Aqui está uma versão reescrita do texto em português fluente e natural, preservando o significado original:

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Acredito que as mulheres possuem um tipo especial de criatividade que as ajuda a navegar até mesmo pelas situações mais impossíveis. Isso é especialmente verdadeiro para as mulheres artistas, que usam seu trabalho criativo para superar os desafios da vida. Acho isso incrivelmente inspirador — me dá esperança no futuro.

O que inspirou seu foco em contar histórias sobre feminilidade? De onde veio esse desejo?

MGC: Eu credito essa mudança à minha filha. Sempre trabalhei de forma instintiva, mas Rachele — que tem uma abordagem mais analítica e culturalmente consciente da vida — me ajudou a ver as coisas de maneira diferente. Nossas conversas se tornaram um diálogo geracional. Ela questionou o papel da moda e me fez repensar o que a moda poderia representar. Passamos por um período juntas em que a moda precisava assumir um significado mais profundo.

RR: Na universidade, meu círculo acadêmico era altamente crítico em relação ao papel da moda — como ela molda as imagens da feminilidade e do corpo feminino. Essa percepção coincidiu com ela assumindo a direção criativa na Dior. Nossas discussões giravam em torno do que significa ser uma mulher desenhando roupas para mulheres.

MGC: Vindo do meu background, eu focava mais no artesanato do que na representação do corpo feminino. Alguns direitos pareciam já conquistados — a geração da minha mãe lutou pelo divórcio e pelo aborto, então eu os dava como garantidos. Trabalhando com mulheres como as irmãs Fendi, eu desfrutava de liberdade total e assumia que essas liberdades eram permanentes. Foi chocante perceber que representar a feminilidade trazia novas complexidades. Envolver-me com uma cultura visual diferente — que não era proeminente no início da minha carreira — foi revelador. Minha geração via a moda como algo abstrato, menos ligado à responsabilidade de representar corpos femininos.

RR: Minhas críticas visavam torná-la mais consciente dessa responsabilidade, dado seu papel influente. Quando comecei a trabalhar com ela, entendi como a mudança acontece de dentro — navegando por múltiplas realidades enquanto entregamos resultados tangíveis.

(Legendas das imagens: Duas fotos dos tableaux vivants originais de Man Ray de 1930, que inspiraram a exposição desta semana no Teatro della Cometa.)

A realidade é que ainda há muito poucas mulheres desenhando para mulheres nas grandes casas de moda.

RR: A perspectiva patriarcal é sistêmica, afetando todas as indústrias e campos criativos. Até mesmo as mulheres internalizaram essa visão, muitas vezes inconscientemente.

MGC: Você precisa constantemente se questionar — sua identidade, seu trabalho, o que você assume como garantido. Minhas conversas com minha filha e sua geração me forçaram a repensar muitas coisas. Isso aconteceu enquanto a indústria parecia estar mudando (ou pelo menos parecia). O acesso atual à informação e às ferramentas de comunicação é impressionante — damos como certos os livros, o conhecimento e a tecnologia ao nosso alcance. Redes sociais e novas tecnologias... (a frase se perde) Esses processos todos se interconectaram — às vezes demais, na minha opinião. Ainda assim, deram voz e perspectiva crítica a todos, mesmo que às vezes isso venha com análises simplificadas ou menos sutis. Mas tudo faz parte de uma evolução contínua.

Os desfiles de moda agora têm um público global, mas você está atualmente administrando um teatro íntimo — um espaço pequeno e precioso, completamente diferente da escala da Dior. Como você vê a moda hoje?

MGC: O que importa não é o tamanho, mas a oportunidade de trabalhar em projetos de qualidade real. Uma marca pode ser pequena, grande ou até "mega-galática" — claro, os orçamentos e oportunidades variam — mas a alegria permanece a mesma. Eu sentia tanta realização no início da minha carreira trabalhando para marcas pequenas quanto depois para uma grande.

O teatro permite uma abordagem mais íntima, o que de certa forma é ainda mais emocionante porque você tem menos recursos. Também é mais artesanal — você precisa resolver problemas manualmente. Por exemplo, decidir a cenografia com o artista Pietro Ruffo, depois descobrir como imprimir um pequeno catálogo, encontrar uma oficina local, organizar a tipografia... Esse processo manual é lindo, e acho que os jovens realmente se conectam com isso. Levei Rachele para conhecer todos os artesãos com quem trabalho — é fascinante ver as pessoas que dão vida a esses projetos.

Talvez porque eu seja de Roma, onde há uma forte cultura de colaboração, nunca fui atraída por plataformas massivas. Conheço pessoalmente todos com quem trabalho — tenho todos os números deles. Ontem no desfile de cruzeiro, muitos deles estavam lá. Eu os queria comigo porque é um momento compartilhado de orgulho — fizemos acontecer juntos.

Como a moda mudou desde que você começou?

Testemunhei uma mudança geracional inteira, em parte através da Rachele, que cresceu na moda — ela costumava ir comigo ao escritório da Fendi quando criança, brincando nas salas de mostra com seu irmão. Eles ajudavam a organizar bolsas nas prateleiras para se manterem ocupados. Meu marido Paolo os levava para lá enquanto eu trabalhava — até amamentando entre reuniões. É um jeito muito italiano, misturando família e trabalho.

