Ist das der Rücken eines Damenkleides?, frage ich mich, während ich vor einem kirschroten Gemälde von Domenico Gnoli bei Lévy Gorvy Dayan stehe.

Erst als ich mehrere Schritte von der großen, über fünf Fuß quadratischen Leinwand zurücktrete, erkenne ich, dass das Werk einen Krawattenknoten zeigt, so eng beschnitten und herangezoomt, dass er fast abstrakt wirkt. Aus der Nähe bin ich fasziniert von den rhythmischen, perfekt ausgeführten Linien des gerippten Stoffes. Unter der Hand des verstorbenen italienischen Künstlers erhält dieses gewöhnliche Objekt eine skulpturale Qualität, die an Gemälde von Park Seo-Bo erinnert, bei denen wiederholte Bleistiftlinien in eine noch feuchte Oberfläche geritzt werden, um eine dreidimensionale Textur zu schaffen.

Dieser akribische Trompe-l'œil-Effekt ist nur eine von unzähligen Techniken, die Gnoli beherrschte, wie diese Übersichtsschau bei Lévy Gorvy Dayan zeigt – die größte amerikanische Ausstellung seiner Werke seit 1969. In seinem kurzen Leben (Gnoli war gerade 36, als er 1970 an Krebs starb) hatte der in Rom geborene Künstler großen Erfolg als Illustrator für Kinderbücher und Magazine wie Sports Illustrated und Life; als Kostüm- und Bühnenbildner; und schließlich als Maler mit einem einzigartigen, zeitlosen Stil, der sich aus Surrealismus, Pop Art und Arte Povera speist. Unter dem Titel „The Adventure of Domenico Gnoli“ präsentiert die Ausstellung 17 exemplarische Gemälde sowie selten gezeigte Zeichnungen, Radierungen, Notizbücher, Briefe und Ephemera aus der Blütezeit seiner Karriere zwischen 1965 und 1969. Da nur etwa 160 bis 170 reife Gemälde existieren, von denen sich die meisten in Privatsammlungen befinden, war es keine leichte Aufgabe, diese Werke zusammenzuführen.

Domenico Gnoli, Red Tie Knot, 1969. Acryl und Sand auf Leinwand. 63 ¹⁄₈ × 63 ¹⁄₈ Zoll (160,2 × 160,2 cm). Privatsammlung, mit freundlicher Genehmigung von HomeArt.
© 2026 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom, mit freundlicher Genehmigung von Lévy Gorvy Dayan, New York.

„Gnolis Sammler sind in der Regel sehr zurückhaltend, seine Werke herauszugeben, selbst als Leihgaben“, erzählt Amalia Dayan, die die Galerie mit Dominique Lévy und Brett Gorvy führt, Vogue. Viele seiner Stücke befinden sich noch bei den ursprünglichen Eigentümern oder wurden innerhalb von Familien weitervererbt. „Es gibt einen Kult um Gnoli“, fährt Dayan fort. „Sobald man sich vertieft und sein komplexes Universum versteht, wird es zu einer Obsession.“ Ihre eigene Obsession begann vor über einem Jahrzehnt, als sie 2012 und 2018 Gnoli-Ausstellungen in ihrer damaligen Galerie Luxembourg & Dayan (heute Luxembourg + Co.) präsentierte.

Die neue Ausstellung von Lévy Gorvy Dayan erforderte eine enge Zusammenarbeit mit Gnolis Nachlass, zu dem die Domenico Gnoli Archives auf Mallorca – geleitet von der Witwe des Künstlers, Yannick Vu, und ihrem derzeitigen Ehemann Ben Jakober, einem Künstlerkollegen und engen Freund Gnolis – sowie das Archivio Domenico Gnoli in Rom gehören, geleitet von der Schwester des Künstlers, Mimì Gnoli, und dem Livia Polidoro-Gnoli Archiv.

