pintura rojo cereza de Domenico Gnoli en Lévy Gorvy Dayan.
Es solo cuando retrocedo varios pies del gran lienzo, de más de cinco pies cuadrados, que me doy cuenta de que la obra representa un nudo de corbata, recortado y ampliado tan estrechamente que se vuelve casi abstracto. De cerca, me cautivan las líneas rítmicas y perfectamente ejecutadas de la tela acanalada. Bajo la mano del difunto artista italiano, este objeto ordinario adquiere una cualidad escultórica, que recuerda a las pinturas de Park Seo-Bo, donde líneas de lápiz repetidas se tallan en una superficie aún húmeda para crear una textura tridimensional.
Ese meticuloso efecto trampantojo es solo una de las innumerables técnicas que Gnoli dominó, como se muestra en esta retrospectiva en Lévy Gorvy Dayan—la exposición estadounidense más grande de su obra desde 1969. En su corta vida (Gnoli tenía solo 36 años cuando murió de cáncer en 1970), el artista nacido en Roma logró gran éxito como ilustrador de libros infantiles y revistas como Sports Illustrated y Life; como diseñador de vestuario y escenografía; y finalmente como pintor con un estilo único y atemporal que bebe del Surrealismo, el arte pop y el Arte Povera. Titulada "La aventura de Domenico Gnoli", la exposición presenta 17 pinturas ejemplares, junto con dibujos, grabados, cuadernos, cartas y efímeras rara vez vistos, de la cúspide de su carrera entre 1965 y 1969. Con solo 160 a 170 pinturas maduras existentes, la mayoría en colecciones privadas, reunir estas obras no fue tarea fácil.
Domenico Gnoli, Nudo de corbata rojo, 1969. Acrílico y arena sobre lienzo. 63 ¹⁄₈ × 63 ¹⁄₈ pulgadas (160.2 × 160.2 cm). Colección privada, cortesía de HomeArt.
© 2026 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/SIAE, Roma, cortesía de Lévy Gorvy Dayan, Nueva York.
"Los coleccionistas de Gnoli suelen ser muy reacios a desprenderse de sus obras, incluso como préstamos", dice Amalia Dayan, quien dirige la galería con Dominique Lévy y Brett Gorvy, a Vogue. Muchas de sus piezas permanecen con sus dueños originales o han sido transmitidas a través de familias. "Existe un culto a Gnoli", continúa Dayan. "Una vez que te adentras y comprendes su universo complejo, se convierte en una obsesión". Su propia obsesión comenzó hace más de una década cuando presentó exposiciones de Gnoli en 2012 y 2018 en su antigua galería, Luxembourg & Dayan (ahora Luxembourg + Co.).
La nueva exposición de Lévy Gorvy Dayan requirió una estrecha colaboración con la herencia de Gnoli, que incluye los Archivos Domenico Gnoli en Mallorca—dirigidos por la viuda del artista, Yannick Vu, y su actual esposo, Ben Jakober, también artista y amigo cercano de Gnoli—y el Archivio Domenico Gnoli en Roma, dirigido por la hermana del artista, Mimì Gnoli, y el Archivo Livia Polidoro-Gnoli.
Vista de la instalación de "La aventura de Domenico Gnoli", Lévy Gorvy Dayan, Nueva York, 2026. Izquierda: Cuello de vestido rojo, 1969. Acrílico y arena sobre lienzo. 59¼ × 67 pulgadas (150.5 × 170.2 cm). Derecha: Tour de cou 15½, 1966. Acrílico y arena sobre lienzo. 47¼ × 63 pulgadas (120 × 160 cm)
Todas las obras de Domenico Gnoli © 2026 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/SIAE, Roma, cortesía de Lévy Gorvy Dayan, Nueva York. Foto: Elisabeth Bernstein
Reflexionando sobre la importancia de la muestra, Vu, una artista franco-vietnamita e hija del eminente pintor vietnamita Vu Cao Dam, le cuenta a Vogue lo "vital" que fue Nueva York para Gnoli. "Es donde comenzó su verdadera carrera a fines de la década de 1950 y donde terminó", dice, refiriéndose a su exposición individual de 1969 en la Galería Sidney Janis como una "consagración" para él. A pesar de provenir de una familia con un rico bagaje cultural (su madre era ceramista; su padre un estimado curador de museo e historiador del arte; su abuelo, que compartía su nombre, era un famoso poeta y amigo del escritor y político francés François-René de Chateaubriand), Gnoli creía que Nueva York y Francia eran "los únicos lugares donde uno podía desarrollarse como artista", dice Vu.
