Das Musical Cabaret hat im Laufe der Jahre schon so manche überraschende Besetzung erlebt. Seine episodenhafte Erzählweise und die im Club angesiedelten Nummern ermöglichen es Darstellern aller Art, in die Rollen der Weimarer Zeit zu schlüpfen – und geben dem Publikum reichlich Stoff zum Spekulieren, wer als Nächster folgen könnte.

Doch wer bei der Nachricht, dass der Country-Sänger Orville Peck in dieser neuesten Revival-Produktion als Conférencier sein Broadway-Debüt geben würde, die Stirn runzelte, der musste nur hinter seine charakteristischen Masken blicken. Peck, der um seine Herkunft stets ein Geheimnis gesponnen hat, begann seine Karriere eigentlich als ausgebildeter Tänzer und Musicaldarsteller. Er hat sogar Verbindungen zu Deutschland, wo er als Kind Synchronsprecher war. Dass er also einen atemberaubend guten Conférencier abliefert – mit einem instinktiven Gespür für den schmalen Grat zwischen Verlangen und Bedrohung, der, seien wir ehrlich, Joel Grey und Alan Cumming Konkurrenz macht –, sollte eigentlich nicht so überraschend sein, wie es sich anfühlt.

Seine Figur, der Zeremonienmeister eines dekadenten Berliner Clubs im Jahr 1939, lebt von Rätselhaftigkeit. Doch Peck erzählte Vogue, dass es für ihn nie eine Frage war, ob er die Maske für die Rolle tragen würde. Er befürchtete, dass dies die Aufführung mehr zu seiner eigenen Sache als zum Dienst an der Geschichte machen würde. Dennoch scherzte er kurz vor seinem Debüt, dass er nicht wisse, wie er reagieren würde, wenn das Rampenlicht erstmals auf sein unverhülltes Gesicht treffen würde: „Ich bin sehr gespannt, ob ich mich darauf einlasse und es als beglückend empfinde oder ob ich eine außerkörperliche Erfahrung habe – oder einen Nervenzusammenbruch.“

Bis zum 7. April, eine Woche nach seinem Debüt an der Seite der mitreißenden Eva Noblezada als neueste Sally Bowles, gab die Produktion eine glamouröse Gala-Vorstellung, zu der sowohl Theaterstars als auch Pecks eng verbundener Kreis queerer, internetaffiner Freunde erschien. Das Theater, das dem Kit Kat Club nachempfunden war, war voller bekannter Gesichter wie Andrew Rannells, Conrad Ricamora, Jeremy Jordan und Gideon Glick – neben Pecks eigenem Umfeld, darunter Chappell Roan, Larry Owens, Liz Gillies, Busy Phillips und eine Reihe von Drag Race-Veteranen wie Trixie Mattel, Jinkx Monsoon, Katya Zamolodchikova, Kandy Muse und Meatball. Sogar Norman Reedus, ein ungewöhnlicher Freund, den Peck während eines Musikvideodrehs kennengelernt hatte, kam mit seiner Frau Diane Kruger vorbei.

Später, bei einer After-Show-Party auf dem Broadway, gab John Waters den Ton an und witzelte über seinen Film Cecil B. Demented aus dem Jahr 2000, als ein Gast ihn erwähnte. Noblezada, die ein Kopfschmuckstück im Stil von Hedy Lamarr trug, stieß mit ihrem Verlobten Reeve Carney an. Peck hingegen, in einem bestickten Indigo-Denim-Tuxedo von RRL, blieb in der Nähe seiner Freundin Brittany Broski, die mit den Schriftsteller-Zwillingen Annabel und Sabina Meschke da war.

Wie sich herausstellte, verflogen Pecks Ängste in dem Moment, als er zum ersten Mal im Rampenlicht stand. Im Folgenden Auszüge aus unserem Gespräch kurz vor seinem Debüt.

Vogue: Wenn ich an dich als queeren Künstler denke, kommen mir drei Dinge in den Sinn: Kink, Performance und Geheimnis. All das ist zentral für Cabaret, besonders für den Conférencier. Wie ist es, das in dieser Rolle zu verkörpern?

