L’anno scorso, abbiamo lanciato PhotoVogue Female Gaze, una serie di interviste che esplorano i temi del primo PhotoVogue Festival del 2016, presentando fotografe della nostra community. Quest’anno, con la nostra open call globale Women by Women, abbiamo voluto creare uno spazio più interattivo in cui le artiste potessero scambiare idee, discutendo sia le somiglianze che le differenze nel loro lavoro e nelle loro prospettive. Ecco perché abbiamo ribattezzato la serie Female Gazes.

Per il nostro primo dialogo, abbiamo invitato le artiste Ana Margarita Flores e Marisol Mendez a parlare dei loro progetti Where These Flowers Bloom e Madre. Entrambe provengono dall’America Latina ma hanno lasciato la regione in fasi diverse della loro vita. Abbiamo parlato di identità, appartenenza e dell’abbracciare le molte culture che le compongono—riconoscendo le contraddizioni mentre si smantellano vecchie convinzioni. Abbiamo anche toccato il tema dell’essere donne nel settore, della responsabilità nel ritrarre gli altri e del navigare una carriera creativa in cui la saggezza finanziaria è tanto importante quanto la visione artistica. Il risultato è stata una discussione ricca che intreccia temi contemporanei come colonizzazione e strutture di genere, esplorati con sensibilità e umorismo.

### Where These Flowers Bloom
Ana Margarita Flores

CATERINA DE BIASIO: Grazie a entrambe per essere qui. Per cominciare, mi piacerebbe sapere come sono nati i vostri progetti e il significato dei loro titoli.

MARISOL MENDEZ: Ho iniziato Madre nel 2019 dopo essere tornata in Bolivia dagli studi all’estero—prima a Buenos Aires, poi a Londra, dove ho fatto un master in fotografia di moda. A quel tempo, la moda stava vivendo un cambiamento, con persone che mettevano in discussione le narrazioni dominanti. Yalitza Aparicio, una donna indigena e protagonista di Roma, era persino apparsa sulla copertina di una rivista. Mi aspettavo di trovare un panorama culturale più diversificato a casa, ma invece ho visto le stesse rappresentazioni obsolete delle donne nei media. Come artista visiva, mi sono chiesta: Perché non mostriamo la bellezza che ci circonda? Così Madre è diventato il mio modo di sfidare queste rappresentazioni limitate fotografando le donne che incontravo ogni giorno.

(Immagine: Killa di Marisol Mendez)

In quel periodo, mia madre ha trovato il nostro album di famiglia mentre puliva, ed è stato rivelatorio. Mostrava la diversità all’interno della mia stessa famiglia, anche se le donne del passato avevano meno opportunità di esprimersi. L’album mi ha anche fatto riflettere sulla storia classista e razzista della Bolivia, spingendomi a criticare il passato della mia famiglia mentre immaginavo un nuovo futuro.

Il progetto si chiama Madre—una parola che incarna sia l’incredibile potere delle donne di creare vita sia la storica limitazione delle donne ai ruoli riproduttivi. Per me, Madre celebra la femminilità mentre protesta contro gli spazi limitati che ci si aspetta ancora che occupiamo.

(Immagine: Dual di Marisol Mendez)

CDB: Volevo mettervi in contatto per i vostri molti parallelismi, ma soprattutto perché entrambe avete lasciato casa in momenti diversi della vostra vita.

ANA MARGARITA FLORES
Mi ritrovo molto in ciò che Marisol ha detto sul tornare in Bolivia e riconnettersi con aspetti della sua cultura attraverso la famiglia.

Per me, tornare in Perù è diventato significativo dopo aver cambiato carriera e iniziato a studiare fotografia di moda. La fotografia mi ha dato un modo per porre domande che non avevo mai considerato prima. Il mio corso di laurea mi ha spinto a esplorare il messaggio dietro il mio lavoro, partendo dall’auto-riflessione. Quel processo mi ha portato a ricercare le mie radici.

Sono tornata in Perù, passando del tempo con mia nonna e scavando negli archivi di famiglia. A Cusco, ho incontrato comunità indigene che collaboravano con un ristorante e centro di ricerca di alto livello chiamato Mil. Hanno condiviso la loro profonda conoscenza della terra, tramandata dai tempi pre-incaici.

Vista del Perù dall’aereo.
Ana Margarita Flores

Anche se conoscevo questa storia, non mi ero mai connessa direttamente con queste comunità. È stato un risveglio—ho realizzato quanto poco sapessi davvero del mio paese. Crescendo, la cultura peruviana era presente in casa mia attraverso il cibo e la lingua, ma raramente discutevamo della sua storia. Onestamente, non l’avevo mai messa in discussione mentre vivevo in Svizzera con i miei genitori. È stato solo con gli studi di fotografia che ho iniziato a decostruire questi strati.

Durante il mio viaggio del 2023, ho ricercato il colonialismo e ho incontrato persone che hanno affrontato secoli di discriminazione. Mi sono sentita orgogliosa di interagire con loro e imparare dalla loro conoscenza preservata, ma anche arrabbiata per quanto rimangano emarginate—giudicate per la mancanza di istruzione formale, il colore della pelle o la lingua.

