Est-ce le dos d’une robe de femme ? Je me le demande, debout devant une peinture rouge cerise de Domenico Gnoli chez Lévy Gorvy Dayan.

Ce n’est qu’en reculant de plusieurs mètres de la grande toile, qui fait plus de cinq pieds carrés, que je réalise que l’œuvre représente un nœud de cravate, recadré et zoomé si serré qu’il en devient presque abstrait. De près, je suis captivé par les lignes rythmées et parfaitement rendues du tissu côtelé. Sous la main du regretté artiste italien, cet objet ordinaire prend une qualité sculpturale, rappelant les peintures de Park Seo-Bo, où des traits de crayon répétés sont gravés dans une surface encore humide pour créer une texture tridimensionnelle.

Cet effet de trompe-l’œil méticuleux n’est qu’une des innombrables techniques que Gnoli a maîtrisées, comme le montre cette rétrospective chez Lévy Gorvy Dayan—la plus grande exposition américaine de son travail depuis 1969. Au cours de sa courte vie (Gnoli n’avait que 36 ans lorsqu’il est mort d’un cancer en 1970), l’artiste né à Rome a connu un grand succès en tant qu’illustrateur pour des livres pour enfants et des magazines comme Sports Illustrated et Life ; en tant que créateur de costumes et de décors ; et finalement en tant que peintre avec un style unique et intemporel qui puise dans le surréalisme, le pop art et l’Arte Povera. Intitulée « L’Aventure de Domenico Gnoli », l’exposition présente 17 peintures exemplaires, ainsi que des dessins, des gravures, des carnets, des lettres et des éphémérides rarement vus, datant du sommet de sa carrière entre 1965 et 1969. Avec seulement 160 à 170 peintures matures existantes, la plupart détenues dans des collections privées, rassembler ces œuvres n’a pas été une mince tâche.

Domenico Gnoli, Nœud de cravate rouge, 1969. Acrylique et sable sur toile. 63 ¹⁄₈ × 63 ¹⁄₈ pouces (160,2 × 160,2 cm). Collection privée, avec l’aimable autorisation de HomeArt.
© 2026 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome, avec l’aimable autorisation de Lévy Gorvy Dayan, New York.

« Les collectionneurs de Gnoli sont généralement très réticents à se séparer de ses œuvres, même en prêt », explique Amalia Dayan, qui dirige la galerie avec Dominique Lévy et Brett Gorvy, à Vogue. Beaucoup de ses pièces sont restées avec leurs propriétaires d’origine ou ont été transmises à travers les familles. « Il y a un culte de Gnoli », poursuit Dayan. « Une fois que l’on plonge et que l’on comprend son univers complexe, cela devient une obsession. » Sa propre obsession a commencé il y a plus de dix ans lorsqu’elle a présenté des expositions Gnoli en 2012 et 2018 dans son ancienne galerie, Luxembourg & Dayan (aujourd’hui Luxembourg + Co.).

La nouvelle exposition de Lévy Gorvy Dayan a nécessité une étroite collaboration avec la succession Gnoli, qui comprend les Archives Domenico Gnoli à Majorque—dirigées par la veuve de l’artiste, Yannick Vu, et son mari actuel, Ben Jakober, un artiste et ami proche de Gnoli—et l’Archivio Domenico Gnoli à Rome, dirigé par la sœur de l’artiste, Mimì Gnoli, et les Archives Livia Polidoro-Gnoli.

Vue d’installation de « L’Aventure de Domenico Gnoli », Lévy Gorvy Dayan, New York, 2026. À gauche : Col de robe rouge, 1969. Acrylique et sable sur toile. 59¼ × 67 pouces (150,5 × 170,2 cm). À droite : Tour de cou 15½, 1966. Acrylique et sable sur toile. 47¼ × 63 pouces (120 × 160 cm)
Toutes les œuvres de Domenico Gnoli © 2026 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome, avec l’aimable autorisation de Lévy Gorvy Dayan, New York. Photo : Elisabeth Bernstein

Réfléchissant à l’importance de l’exposition, Vu, une artiste franco-vietnamienne et fille de l’éminent peintre vietnamien Vu Cao Dam, explique à Vogue à quel point New York était « vitale » pour Gnoli. « C’est là qu’il a commencé sa véritable carrière à la fin des années 1950 et là qu’elle s’est terminée », dit-elle, qualifiant son exposition personnelle de 1969 à la Sidney Janis Gallery de « consécration » pour lui. Bien qu’issu d’une famille au riche patrimoine culturel (sa mère était céramiste ; son père un conservateur de musée et historien de l’art estimé ; son grand-père, qui portait le même nom, était un poète célèbre et ami de l’écrivain et homme politique français François-René de Chateaubriand), Gnoli croyait que New York et la France étaient « les seuls endroits où l’on pouvait se développer en tant qu’artiste », déclare Vu.

