아모아코 보아포가 이탈리아에서 첫 개인전을 여는 것은 가볍게 결정한 일이 아니었다. 스타일리시한 흑인 인물들을 손가락으로 그린 초상화로 유명한 가나 출신의 이 작가는 보그(Vogue)와의 인터뷰에서 "이탈리아의 미술사적 유산, 특히 베네치아 같은 장소에서의 무게감 때문에 의미가 깊다"고 말했다. "하지만 나에게 있어 이는 외부인이 되어 그 역사에 들어가는 것이 아니라, 그 역사와 대화를 창조하는 것이었다."
작가
사진: 니 오드젠마
갤러리 가고시안(Gagosian)이 제작한 "아모아코 보아포: 항상 의미가 있을 필요는 없다(Amoako Boafo: It doesn't have to always make sense)"는 제61회 베네치아 비엔날레 기간 중 올 5월 팔라초 그리마니 박물관(Museo di Palazzo Grimani)에서 개막해 11월 22일까지 전시된다. 산마르코 광장에서 몇 분 거리에 있는 국립 박물관인 팔라초 그리마니는 르네상스 미술의 사랑받는 보석이다. '골동품의 방'으로 알려진 몰입형 트리부나(Tribuna)에는 고대 조각품들이 가득하다. 공간의 다른 곳에서는 게오르크 바젤리츠(Georg Baselitz)가 살라 델 포르테고(Sala del Portego)의 18세기 치장벽토 액자 패널을 위해 제작한 대규모 추상 작품 시리즈를 볼 수 있는데, 이곳에는 19세기 말까지 그리마니 가문의 초상화가 걸려 있었다.
보아포는 이 박물관의 역사적인 갤러리에 완벽하게 어울렸다. 그는 "건물의 유산을 존중하면서도 제 자신의 역사를 가져오는 방식으로 공간과 함께 작업하려고 노력했다"고 말한다. 그는 학생 시절 베네치아를 방문했다가 전시 작가로 돌아온 것이 '하나의 원이 완성된' 순간이라고 덧붙였다.
최근 몇 년 동안 보아포의 전시는 더욱 몰입적이고 개인적으로 변모했다. 작년 런던 가고시안에서 열린 전시를 위해 그는 건축가이자 디자이너인 드로슈 프로젝트(DeRoche Projects)의 글렌 드로슈(Glenn DeRoche)와 협력하여 갤러리 내부에 가나에 있는 작가의 어린 시절 집 안뜰(그가 그림을 배우기 시작한 곳으로 기억하는)을 재현했다. "공간이 경험과 공동체를 어떻게 형성할 수 있는지에 대한 공통된 이해를 가지고 있습니다"라고 보아포는 말한다. 그는 이전에 드로슈와 함께 2024년 가나 오그보조에 설립한 작가 및 큐레이터 레지던시 프로그램인 도트 아틀리에 오그보조(Dot Ateliers Ogbojo)에서도 협업한 바 있다.
아모아코 보아포, 앵무새(Parrots), 2026. 캔버스에 유채. 190 × 144 cm.
사진: 레오나르도 체스타리. 작가 및 가고시안 제공
보아포 작업에서 공동체의 중심적인 역할은 전시에서 생생하게 드러난다. 작가가 집, 작업실, 테니스 코트(그는 세미프로 선수로 활동했다) 등에서 있는 모습을 보여주는 비디오로 시작된다. 보아포의 친구와 협력자들의 작품도 있다. 그의 친구 스티븐 알로테이(Stephen Allotey)와 함께 만든, 담쟁이잎 무늬 브라를 입은 여성의 사실적인 수지와 석고 캐스트 조각이 보아포의 2023년 작, 혀를 내밀고 있는 여성의 초상화 옆에 놓여 있다. (그림과 조각 모두 종이 전사 기법을 사용하여 인물들의 옷에 꽃무늬 패턴을 더했다.) 여러 벽에는 가나 시인 라파엘 월라시 랑가니(Raphael Worlasi Langani)가 이 전시를 위해 쓴 시들이 게재되어 있다. 마지막 방 중 하나에서는 어둠(Darkness)이라는 시가 보아포의 첫 흑색 위 흑색 초상화인 올 블랙(All Black) 그림(2026)과 함께 전시된다. "저에게 시각 언어와 시 사이에는 강한 연결고리가 있습니다... 제 작업실은 고립된 공간이 아니라 대화, 교류, 공동체로 가득 차 있습니다"라고 보아포는 말한다.