Per il mio progetto finale, ho esplorato i tessuti come linguaggio e atto di resilienza. La mia ricerca si è approfondita in qualcosa di profondamente personale. Ho dovuto confrontare la mia identità—essere peruviana con genitori peruviani, ma percepita come bianca lì, mentre in Europa sono vista come marrone. Mia nonna, dalla pelle scura, ha subito discriminazioni, mentre io, sua nipote, sono trattata diversamente.

Ho tracciato parallelismi tra la storia delle donne indigene e la vita di mia nonna. Scegliere Cusco è stato intenzionale—sono nata lì, e tornare è sembrato un riappropriarmi delle mie radici. Ho scattato autoritratti nella vecchia casa di famiglia, un’esperienza emotiva.

Il titolo del mio progetto è arrivato inaspettatamente. Mentre andavo in bici e ascoltavo Where This Flower Blooms di Tyler, the Creator, ho avuto l’illuminazione. L’ho modificato in Where These Flowers Bloom—un riferimento alle storie di tre donne.

Ecco perché il lavoro di Marisol risuona in me. Entrambe esploriamo l’identità attraverso la storia familiare. Mia madre, mia nonna e io condividiamo il Perù come terreno comune. Tornare lì mi ha aiutato a fiorire—non solo come artista, ma come persona.

La madre di Ana, Ana Margarita Flores (CDB): Quando avete parlato prima, ho notato che avete usato la parola "rabbia". Lo trovo interessante, considerando come le donne siano spesso etichettate come arrabbiate. La teorica Sarah Ahmed dice che la rabbia è un’emozione fertile, specialmente per le donne—qualcosa che dovremmo celebrare perché può guidare un cambiamento positivo, specialmente per le persone creative. Quindi volevo chiedervi: avete mai sentito che la vostra identità, come donne con radici latinoamericane, è stata appiattita nel modo in cui le persone vi percepiscono e percepiscono il vostro lavoro? Come lo sfidate?

Marisol Mendez (MM): In questo momento, sono molto attratta dall’idea di "intersezionalità", che circola da un po’. Mi piace la tua parola, "appiattita", perché l’identità è complessa—modellata da dove sei nata, dove sei cresciuta, persino dalla geografia. L’intersezionalità risuona in me perché riconosce identità ibride. Conteniamo così tanti strati. Come hai detto, essere donne ci plasma, ma sono anche una boliviana bianca, il che altera completamente la mia esperienza. È un po’ triste non poter definire esattamente chi sono, ma forse questa fluidità è bella.

Ana Margarita Flores (AMF): Mi connetto profondamente anche con l’intersezionalità. Sono nata in Perù ma cresciuta in Svizzera, quindi parte di me è svizzera, parte è peruviana. Per molto tempo, ho faticato a trovare il mio posto—finché non ho capito che non ne ho bisogno di uno solo. Ora, amo muovermi tra entrambi e sentirmi a casa in ciascuno.

Con più artiste latinoamericane che guadagnano visibilità, stiamo aggiungendo strati alla conversazione su cosa significhi l’America Latina, specialmente in Europa. Le persone spesso ci stereotipano—supponendo che condividiamo la stessa lingua, musica o cultura. Ma la realtà è molto più complessa. Come artiste, il nostro potere sta nel mostrare quella diversità, persino all’interno di un singolo paese.

Hai menzionato la rabbia—è un ottimo punto di partenza perché alimenta un’esplorazione più profonda. Mi spinge a conoscere la mia cultura e a sfidare narrazioni semplicistiche. Non stiamo cercando di cancellare le percezioni esistenti, ma stiamo condividendo le nostre storie, offrendo nuove prospettive.

CDB: Gli europei spesso agiscono come se fossimo gli unici ad avere diritto alla complessità. Ciò che entrambe fate così naturalmente è vedere le cose in modo intersezionale—riconoscendo che la realtà è stratificata. Esaminate patriarcato, colonialismo e femminilità senza separarli perché sono profondamente intrecciati nel vostro lavoro. Quindi la mia domanda è: c’è stato un momento in cui avete realizzato che il vostro modo di vedere o creare immagini era influenzato da pregiudizi patriarcali o coloniali? O che dovevate disimparare qualcosa dentro di voi?

MM: Io... [la risposta continua]

(Nota: La risposta è stata interrotta, ma il testo riscritto mantiene il significato originale migliorando chiarezza e fluidità.)

Sono cresciuta circondata dal machismo ed ero piuttosto machista io stessa, provenendo da un background boliviano conservatore. Anche se i miei genitori non erano necessariamente così, la Bolivia nel complesso è più tradizionale e patriarcale di molti luoghi. È interessante come queste idee siano spesso tramandate dalle madri.