En effet, après son déménagement à New York, Gnoli a rencontré quelqu’un qui allait changer sa vie : Diana Vreeland. L’ancienne consultante du Costume Institute du Met et rédactrice en chef de Vogue est devenue une grande amie et collectionneuse de son travail. « C’était la personne la plus généreuse et extraordinaire », dit Vu. À l’été 1969, Vreeland a rendu visite à Vu et Gnoli dans leur maison à Majorque, où elle a vu les peintures qu’il préparait pour son exposition à la galerie Janis (dont plusieurs sont maintenant présentées dans l’exposition Lévy Gorvy Dayan). Elle a ensuite publié des photographies du vernissage de Janis dans la rubrique « On parle de… » du numéro de Vogue du 15 janvier 1970.

Pendant son séjour à New York, Gnoli a épousé le mannequin Luisa Gilardenghi, qui l’a présenté à Richard Avedon, Bob Silvers et d’autres créateurs et intellectuels de la ville. Après leur divorce amer, cependant, Gnoli a déménagé à Paris en 1962 sur les conseils de son ami Jakober.

Gnoli et Vu se sont rencontrés en France et se sont mariés en 1965, passant ensuite une grande partie de leur temps à Majorque, où plusieurs amis avaient également des maisons. L’île espagnole est l’endroit où Gnoli a créé nombre de ses peintures les plus magnifiques. « Domenico a trouvé la liberté de s’exprimer vraiment là-bas », dit Vu. (Aujourd’hui, Jakober et Vu partagent leur temps entre Marrakech et Majorque, où ils gèrent un musée et des archives de leur collection, le Museum Sa Bassa Blanca, qui comprend une galerie dédiée à Gnoli.) C’est aussi là qu’il a développé sa technique signature, mélangeant du sable des plages locales avec de la colle vinylique et des pigments pour donner à ses toiles une texture rustique, semblable à une fresque. Cet effet granuleux est particulièrement visible dans *Il grand letto azzurro* (1965), présenté dans l’exposition Lévy Gorvy Dayan, où un regard attentif sur le couvre-lit bleu-vert révèle un motif floral beige créé à partir de sable non pigmenté.

« Il cherchait toujours sa propre voie », dit Dayan. « Ce qui rend l’œuvre de Gnoli si singulière, c’est cet isolement du détail. Cela touche ensuite à l’abstraction et au minimalisme parce que c’est si réduit et précis. »

Une autre signature de son travail est la représentation d’objets du quotidien—en particulier des détails vestimentaires comme des fermetures éclair, des boutons, des cols ou le dos d’une chaussure—avec un sens de la gravité. « Mes thèmes viennent du monde qui m’entoure, de situations familières, de la vie quotidienne ; parce que je ne médite jamais activement contre l’objet, j’expérimente la magie de sa présence », a déclaré un jour l’artiste. Et en effet, regarder une peinture de Gnoli est une expérience méditative, où de nouveaux détails émergent à la fois plus longtemps on regarde et plus on recule de la toile.

Tout au long de l’exposition Lévy Gorvy Dayan se trouvent les observations du quotidien de Gnoli, commençant par *Pantalon rayé* (1969) et *Cheveux roux bouclés* (1969). Alors que le premier est l’une des nombreuses images vestimentaires serrées qui rappellent les peintures en niveaux de gris d’Issy Wood, le second ressemble beaucoup aux portraits de jeunes femmes aux cheveux flottants d’Anna Weyant.

« Je suis attirée par sa retenue—tout semble clair et délibéré—et ses formes simplifiées et sculptées avec des distorsions subtiles », déclare Weyant à Vogue à propos de Gnoli. Elle le compte parmi ses peintres préférés. « Il avait une manière brillante de transformer des objets et des scènes ordinaires et familiers en images magnétiques et chargées psychologiquement. » Elle apprécie également l’humour dans son travail, particulièrement évident dans une salle à l’étage dédiée aux dessins de Gnoli—comme un croquis où des visages expressifs couvrent chaque sein d’un buste.

Au premier étage de la galerie, une salle présente des exemples du travail plus conceptuel de Gnoli : une vue en trompe-l’œil de l’arrière d’un tableau, un fauteuil jaune, un coin de mur de briques, et l’une des préférées de Dayan, une pomme. « Cela touche à l’histoire de la nature morte, au surréalisme, à la féminité et à la condition féminine sans représenter une figure féminine. Il y a de la sexualité, c’est morbide—il y a tout », explique la galeriste.