Installationsansicht von „The Adventure of Domenico Gnoli“, Lévy Gorvy Dayan, New York, 2026. Links: Red Dress Collar, 1969. Acryl und Sand auf Leinwand. 59¼ × 67 Zoll (150,5 × 170,2 cm). Rechts: Tour de cou 15½, 1966. Acryl und Sand auf Leinwand. 47¼ × 63 Zoll (120 × 160 cm)
Alle Werke von Domenico Gnoli © 2026 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom, mit freundlicher Genehmigung von Lévy Gorvy Dayan, New York. Foto: Elisabeth Bernstein

Über die Bedeutung der Ausstellung nachdenkend, erzählt Vu, eine französisch-vietnamesische Künstlerin und Tochter des bedeutenden vietnamesischen Malers Vu Cao Dam, Vogue, wie „lebenswichtig“ New York für Gnoli war. „Hier begann er Ende der 1950er Jahre seine eigentliche Karriere und hier endete sie“, sagt sie und bezeichnet seine Einzelausstellung 1969 in der Sidney Janis Gallery als eine „Weihe“ für ihn. Obwohl er aus einer Familie mit reichem kulturellen Hintergrund stammte (seine Mutter war Keramikerin; sein Vater ein angesehener Museums kurator und Kunsthistoriker; sein Großvater, der denselben Namen trug, war ein berühmter Dichter und Freund des französischen Schriftstellers und Politikers François-René de Chateaubriand), glaubte Gnoli, dass New York und Frankreich „die einzigen Orte seien, an denen man sich als Künstler entwickeln könne“, so Vu.

Tatsächlich traf Gnoli nach seinem Umzug nach New York jemanden, der sein Leben verändern sollte: Diana Vreeland. Die ehemalige Beraterin des Costume Institute des Met und Chefredakteurin von Vogue wurde eine große Freundin und Sammlerin seiner Werke. „Sie war die großzügigste, außergewöhnlichste Person“, sagt Vu. Im Sommer 1969 besuchte Vreeland Vu und Gnolis Haus auf Mallorca, wo sie die Gemälde sah, die er für seine Janis-Galerie-Ausstellung vorbereitete (von denen mehrere jetzt in der Lévy Gorvy Dayan-Ausstellung zu sehen sind). Später veröffentlichte sie Fotos von der Janis-Eröffnung in der Rubrik „People Are Talking About…“ der Vogue-Ausgabe vom 15. Januar 1970.

Während seiner Zeit in New York heiratete Gnoli das Model Luisa Gilardenghi, die ihn mit Richard Avedon, Bob Silvers und anderen Kreativen und Intellektuellen der Stadt bekannt machte. Nach ihrer bitteren Scheidung zog Gnoli jedoch 1962 auf Anraten seines Freundes Jakober nach Paris.

Gnoli und Vu trafen sich in Frankreich und heirateten 1965, verbrachten danach viel Zeit auf Mallorca, wo auch mehrere Freunde Häuser hatten. Die spanische Insel ist der Ort, an dem Gnoli viele seiner prächtigsten Gemälde schuf. „Domenico fand dort die Freiheit, sich wirklich auszudrücken“, sagt Vu. (Heute teilen Jakober und Vu ihre Zeit zwischen Marrakesch und Mallorca, wo sie ein Museum und Archiv ihrer Sammlung betreiben, das Museum Sa Bassa Blanca, das eine Gnoli gewidmete Galerie umfasst.) Dort entwickelte er auch seine charakteristische Technik, Sand von lokalen Stränden mit Vinylkleber und Pigmenten zu mischen, um seinen Leinwänden eine rustikale, freskenähnliche Textur zu verleihen. Dieser körnige Effekt ist besonders in **Il grand letto azzurro** (1965) sichtbar, das in der Lévy Gorvy Dayan-Schau gezeigt wird, wo ein genauer Blick auf die türkisfarbene Tagesdecke ein beiges Blumenmuster aus unpigmentiertem Sand offenbart.