Tive sorte de trabalhar com os fundadores da Valentino e as irmãs Fendi, mentoras incríveis que me ensinaram muito. Depois a moda foi dominada por grandes grupos, e eu vivi essa transição também. A maior mudança, porém, veio com a comunicação — as novas mídias transformaram a moda em cultura pop.

Antes, a moda era uma conversa entre iniciados que entendiam o ofício. Agora, seu público pode incluir alguém que nunca viu um desfile ou compreendeu o esforço por trás de uma coleção. Com essas plataformas, é mais difícil transmitir profundidade, então o risco é uma visão muito superficial.

Para onde o sistema está indo? Honestamente, não sei. Mas como todas as coisas, ele se move em ciclos — como diz O Leopardo, "Tudo muda para que nada mude". Talvez precisemos de uma nova perspectiva. Mesmo com o Teatro Cometa, estamos repensando a programação tradicional porque... Não seria sustentável. A atenção das pessoas mudou — está muito mais curta agora. Com tantas imagens em todo lugar, tudo parece frenético, consumido instantaneamente.

Rachele, que tipo de programação podemos esperar do Teatro della Cometa?

RR: A programação terá foco em música porque o primeiro espetáculo quando o Teatro Cometa abriu em 1958 foi I Capricci di Marianna de Alfred de Musset, estrelado por uma jovem Monica Vitti, e também houve muitos concertos de música de câmara. Então a música fará parte do programa. Queríamos trazer de volta a variedade — não apenas teatro, mas também música, performance e dança — porque nossa abordagem é a mesma que adotamos na Dior: criar diálogo e oferecer uma plataforma para criativos de diferentes áreas.

A ideia é ter curadores diferentes para cada disciplina, com um comitê artístico supervisionando tudo. Você não verá o mesmo espetáculo por seis meses seguidos — em vez disso, talvez um mês de dança, depois um mês de música, alternando como um festival.

MGC: É um projeto de longo prazo que nos permite fazer o que amamos — pesquisa. E sim, é atemporal — realmente atemporal, essa palavra que a moda adora tanto. Comparado à moda, esse projeto é definitivamente mais atemporal!

Então você também estará muito envolvida?

RR: Ela é uma empreendedora cultural agora!

MGC: Honestamente, estou apenas tentando cobrir os custos! Felizmente, meu marido e meu filho estão me ajudando a entender o plano de negócios porque sou péssima nisso — eu realmente deveria aprender mais sobre finanças.

Talvez desenhar figurinos para o teatro?

MGC: Não, figurinos não me interessam no momento. Estou mais focada em pesquisa e colaboração com uma equipe para desenvolver ideias. Também adoraria fazer um livro sobre Mimì Pecci Blunt — é algo que realmente quero fazer. Vai levar tempo, mas temos todo o arquivo. E quero que o Teatro della Cometa tenha vida própria — não queremos que ele esteja ligado apenas a nós, mesmo que eu tenha sido bastante visível ao longo dos anos.

Com todas as pessoas com quem você trabalhou na Dior, houve algum momento especialmente inspirador — que ensinou ou surpreendeu? Algum artista com quem você particularmente gostou de colaborar?

MGC: A verdade é que esses projetos nunca são esforços solitários — são sempre trabalho em equipe. O que mais me satisfaz é ver a equipe animada por fazer parte dessas experiências porque todos aprendemos.

Trabalhar com a coreógrafa Sharon Eyal (para a coleção primavera 2019 da Dior) foi incrível. Desenhar para balé significa trabalhar de perto com o corpo — encontrar soluções com a equipe de malharia foi técnico, emocional e visual. Foi poderoso e fascinou todos nós. Era nossa primeira vez trabalhando com uma coreógrafa, e todos estavam nervosos com a coordenação de um desfile com coreografia e música. Aprendemos muito — e continuamos colaborando com ela depois, até mesmo para seus próprios balés — porque se forma uma espécie de comunidade, onde você permanece conectado.

Depois há Chanakya — a escola, os artistas, a exposição que fizemos no Vaticano — e até fomos com eles para a Bienal de Veneza 2024 para uma exposição paralela chamada Cosmic Garden. Foi louco! Mulheres loucas na Bienal! Nem sabíamos como nos inscrever para a chamada de propostas. Esse é o espírito de aventura — quando você não sabe se vai conseguir, mas tenta mesmo assim e segue em frente, levando pessoas junto. Eu definitivamente — Elas definitivamente têm um espírito aventureiro.

O saguão do teatro foi restaurado para sua estética elegante de meados do século.
Fotografado por Laura Sciacovelli

Chiuri liderou uma restauração cuidadosa, trazendo o local de volta à vida com o arquiteto Fabio Tudisco. Eles honraram o design original dos anos 1950 de Tomaso Buzzi, que imaginou o espaço como um luxuoso teatro de corte barroco.
Fotografado por Laura Sciacovelli

Uma mãe e uma filha posam do lado de fora do teatro.
Fotografado por Laura Sciacovelli