"Mode är mer konst än vad konst är", sa Andy Warhol en gång, och 39 år efter hans död kanske han har fått det sista ordet. Är mode konst? Är konst mode? I maj kan dessa envisa frågor äntligen bli besvarade när Metropolitan Museum of Arts Costume Institute flyttar från sin långvariga källarlokal till en framträdande plats på övervåningen, precis bredvid museets stora entréhall. "På sätt och vis är mode bortom konst", säger Andrew Bolton, curator för Costume Institute. "Det förkroppsligar vår levda erfarenhet. Det är den enda konstformen som gör det."

Mode kommer nu att ta centrum i vad som en gång var Mets stora presentbutik, belägen mellan de egyptiska gallerierna i norr och de grekiska och romerska gallerierna i söder. Här, i sitt nya hem, kommer Costume Institutes Condé M. Nast-gallerier – uppkallade efter förläggaren och bon vivanten som förvandlade Vogue, Vanity Fair och andra tidskrifter till kulturella ikoner – att hysa "Costume Art", en utställning som utforskar och hyllar den klädda kroppen, med kläder och konstverk från de flesta av museets 19 samlingsområden.

Max Hollein, Mets vd och direktör, kallar de nya gallerierna "en kraftfull fortsättning" på vad museet länge har gjort. "Costume Institute är en del av vår identitet. De nya gallerierna representerar inte en revolution."

Men de har varit länge på väg, och under tiden har publikintresset för mode vuxit dramatiskt. "Relationen mellan mode och konst har blivit mindre defensiv", säger konstnären Maurizio Cattelan, en av flera konstnärer och kuratorer jag talade med när jag skrev denna artikel. "Mode ber inte längre om tillåtelse från konsten, och konsten låtsas inte längre ignorera mode. De har förstått att de delar samma besatthet: kroppen, makt, begär, status." Han tillägger: "På Met har mode gått från att visas som hantverk till att inramas som narrativ. Utställningarna känns mindre som garderober och mer som argument. Den förskjutningen, från objekt till idé, är där mode blir intressant."

"Costume Institutes och dess utställningars inflytande har vuxit enormt under de senaste 30 åren", säger designern Michael Kors, som listar konstnärer som Mark Rothko, John Singer Sargent och Georgia O’Keeffe som influenser för sitt arbete. "Det har öppnat människors ögon för kopplingen mellan mode och allt – från popkultur till politik till konst. Det har visat allmänheten att mode handlar om mer än bara de kläder du tar på dig varje dag."

Designern Tory Burch tillägger att dessa nya gallerier "kommer att erkänna mode som en väsentlig del av vår gemensamma historia. Met har alltid förstått att mode är en vital form av kreativt uttryck, en som formar och reflekterar vår kultur."

Ändå saknade Costume Institutes vårutställning en permanent hemvist i många år. Det nya utrymmet blev verklighet efter en lång kampanj – som till stor del leddes av denna tidskrifts globala redaktionschef – och utgjorde en skrämmande uppgift för ett arkitektkontor. Uppdraget gick till det Brooklyn-baserade kontoret Peterson Rich Office, vars grundare Nathan Rich och Miriam Peterson – ett makapar som hade sin första dejt på Met – fördjupade sig i museets historia och dess 21 separata byggnader. "Det är mer en stad än en byggnad", säger Peterson. De studerade entréhallen och funderade på hur den kunde leda in i gallerierna, samt hur ljus filtrerar genom utrymmet. Deras mål var att skapa en ny stadsväg, och de arbetade nära med Bolton. "Det var underbart att samtala med honom", säger Peterson. "Vi kände en djup resonans mellan arkitektur som fält och kostym som konstform." Bolton behövde ett flexibelt utrymme där belysningen kunde anpassas och el tillhandahållas, men han ville att det skulle återspegla något av den grekiska och romerska galleriets ståt. "Det måste vara ett utställningsutrymme i rotation", säger Rich. "Det behövde ständigt förändras. Samtidigt måste det kännas som om det alltid hade funnits där." De nya gallerierna, på nästan 12 000 kvadratfot, är uppdelade i fem sammankopplade utrymmen och innehåller kalkstensdörrtrösklar som ekar kalkstensvalven i entréhallen. Luminösa gråvita stengolv, bjälktak och venetianska putsade vägger fyller utrymmet med en aura av varaktighet.