„Er suchte immer seinen eigenen Weg“, sagt Dayan. „Was Gnolis Werk so einzigartig macht, ist diese Isolierung des Details. Das berührt dann Abstraktion und Minimalismus, weil es so reduziert und präzise ist.“

Ein weiteres Markenzeichen seiner Arbeit ist die Darstellung alltäglicher Gegenstände – insbesondere Kleidungsdetails wie Reißverschlüsse, Knöpfe, Kragen oder die Rückseite eines Schuhs – mit einem Gefühl von Schwere. „Meine Themen stammen aus der Welt um mich herum, vertrauten Situationen, dem Alltag; weil ich mich nie aktiv gegen den Gegenstand vermittle, erlebe ich die Magie seiner Präsenz“, sagte der Künstler einmal. Und tatsächlich ist die Betrachtung eines Gnoli-Gemäldes eine meditative Erfahrung, bei der neue Details sowohl umso länger man schaut als auch umso weiter man von der Leinwand zurücktritt, hervortreten.

In der gesamten Lévy Gorvy Dayan-Ausstellung finden sich Gnolis Beobachtungen des Alltäglichen, beginnend mit **Striped Trousers** (1969) und **Curly Red Hair** (1969). Während Ersteres eines von vielen eng beschnittenen sartorialen Bildern ist, die an Issy Woods Graustufen-Gemälde erinnern, ähnelt Letzteres stark Anna Weyants Porträts junger Frauen mit wallenden Haaren.

„Ich fühle mich zu seiner Zurückhaltung hingezogen – alles wirkt klar und bewusst – und zu seinen vereinfachten, skulpturalen Formen mit subtilen Verzerrungen“, sagt Weyant zu Vogue über Gnoli. Sie zählt ihn zu ihren Lieblingsmalern. „Er hatte eine brillante Art, gewöhnliche, vertraute Objekte und Szenen in magnetische und psychologisch aufgeladene Bilder zu verwandeln.“ Sie genießt auch den Humor in seinem Werk, der besonders in einem Obergeschossraum deutlich wird, der Gnolis Zeichnungen gewidmet ist – wie eine Skizze, bei der emotionale Gesichter jede Brust eines Dekolletés bedecken.

Im Erdgeschoss der Galerie zeigt ein Raum Beispiele von Gnolis konzeptuellerer Arbeit: eine Trompe-l'œil-Ansicht der Rückseite eines Gemäldes, einen gelben Sessel, eine Ziegelwand-Ecke und einen Apfel, einen von Dayans Favoriten. „Es berührt die Geschichte des Stilllebens, des Surrealismus, der Weiblichkeit und des Frauseins, ohne eine weibliche Figur darzustellen. Es hat Sexualität, es ist morbide – es hat alles“, sagt die Galeristin.

Gnolis Manipulation von „Präsenz und Abwesenheit“ verleiht seinen Werken zusätzliche Resonanz. Ein Raum im Obergeschoss zeigt sechs seiner Bett-Gemälde, die meisten ohne Figuren. „Es ist sehr besonders, weil der gesamte Kreislauf des Lebens im Bett stattfindet: man wird im Bett geboren, man stirbt im Bett und man macht Liebe im Bett“, sagt Dayan. Sie beschreibt den Raum als „spirituell“, ein Adjektiv, das auch Vu verwendet, um die Aura ihres verstorbenen Mannes zu beschreiben. Laut Dayan waren Gnolis Betten eine Schlüsselinspiration für Maurizio Cattelans **All** (2007), das aus neun Marmorskulpturen besteht, die leichentuchbedeckten Leichen ähneln.