아모아코 보아포, 올 블랙(All Black), 2026. 캔버스에 유채.
사진: 레오나르도 체스타리. 작가 및 가고시안 제공
아모아코 보아포, 줄무늬 블라우스(Striped Blouse), 2023. 캔버스에 유채. 90 × 80 cm.
사진: 레오나르도 체스타리. 작가 및 가고시안 제공
이러한 공동체 의식은 초상화 자체, 특히 보아포가 '여주인공의 벽'이라고 부르는 갤러리에서도 반영된다. 이 벽은 금잔화 색 배경을 배경으로 한 11점의 대부분 흉상 길이 여성 초상화로 구성되어 있다. 친구, 가족, 그리고 그가 존경하는 사람들을 대표하는 이 초상화에는 케이프타운의 자이츠 현대 미술 아프리카 박물관(Zeitz Museum of Contemporary Art Africa)의 고(故) 전무이사이자 수석 큐레이터였으며 2026년 베네치아 비엔날레 큐레이터이기도 했던 코요 코우(Koyo Kouoh)가 포함되어 있다. 비엔날레의 예술 감독. 카메룬-스위스 출신의 이 큐레이터는 작년에 세상을 떠나기 전 비엔날레를 큐레이팅하도록 선정된 최초의 아프리카 여성으로 역사를 만들었다.
팔라초 그리마니 박물관의 "항상 의미가 있을 필요는 없다" 전시에 있는 '여주인공의 벽'.
사진: 레오나르도 체스타리. 작가, 가고시안, 베네치아 및 석호 국립 고고학 박물관 제공
이 벽은 보아포에게 또 다른 첫 시도를 의미한다: 그는 이전에 그림에 자수 기법을 사용한 적이 없다. 흰색 수영복(White Swimsuit)(2026)에서는 놀라운 질감의 표현으로, 가느다란 속눈썹을 가진 인물이 뒤를 돌아보고 있으며 그녀의 홀터넥 끈이 거의 배경과 섞여든다. 전시 후반부에는 보아포의 자수가 다시 등장하는데, 이번에는 두 얼굴(Two Faces)(2021–25)에서 더 단순하게 나타난다. 그림 속 인물이 거의 완전히 자수로 처리된 아이를 안고 있는 모습이다. 보아포는 인물의 피부를 손가락으로 그리고 배경과 옷은 더 자유로운 붓놀림으로 그리는 것으로 유명하지만, 여기서는 갈색 실의 패치워크로 어린 인물의 피부 톤을 표현했다. "특정 요소들이 시각적으로만 보이는 것이 아니라 더 강한 물리적 존재감을 가지길 바랐고, 그들만의 물질성을 지니길 원했습니다"라고 그는 설명한다. "직물은 이미 제가 정체성, 존재감, 성격에 대해 생각하는 방식에서 큰 역할을 하고 있기 때문에, 작업에 자수를 추가하는 것은 자연스러운 단계처럼 느껴졌습니다."
보아포는 베네치아 레이스를 작품과 전시 디자인 모두에 영향을 준 또 다른 "주요 영향"이라고 부른다. "고향에서 누군가가 약간의 사치를 더해 축하하는 자리가 있다면, 레이스를 떠올리게 됩니다"라고 그는 말한다. "비싸든 단순하든, 그것은 일정한 존재감과 존경심을 전달합니다." 전시는 높이가 6피트가 넘는 모짜렐라 화이트 레이스 탑(Mozzarella White Lace Top)(2026)으로 시작된다. 짙은 적갈색 배경은 다마스크 패턴이 있는 갤러리의 벽지에 반영되어 있다. 도입부 텍스트는 이 패턴이 "역사적으로 교회와 가정용 가구, 그리고 베네치아 귀족들의 화려한 옷에 사용되었다"고 설명한다. 전시 후반부에는 어깨를 드러낸 드레스를 입은 두 여성의 우아한 초상화(하나는 청록색 레이스, 다른 하나는 빨간색 레이스)가 나란히 걸려 있다.