L’America Latina ha ancora una cultura profondamente machista—molto patriarcale, molto tradizionale. L’influenza della Chiesa Cattolica è ovunque. La fede è bella, e ammiro la devozione delle persone, ma le opinioni della Chiesa sulle donne sono restrittive, e ancora oggi molte posizioni di potere rimangono chiuse a loro. Crescendo cattolica, queste erano le lezioni che ho assorbito. Pensavo di dover essere sexy, indossare vestiti attillati, e mi sentivo insicura perché non avevo un fisico prosperoso.

Mi piace la parola "decostruzione" perché non si tratta di cancellare queste idee ma di esaminarle e rimodellarle. È ciò che ho fatto in Madre. Provenendo dalla moda, ero abituata allo styling e ai ritratti, ma in Bolivia non avevo uno stylist—così il cattolicesimo è diventato il mio stylist. Ho preso ispirazione dalla sua iconografia ma ho capovolto il messaggio. Per esempio, ho ritratto Maria Maddalena come una donna trans in intimo sexy. L’umorismo, per me, è un modo per proporre nuovi mondi—trasformare la rabbia in qualcosa di giocoso sfida le norme patriarcali.

Ed è importante riconoscere che ci sono uomini che mi hanno aiutato a disimparare questi atteggiamenti. Il cambiamento è uno sforzo collettivo; nessuno di noi è perfetto, e stiamo ancora costruendo nuovi modi di pensare.

Anche come peruviana, avevo paura di esotizzare la mia stessa cultura o ripetere cliché. Volevo che il mio lavoro fosse una lettera d’amore ai miei soggetti e al mio paese, mostrando loro rispetto. Per evitare stereotipi, ho studiato come i fotografi—non solo in America Latina ma in tutto il Sud del Mondo—ritraevano le persone, analizzando cosa funzionava e cosa no.

Non volevo alterare l’aspetto dei miei soggetti. Il loro uso del colore mi affascinava—chiedevo dei loro abiti quotidiani, e anche se indossavano vestiti simili, piccoli cambiamenti, come scambiare cappelli o colori, li rendevano unici.

È così che ho iniziato. Collaborando con un altro regista, abbiamo reimmaginato abiti tradizionali in modi contemporanei e artistici. Per gli scatti di still life, mi sono ispirata alle campagne di moda ma ho usato scarpe tradizionali. Giocare con questi elementi è stato il mio modo di ridefinire la moda a modo mio.

All’università, mi dicevano che la moda doveva coinvolgere marchi—altrimenti non contava. Ma chi decide cos’è la moda? Se le persone lo indossano oggi, è moda. Quel modo di pensare ha solo rafforzato il mio bisogno di documentare il loro stile, dimostrando che la moda esiste oltre le etichette commerciali.

Entrambe usate l’abbigliamento per sfidare le percezioni della realtà—una da una lente coloniale, l’altra da una patriarcale. Fin dall’infanzia, ci è stato detto cosa è "appropriato" indossare e cosa no, proprio come la moda detta cosa è "di tendenza" o "fuori moda".

AMF: Il mio punto di svolta è stato leggere Le vene aperte dell’America Latina di Eduardo Galeano.
MM: Quel libro mi ha fatto infuriare!
AMF: L’ho letto due o tre volte mentre ricercavo per la mia tesi finale. C’è un passaggio in cui Galeano fa notare come i turisti amano fotografare le donne latinoamericane in abiti tradizionali senza mettere in discussione le loro origini. Spiega che questi vestiti—e persino le acconciature—sono stati imposti dai colonizzatori spagnoli. Mi ha scioccato. Ciò che chiamiamo "tradizione" è in realtà influenza coloniale, e non l’avevo mai messo in discussione. Ulteriori ricerche hanno rivelato che anche i cappelli erano strumenti di controllo—i proprietari terrieri facevano indossare stili diversi ai loro lavoratori schiavizzati per distinguerli.

(Where These Flowers Bloom – Ana Margarita Flores)

MM: In Bolivia, le cholitas pasenjas indossano cappelli a bombetta, che originariamente erano cappelli da uomo. La leggenda dice che una spedizione di questi cappelli arrivò in eccesso, e poiché non c’erano abbastanza uomini a comprarli, i venditori li hanno commercializzati alle donne come moda europea di alto status. Le donne li hanno adottati, non per forza, ma come modo per navigare il sistema di classe.

Ecco perché contano molteplici prospettive—la storia è spesso semplificata quando vista attraverso una sola lente. Per troppo tempo, solo certe persone potevano plasmare queste narrazioni. Ora, con più fotografe latinoamericane che raccontano le loro storie, stiamo finalmente vedendo voci diverse. Così tanta della nostra storia visiva viene da occidentali esterni—è vitale riappropriarci delle nostre narrazioni.

(Bull – Marisol Mendez)

CDB: "Corallo" è una parola che amo. Entrambe collaborate profondamente con i vostri soggetti—consenso e interazione sono temi urgenti. Come vi hanno ispirato queste donne, e come è stato il lavoro reciproco?

MM: La fotografia riguarda la connessione. Il minimo che si deve a qualcuno è il rispetto, eppure spesso viene trascurato. Sono nerv