Der letzte Teil der Ausstellung untersucht Gnolis Beschäftigung mit Kleidung, beeinflusst teilweise durch seinen Hintergrund im Kostümdesign und die Begegnung mit den modischen Freunden seiner ersten Frau. Von einem knallweißen Kragen bis zum kastanienroten **Purple Bust** (1969) unterstreicht seine Farbpalette die monastische Qualität dieser Gemälde, die auch als Stoffstudien dienen. „Er war eine sehr elegante Person mit einer magnetischen Persönlichkeit, und er kleidete sich gerne gut“, sagt Vu. Statt nach dem Leben malte Gnoli aus seinem „fabelhaften visuellen Gedächtnis“: „Er hatte unglaubliche Augen und konnte Dinge sehen, die andere nicht sahen.“

2021–22 zeigte die Fondazione Prada in Mailand eine große Retrospektive mit über 100 Gemälden und einer gleichen Anzahl von Zeichnungen Gnolis (Miuccia Prada und ihr Ehemann Patrizio Bertelli gehören zu den Top-Sammlern des Künstlers). Dayan hofft, dass ihre Schau Gnolis Vermächtnis weiter ausbauen wird, das ihrer Meinung nach eine angemessene Museumsausstellung in Amerika verdient. Dank Dayans bezaubernder Ausstellung wird Gnolis Kult-Anhängerschaft sicherlich eine Reihe von New Yorkern dazugewinnen.

„The Adventure of Domenico Gnoli“ ist bis zum 23. Mai zu sehen.

**Häufig gestellte Fragen**
Natürlich. Hier ist eine Liste von FAQs zur Ausstellung bei Lévy Gorvy Dayan, die sowohl für Neulinge als auch für erfahrene Kunstenthusiasten hilfreich sein soll.

**Allgemeine FAQs zur Ausstellung**

**F:** Wer ist der unterschätzte italienische Meister, auf den diese Ausstellung fokussiert?
**A:** Die Ausstellung konzentriert sich auf Giorgio de Chirico, den wegweisenden Begründer der metaphysischen Kunstbewegung, dessen späteres Werk oft weniger gefeiert wird als seine frühen Meisterwerke.

**F:** Wie heißt die Ausstellung und wo findet sie statt?
**A:** Die Ausstellung findet in der Galerie Lévy Gorvy Dayan statt. Den genauen Titel dieser de Chirico-Schau müssen Sie auf deren Website oder Ankündigung überprüfen, da er möglicherweise einen thematischen Namen hat.

**F:** Warum ist diese Ausstellung so bedeutend?
**A:** Es ist die bedeutendste US-Ausstellung zu de Chirico seit Jahrzehnten, die speziell sein kontroverses und oft übersehenes Spätwerk hervorhebt und eine Chance bietet, seine gesamte Karriere neu zu bewerten.

**F:** Wann findet die Ausstellung statt und benötige ich Eintrittskarten?
**A:** Galerieausstellungen sind in der Regel kostenlos und öffentlich zugänglich, aber Öffnungszeiten und Daten variieren. Überprüfen Sie immer die Website von Lévy Gorvy Dayan für genaue Daten, Zeiten und eventuell empfohlene Registrierung.

**Über die Kunst / den Künstler**

**F:** Ich habe noch nie von metaphysischer Kunst gehört. Was bedeutet das?
**A:** Es ist ein Stil, den de Chirico vor dem Ersten Weltkrieg erfand. Er zeichnet sich durch traumhafte, leere Stadtplätze, übertriebene Schatten, klassische Statuen und seltsame, unlogische Anordnungen von Objekten aus – alles dazu gedacht, ein Gefühl von Mysteriösität, Unbehagen und philosophischer Tiefe zu erzeugen.

**F:** Was ist so kontrovers an seinem späteren Werk?
**A:** Nach den 1910er Jahren entfernte sich de Chirico von seinem ikonischen metaphysischen Stil. Er begann, in einer eher klassizistischen, barocken oder sogar neoromantischen Manier zu malen, was viele Kritiker und Historiker damals als Niedergang oder Ablehnung seines frühen Genies ansahen.

**F:** Können Sie mir ein Beispiel geben, was ich in dieser Schau im Vergleich zu seinem berühmten Werk erwarten kann?