De hecho, después de mudarse a Nueva York, Gnoli conoció a alguien que cambiaría su vida: Diana Vreeland. La ex consultora del Instituto del Vestido del Met y editora en jefe de Vogue se convirtió en una gran amiga y coleccionista de su obra. "Era la persona más generosa y extraordinaria", dice Vu. En el verano de 1969, Vreeland visitó la casa de Vu y Gnoli en Mallorca, donde vio las pinturas que él preparaba para su exposición en la galería Janis (varias de las cuales ahora se exhiben en la exposición de Lévy Gorvy Dayan). Más tarde publicó fotografías de la inauguración en Janis en la sección "La gente habla de..." de la edición del 15 de enero de 1970 de Vogue.
Mientras estaba en Nueva York, Gnoli se casó con la modelo Luisa Gilardenghi, quien lo presentó a Richard Avedon, Bob Silvers y otros creativos e intelectuales de la ciudad. Sin embargo, después de su amargo divorcio, Gnoli se mudó a París en 1962 por consejo de su amigo Jakober.
Gnoli y Vu se conocieron en Francia y se casaron en 1965, pasando gran parte de su tiempo posterior en Mallorca, donde varios amigos también tenían casas. La isla española es donde Gnoli creó muchas de sus pinturas más magníficas. "Domenico encontró la libertad para expresarse realmente allí", dice Vu. (Hoy, Jakober y Vu dividen su tiempo entre Marrakech y Mallorca, donde dirigen un museo y archivo de su colección, el Museo Sa Bassa Blanca, que incluye una galería dedicada a Gnoli). También fue allí donde desarrolló su técnica característica de mezclar arena de las playas locales con pegamento vinílico y pigmentos para dar a sus lienzos una textura rústica, similar a un fresco. Este efecto granulado es especialmente visible en **Il grand letto azzurro** (1965), presentado en la muestra de Lévy Gorvy Dayan, donde una mirada cercana al cubrecama verde azulado revela un patrón floral beige creado con arena sin pigmentar.
"Siempre estaba buscando su propio camino", dice Dayan. "Lo que hace que la obra de Gnoli sea tan singular es este aislamiento del detalle. Eso luego roza la abstracción y el minimalismo porque es tan reducido y preciso".
Otra característica de su obra es representar objetos cotidianos—especialmente detalles de ropa como cremalleras, botones, cuellos o la parte trasera de un zapato—con un sentido de gravedad. "Mis temas provienen del mundo que me rodea, situaciones familiares, la vida cotidiana; porque nunca me interpongo activamente contra el objeto, experimento la magia de su presencia", dijo una vez el artista. Y de hecho, contemplar una pintura de Gnoli es una experiencia meditativa, donde nuevos detalles emergen tanto más tiempo miras como más lejos retrocedes del lienzo.
A lo largo de la exposición de Lévy Gorvy Dayan están las observaciones de Gnoli de lo cotidiano, comenzando con **Pantalones a rayas** (1969) y **Pelo rojo rizado** (1969). Mientras que el primero es una de muchas imágenes sartoriales estrechamente recortadas que traen a la mente las pinturas en escala de grises de Issy Wood, el último se asemeja mucho a los retratos de Anna Weyant de mujeres jóvenes con melenas fluidas.
"Me atrae su moderación—todo se siente claro y deliberado—y sus formas simplificadas y esculpidas con distorsiones sutiles", le dice Weyant a Vogue sobre Gnoli. Ella lo cuenta entre sus pintores favoritos. "Tenía una forma brillante de convertir objetos y escenas ordinarias y familiares en imágenes magnéticas y psicológicamente cargadas". También disfruta del humor en su obra, que es especialmente evidente en una sala del piso superior dedicada a los dibujos de Gnoli—como un boceto donde rostros emotivos cubren cada seno de un pecho.
En la primera planta de la galería, una sala muestra ejemplos del trabajo más conceptual de Gnoli: una vista trampantojo de la parte trasera de una pintura, un sillón amarillo, una esquina de pared de ladrillo y una de las favoritas de Dayan, una manzana. "Roza la historia del bodegón, el Surrealismo, la feminidad y la condición de mujer sin representar una figura femenina. Tiene sexualidad, es mórbida—lo tiene todo", dice la galerista.