여주인공의 벽이 있는 방을 제외하고 각 방에 한두 점의 그림씩 배치된 전시의 속도는 보아포의 인상적인 초상화와 팔라초의 역사적인 건축물과의 친밀한 만남을 가능하게 한다. 테라초 바닥과 나무 천장을 배경으로 한 작품들은 마치 현대적인 추가물이지만 완벽하게 어울리는 듯 보인다. "베네치아 초상화는 오랫동안 위신, 아름다움, 지위, 권력에 대한 관념을 형성해 왔습니다. 제가 흥미로웠던 것은 제 인물들이 그 전통에 들어갈 때 어떤 일이 일어나는지, 그리고 그들이 그것에 위축되지 않는다는 점입니다. 그들은 단순한 방문객이 아니라 자신의 정체성을 주장하고 있습니다"라고 보아포는 말한다. "팔라초 그리마니 같은 장소에 흑인 초상화를 배치하는 것은 고전적 전통과 현대 흑인 경험을 연결하는 방법입니다. 저에게 그림이란 흑인성을 기록하고 기념하는 것에 관한 것입니다. 저는 제 그림 속 인물들이 강하고 당당하기를 바랍니다."
자주 묻는 질문
다음은 베네치아의 예술적 역사에서 영감을 받은 아모아코 보아포의 첫 이탈리아 개인전에 관한 자주 묻는 질문 목록입니다.
초보자 질문
1 아모아코 보아포는 누구인가요?
아모아코 보아포는 생생하고 표현력이 풍부한 초상화로 유명한 동시대 가나 출신의 작가입니다. 그는 대담한 색상과 질감 있는 붓놀림으로 흑인 인물을 자주 그리며, 보통 손과 손가락에 초점을 맞춥니다.
2 이 전시회는 어디에서 열렸나요?
이탈리아 베네치아의 역사적인 르네상스 궁전인 팔라초 그리마니 박물관에서 열렸습니다.
3 보아포는 왜 첫 이탈리아 개인전 장소로 베네치아를 선택했나요?
보아포는 베네치아의 풍부한 예술사, 특히 극적인 색채와 감정 표현을 사용했던 티치아노와 틴토레토 같은 르네상스 화가들의 작품에서 영감을 받았습니다. 그는 자신의 현대적인 초상화를 그 전통과 연결하고자 했습니다.
4 전시회 제목은 무엇이었나요?
전시회 제목은 "아모아코 보아포: 당신을 봅니다(Amoako Boafo I See You)"였습니다.
5 이 전시회는 그의 이전 전시회와 어떻게 다른가요?
이번 전시는 장소 특정적(site-specific)이었습니다. 즉, 작품이 궁전의 건축물과 역사적인 그림들과 대화를 나누기 위해 창작되었습니다. 단순히 갤러리에 걸린 것이 아니라 방 자체가 예술 작품의 일부가 됩니다.
고급 질문
6 베네치아 르네상스 미술은 이번 전시에서 보아포의 그림에 정확히 어떤 영향을 미쳤나요?
보아포는 르네상스의 명암법(chiaroscuro)과 티치아노 작품에서 발견되는 강렬하고 채도가 높은 색채 사용을 차용했습니다. 또한 베네치아 화가들이 인물을 친밀한 4분의 3 시점으로 포즈를 취하게 한 방식을 참조했지만, 그들의 종교적 또는 신화적 주제를 동시대 흑인 인물들로 대체했습니다.
7 보아포는 르네상스 그림을 직접 모방했나요?
아니요, 모방하지 않았습니다. 대신 그것들을 재맥락화했습니다. 예를 들어, 티치아노 초상화의 극적인 조명과 짙은 붉은색을 사용했지만 현대적인 스트리트 웨어를 입은 젊은 흑인 남성을 그렸습니다. 모방이 아닌 대화입니다.
8 팔라초 그리마니 건물 자체는 전시회에서 어떤 역할을 했나요?
건물은 공동 주연이었습니다. 그림들은 특정 방들, 예를 들어 유명한 프레스코 천장이 있는 트리부나 같은 곳에 걸려 보아포의 인물들이 르네상스 장식을 바라보거나 상호작용하는 것처럼 보이게 했습니다.