"Mode på Met har vuxit från att hylla skönhet och hantverksskicklighet till att utforska kultur, politik och historia", säger Dasha Zhukova, konstsamlare, affärskvinna och museistyrelseledamot. "Det handlar inte bara om vad vi bär, utan om vad kläder berättar om vilka vi är. Så jag skulle inte kalla det kontroversiellt att Costume Institute har tagit centrum på Met. De nya gallerierna handlar om perspektiv, inte hierarki."

Zhukova noterar också att Costume Institute har hjälpt till att locka en yngre och mer mångsidig publik – en som är särskilt ointresserad av stela gränser. Målaren Anna Weyant, som är 31, konstaterar bestämt att kostym bör betraktas som konst och som en av konstens mest "politiska former".

Tschabalala Self (vars verk *Evening* finns på sidan 146) säger: "För mig är separationen mellan mode och konst en falsk dikotomi. De är båda uttrycksmedel – modaliteter, egentligen – som låter konstnärer uttrycka vår tids frågor och begär. ... Jag är väldigt spänd på att se den nya utställningen. Som figurativ målare är kroppen central i mitt arbete. Det är något vi alla delar, och när vi klär oss gör vi alla ett uttalande."

"Termen 'konst' kommer från det antika grekiska ordet *arete*, som översätts till 'excellens'", säger konstnären Paul Chan. "Så det verkar för mig att det kan finnas excellens i kostymer lika mycket som i målningar eller skulpturer."

Finns det något motstånd mot Mets stora drag? "Jag betraktar mode som en konst men inte som Konst", kommenterar Massimiliano Gioni, konstnärlig ledare för New Museum på Lower Manhattan. Ändå är Gioni snabb att påpeka att museer och kuratorer – inklusive han själv – har breddat sin syn. "Det spelar inte ens någon roll om mode är konst eller inte: det är definitivt en disciplin, en praktik som kan berätta mycket om vad vi önskar och värdesätter. Som sådan är det ett språk värt att lyssna på och engagera sig i om vi vill lära oss mer om oss själva."

"Skillnaden mellan konst och mode är tid", säger konstnären Rachel Feinstein. "Mode handlar om nuet, om nu. Nästa år kommer det du ser på catwalken att se daterat ut, medan en målning eller skulptur gjord idag inte kommer att göra det. Konst har långlivadhet – den är tänkt att vara bestående."

Gränser försvinner i den nya utställningen kuraterad av Bolton. Med titeln "Costume Art" är den inkluderande och samarbetsinriktad, förenad av temat människokroppen och hur den har avbildats – klädd, oklädd, dekorerad, hedrad, skadad och sörjd. Genom en serie avslöjande, ofta överraskande och ibland skakande jämförelser parar utställningen föremål och bilder med kläder: ett grekiskt kärl från 460 f.Kr. med en 1920-talsklänning av Fortuny; Albrecht Dürers *Man of Sorrows with Arms Outstretched* med Vivienne Westwoods *Martyr to Love*-jacka; en promenaddräkt från 1883 som verkar ha klivit ut ur Seurats studie för *En söndag på La Grande Jatte*; kurvlinjära skulpturer av Jean Arp och Henry Moore parade med plagg av Rei Kawakubo för Comme des Garçons. Utställningen avslöjar det långa och symbiotiska förhållandet mellan konst och mode – och gör gällande att de är djupt sammankopplade.

"Jag ville presentera mode som en lins genom vilken man kan se konst", förklarar Bolton. "Jag ville att parningarna ibland skulle vara formella, ibland konceptuella, ibland politiska, ibland humoristiska, ibland djupt djupa och ibland lekfulla. När du placerar ett plagg bredvid ett konstverk uppstår en ny betydelse. Något annat händer. Jag vill fokusera på det. Det är som om ett plus ett blir tre... Förhoppningsvis kommer utställningen att ge människor möjlighet att göra dessa kopplingar utanför museets väggar."