La manipulación de "presencia y ausencia" por parte de Gnoli también añade resonancia a sus obras. Una sala del piso superior presenta seis de sus pinturas de camas, la mayoría sin figuras. "Es muy especial porque todo el ciclo de la vida ocurre en la cama: naces en la cama, mueres en la cama y haces el amor en la cama", dice Dayan. Describe la sala como "espiritual", un adjetivo que Vu también usa para describir el aura de su difunto esposo. Según Dayan, las camas de Gnoli fueron una inspiración clave para **All** (2007) de Maurizio Cattelan, que consiste en nueve esculturas de mármol que se asemejan a cuerpos muertos cubiertos con sábanas.
La sección final de la muestra explora la preocupación de Gnoli por la ropa, influenciada en parte por su experiencia en diseño de vestuario y su exposición a los amigos de moda de su primera esposa. Desde un cuello blanco impecable hasta el granate **Busto púrpura** (1969), su paleta de colores realza la calidad monástica de estas pinturas, que también sirven como estudios de tela. "Era una persona muy elegante con una personalidad magnética, y le gustaba vestir bien", dice Vu. En lugar de pintar del natural, Gnoli pintaba desde su "fabulosa memoria visual": "Tenía unos ojos increíbles y podía ver cosas que otras personas no veían".
En 2021–22, la Fondazione Prada de Milán montó una gran retrospectiva de más de 100 pinturas y un número igual de dibujos de Gnoli (Miuccia Prada y su esposo Patrizio Bertelli están entre los principales coleccionistas del artista). Dayan espera que su muestra continúe expandiendo el legado de Gnoli, que ella cree merece una exposición museística adecuada en América. Gracias a la cautivadora muestra de Dayan, el culto a Gnoli seguramente ganará una multitud de neoyorquinos.
"La aventura de Domenico Gnoli" estará en exhibición hasta el 23 de mayo.
Preguntas frecuentes
Por supuesto. Aquí hay una lista de preguntas frecuentes sobre la exposición en Lévy Gorvy Dayan diseñada para ser útil tanto para recién llegados como para entusiastas del arte experimentados.
Preguntas frecuentes generales sobre la exposición
P: ¿Quién es el maestro italiano subestimado presentado en esta exposición?
R: La exposición se centra en Giorgio de Chirico, el fundador pionero del movimiento artístico Metafísico, cuyo trabajo posterior a menudo es menos celebrado que sus primeras obras maestras.
P: ¿Cuál es el nombre de la exposición y dónde se encuentra?
R: La exposición está en la galería Lévy Gorvy Dayan. Deberías consultar su sitio web o anuncio para el título específico de esta muestra de de Chirico, ya que puede tener un nombre temático.
P: ¿Por qué esta exposición es tan importante?
R: Es la exposición estadounidense más significativa dedicada a de Chirico en décadas, destacando específicamente su controvertido y a menudo pasado por alto trabajo posterior, ofreciendo la oportunidad de reevaluar toda su carrera.
P: ¿Cuándo es la exposición y necesito entradas?
R: Las exposiciones en galerías suelen ser gratuitas y abiertas al público, pero los horarios y fechas varían. Siempre consulta el sitio web de Lévy Gorvy Dayan para fechas, horarios exactos y cualquier registro sugerido.
Sobre el arte y el artista
P: Nunca he oído hablar del arte Metafísico. ¿Qué significa?
R: Es un estilo que de Chirico inventó antes de la Primera Guerra Mundial. Presenta plazas de ciudad vacías y oníricas, sombras exageradas, estatuas clásicas y arreglos extraños e ilógicos de objetos, todo destinado a crear una sensación de misterio, inquietud y profundidad filosófica.
P: ¿Qué tiene de controvertido su trabajo posterior?
R: Después de la década de 1910, de Chirico se alejó de su icónico estilo Metafísico. Comenzó a pintar de una manera más clásica, barroca o incluso neorromántica, lo que muchos críticos e historiadores de la época vieron como una decadencia o un rechazo de su genio temprano.
P: ¿Puedes darme un ejemplo de qué esperar en esta muestra versus su obra famosa?