Orville Peck: Das sind alles Dinge, die ich in meine Karriere einbringe – und Teile von mir selbst, wie bei jedem anderen. Das Geheimnisvolle ist für mich das Faszinierendste, sowohl in meiner Arbeit als auch in dieser Figur. Die Idee der Masken, im wörtlichen wie im übertragenen Sinn, wirft so viele spannende Fragen auf: Wer wollen wir sein? Wie verletzlich sind wir bereit zu sein? Wer steckt wirklich dahinter? Ich habe immer gesagt, dass mich meine Maske mehr ich selbst sein lässt. Ohne sie fühle ich mich abgeschotteter – als würde ich auf einer Party eine metaphorische Maske tragen, weil ich sozial unbeholfen bin. Cabaret spielt damit. Der stille Unterstrom aus Hass, Bigotterie, Wut – diese Emotionen lauern oft hinter den lächelnden Gesichtern der Leute.

Der Conférencier bewegt sich in einem merkwürdigen Raum – sowohl innerhalb als auch außerhalb des Geschehens. Wie näherst du dich dieser Rolle?

In jeder Cabaret-Produktion, die ich gesehen habe, gibt es Momente, in denen man sich fragt: Ist er wirklich da? Ist er eine ätherische Präsenz? Ein Symbol? Eine reale Person? Für meine Interpretation lautet die Antwort: Ja – er ist all das. Aber ich wollte nicht, dass er sich rein performativ oder metaphorisch anfühlt. Vor allem anderen habe ich ihn als reale Person verankert.

Das Faszinierende an Cabaret ist, wie jede Figur aus verschiedenen Gründen in Berlin oder im Kit Kat Club ist. Sie alle fliehen vor etwas – oder streben etwas an, jagen einer Freiheit hinterher, die sie woanders nicht finden. Während die Welt im Faschismus versinkt, muss jeder eine Wahl treffen, die nicht nur davon abhängt, woher er kommt, sondern wer er ist.

Aus meiner Sicht genießt der Conférencier dieselbe Freiheit, die der Club bietet. Aber letztlich ist der Conférencier Deutschland. Das ist das Dilemma: Widerstehst du oder passt du dich an?

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Gibt es einen Teil von dir, der, wenn du Eva performen siehst, sich wünscht, Sally spielen zu können?

[Lacht] Ich hatte noch nie den Drang, Sally zu spielen, aber mein Lieblingslied in Cabaret war schon immer Maybe This Time. Es ist so wunderschön geschrieben, besonders für eine Figur, die oberflächlich betrachtet vielleicht wie ein Partymädchen wirkt, das nur Spaß sucht. Aber dieses Lied zeigt, dass selbst jemand wie Sally verzweifelt das will, was wir alle wollen: Liebe, Akzeptanz, auserwählt zu werden. Es hat diese rohe, fast country-artige Verletzlichkeit. Vielleicht liebe ich es deswegen so sehr.

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Wie waren die Proben? Gab es etwas, das dich als Performer überrascht hat?

Es ist lange her, seit ich Theater gemacht habe, noch länger, seit ich in einem Musical aufgetreten bin, und ich bin noch nie in eine bestehende Produktion eingestiegen. Das war ein Sprung ins kalte Wasser.

In meinen Zwanzigern hatte ich als Tänzer unendlich viel Energie. Jetzt, mit 37, wache ich mit Schmerzen auf und lerne, meine Kraft einzuteilen. Es ist eine ganz andere Welt. Seit einem Jahrzehnt bin ich selbstständig und bestimme meinen Zeitplan selbst. Die größte Umstellung – was sich wie ein Luxusproblem anhört – ist, mich diesem riesigen, starren Zeitplan zu unterwerfen. Es ist demütigend, aber ich nehme das gerne an.

Ehrlich gesagt, lebe ich einen Traum, den ich seit 25 Jahren habe. Diese Rolle am Broadway zu spielen? Ich werde jede nötige Arbeit investieren.

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Du bist nur noch Tage von deiner ersten Vorstellung entfernt. Was ist die größte Herausforderung, die du erwartest?

[Lacht] Wo soll ich anfangen?

Diese Produktion ist im Rund – mit Tischen direkt bis zur Bühne, komplett immersiv. Das August Wilson Theatre wurde wunderschön umgestaltet; allein darin zu sitzen, fühlt sich wie ein Event an. Aber ein Musical im Rund aufzuführen, ist verwirrend. Deine Energie muss in alle Richtungen strahlen.

Als ich jünger war und als Tänzer arbeitete, habe ich mich subtil zum Publikum hin ausgerichtet. Hier gibt es kein Verstecken. Du musst voll präsent bleiben und daran denken, dass dich Leute von allen Seiten beobachten – und jedem von ihnen schuldest du dieselbe Intensität. Da bekommst du, wofür du bezahlst.

Dieses Gespräch wurde redigiert und gekürzt.