"Jag har slås av hur Mets presentation av mode har förskjutits från något arkivmässigt till något mer uppslukande, nästan filmiskt", säger konstnären Laurie Simmons. "Utställningarna har tagit till sig narrativ, stämning, psykologi – mer en känsla av performance... Museet erkänner att kroppen – klädd, stylad, iscensatt – är lika rik och laddad som någon antik relik. Det är också en pågående berättelse som ständigt skrivs om i realtid. Dess placering nära de egyptiska gallerierna och mittemot de grekiska och romerska gallerierna känns mindre som en störning och mer som en korrigering. Det erkänner att det vi bär också är civilisationens artefakt."

"Jag gillar idén att något av modets glamour smittar av sig på målning och konstnärer", berättar konstnären John Currin för mig. "Jag bryr mig om målning ännu mer än skulptur eller arkitektur eller fotografi; ändå tycker jag att dessa saker samexisterar underbart, särskilt mode, eftersom det har varit så fördelaktigt för museet." Institutioner som Met behöver förändring, hävdar han; inget bör betraktas som heligt. "De borde ha en kändisdjurpark på Met", säger han. "Människor nakna i burar. De kan träna framför alla... Jag ger upp bokhandeln om det är vad som krävs." (Met har inte gett upp sin butik – bara flyttat den.)

Slutligen ställde jag frågan till min man, Calvin Tomkins, som skrev Metropolitan Museum of Arts historia (*Merchants and Masterpieces*), som jag hade ställt till alla: "Kan kostym vara konst och konst vara mode?" Han svarade med ett entusiastiskt "Ja!" och tillade: "Faktum är att de två är så nära varandra att de inte kan låta bli att vara varandra."

I denna artikel: hår av Jimmy Paul; smink av Kabuki; manikyr, Jin Soon Choi; skräddare, Carol Ai.
Producerad av Special Production Agency. Scendesign: Studio Wagner.
Alla konstverksbilder med tillstånd av The Metropolitan Museum of Art.



Vanliga frågor
Naturligtvis. Här är en lista med vanliga frågor om Costume Institutes utställning på Metropolitan Museum of Art, skriven i en naturlig, konverserande ton.



Allmän information

F: Vad är Costume Art på Met?

S: Det är det populära namnet på den årliga modeutställningen som presenteras av Mets Costume Institute. Varje år är det en stor temautställning som utforskar mode som konstform genom historiska plagg och samtida design.



F: Är det en permanent utställning?

S: Nej. Det är en speciell tillfällig utställning som öppnar varje vår och pågår i ungefär fyra till fem månader. Temat, titeln och designerfokus ändras varje år.



F: Var på Met finns den?

S: Den finns i Iris och B. Gerald Cantor-utställningshallen på museets första våning. Man brukar se en särskild ingång och kö till den.



F: Behöver jag en separat biljett?

S: Ja. Medan allmän inträde till Met är betala-vad-du-vill för New York-bor och studenter kräver Costume Institute-utställningen en tidsbestämd biljett med en extra avgift för specialutställning. Det rekommenderas starkt att boka dessa i förväg online.



Besök och upplevelse

F: Varför är det alltid så fullt?

S: Det är en av Mets mest populära årliga evenemang, särskilt efter att Met Gala har gett massiv medieuppmärksamhet. Det lockar modeentusiaster, konstälskare och turister. Vardagar, tidiga morgnar eller senare under utställningens gång är vanligtvis mindre trafikerat.



F: Hur lång tid tar det att se utställningen?

S: De flesta besökare spenderar mellan 45 minuter och 1,5 timmar beroende på storleken på årets utställning och hur noggrant man tittar på detaljerna.



F: Kan jag ta foton eller filma?

S: Icke-blixkfotografering för personligt bruk är vanligtvis tillåten, men det är alltid bäst att kolla de specifika riktlinjerna som publiceras vid ingången varje år eftersom reglerna kan ändras. Stativ och selfiestickor är vanligtvis förbjudna.



F: Är utställningen bra för barn?

S: Den kan vara det, speciellt för barn som är intresserade av design eller berättande. Men det innebär mycket långsamt gående och tittande på ömtåliga föremål bakom glas, så det beror på.