La manipulation de la « présence et de l’absence » par Gnoli ajoute également de la résonance à ses œuvres. Une salle à l’étage présente six de ses peintures de lits, la plupart sans aucune figure. « C’est très spécial parce que tout le cycle de la vie se passe dans un lit : on naît dans un lit, on meurt dans un lit, et on fait l’amour dans un lit », dit Dayan. Elle décrit la salle comme « spirituelle », un adjectif que Vu utilise également pour décrire l’aura de son défunt mari. Selon Dayan, les lits de Gnoli ont été une source d’inspiration clé pour *All* (2007) de Maurizio Cattelan, qui consiste en neuf sculptures en marbre ressemblant à des corps morts recouverts d’un drap.

La dernière section de l’exposition explore la préoccupation de Gnoli pour les vêtements, influencée en partie par son expérience dans la conception de costumes et son exposition aux amis branchés de sa première épouse. D’un col blanc immaculé au *Buste pourpre* (1969) marron, sa palette de couleurs renforce la qualité monastique de ces peintures, qui servent également d’études de tissus. « C’était une personne très élégante avec une personnalité magnétique, et il aimait bien s’habiller », dit Vu. Plutôt que de peindre d’après nature, Gnoli peignait à partir de sa « fabuleuse mémoire visuelle » : « Il avait des yeux incroyables et pouvait voir des choses que les autres ne voyaient pas. »

En 2021–22, la Fondazione Prada de Milan a organisé une grande rétrospective de plus de 100 peintures et un nombre équivalent de dessins de Gnoli (Miuccia Prada et son mari Patrizio Bertelli font partie des plus grands collectionneurs de l’artiste). Dayan espère que son exposition continuera à étendre l’héritage de Gnoli, qui mérite selon elle une véritable exposition muséale en Amérique. Grâce à l’exposition envoûtante de Dayan, le culte de Gnoli est sûr de gagner une foule de New-Yorkais.

« L’Aventure de Domenico Gnoli » est visible jusqu’au 23 mai.

**Foire Aux Questions**
Bien sûr Voici une liste de FAQ sur l’exposition à Lévy Gorvy Dayan conçue pour être utile aux nouveaux venus comme aux amateurs d’art chevronnés

**FAQ Générales sur l’Exposition**

Q : Qui est le maître italien sous-estimé présenté dans cette exposition ?
R : L’exposition se concentre sur Giorgio de Chirico, le fondateur pionnier du mouvement artistique métaphysique, dont le travail ultérieur est souvent moins célébré que ses premiers chefs-d’œuvre.

Q : Quel est le nom de l’exposition et où a-t-elle lieu ?
R : L’exposition a lieu à la galerie Lévy Gorvy Dayan. Vous devriez consulter leur site web ou l’annonce pour le titre spécifique de cette exposition de Chirico, car il peut avoir un nom thématique.

Q : Pourquoi cette exposition est-elle si importante ?
R : C’est l’exposition américaine la plus significative consacrée à de Chirico depuis des décennies, mettant spécifiquement en lumière son travail ultérieur controversé et souvent négligé, offrant une chance de réévaluer l’ensemble de sa carrière.

Q : Quand a lieu l’exposition et ai-je besoin de billets ?
R : Les expositions en galerie sont généralement gratuites et ouvertes au public, mais les horaires et dates varient. Consultez toujours le site web de Lévy Gorvy Dayan pour les dates, heures exactes et toute inscription suggérée.

**À Propos de l’Art / de l’Artiste**

Q : Je n’ai jamais entendu parler de l’art métaphysique. Qu’est-ce que cela signifie ?
R : C’est un style que de Chirico a inventé avant la Première Guerre mondiale. Il présente des places de ville vides et oniriques, des ombres exagérées, des statues classiques et des arrangements d’objets étranges et illogiques—tout cela visant à créer un sentiment de mystère, de malaise et de profondeur philosophique.

Q : Qu’est-ce qui est si controversé dans son travail ultérieur ?
R : Après les années 1910, de Chirico s’est éloigné de son style métaphysique iconique. Il a commencé à peindre d’une manière plus classique, baroque ou même néo-romantique, que de nombreux critiques et historiens de l’époque ont considérée comme un déclin ou un rejet de son génie précoce.

Q : Pouvez-vous me donner un exemple de ce à quoi m’attendre dans cette exposition par rapport à son travail célèbre ?