Hier ist eine überarbeitete Version des Textes in fließendem, natürlichem Deutsch, wobei die ursprüngliche Bedeutung erhalten bleibt:

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Ich glaube, Frauen besitzen eine besondere Art von Kreativität, die ihnen hilft, selbst die unmöglichsten Situationen zu meistern. Das gilt besonders für Künstlerinnen, die ihre kreative Arbeit nutzen, um die Herausforderungen des Lebens zu bewältigen. Das finde ich unglaublich inspirierend – es gibt mir Hoffnung für die Zukunft.

**Was hat dich dazu inspiriert, Geschichten über Weiblichkeit zu erzählen? Woher kam dieses Bedürfnis?**

MGC: Ich verdanke diese Veränderung meiner Tochter. Ich habe immer instinktiv gearbeitet, aber Rachele – die einen analytischeren, kulturell bewussteren Ansatz zum Leben hat – hat mir geholfen, die Dinge anders zu sehen. Unsere Gespräche wurden zu einem generationenübergreifenden Dialog. Sie hinterfragte die Rolle der Mode und brachte mich dazu, neu zu überdenken, was Mode repräsentieren könnte. Wir durchlebten gemeinsam eine Phase, in der Mode eine tiefere Bedeutung annehmen musste.

RR: An der Universität war mein akademisches Umfeld sehr kritisch gegenüber der Rolle der Mode – wie sie Bilder von Weiblichkeit und dem weiblichen Körper prägt. Diese Erkenntnis fiel mit ihrer Zeit als Creative Director bei Dior zusammen. Unsere Diskussionen drehten sich darum, was es bedeutet, als Frau Kleidung für Frauen zu entwerfen.

MGC: Aus meinem Hintergrund heraus lag mein Fokus mehr auf Handwerkskunst als auf der Darstellung weiblicher Körper. Bestimmte Rechte schienen bereits errungen – die Generation meiner Mutter hatte für Scheidung und Abtreibungsrechte gekämpft, also nahm ich sie als selbstverständlich hin. Bei der Arbeit mit Frauen wie den Fendi-Schwestern genoss ich völlige Freiheit und nahm an, diese Freiheiten seien dauerhaft. Es war schockierend zu erkennen, dass die Darstellung von Weiblichkeit neue Komplexitäten mit sich brachte. Die Auseinandersetzung mit einer anderen visuellen Kultur – die zu Beginn meiner Karriere nicht präsent war – war augenöffnend. Meine Generation sah Mode als abstrakt, weniger verbunden mit der Verantwortung, weibliche Körper darzustellen.

RR: Meine Kritik zielte darauf ab, sie dieser Verantwortung bewusster zu machen, angesichts ihrer einflussreichen Rolle. Als ich begann, mit ihr zu arbeiten, verstand ich, wie Veränderung von innen heraus geschieht – indem man mehrere Realitäten navigiert und gleichzeitig greifbare Ergebnisse liefert.

**(Bildunterschriften: Zwei Fotos von Man Rays originalen Tableaux Vivants aus dem Jahr 1930, die diese Woche die Ausstellung im Teatro della Cometa inspirierten.)**

Die Realität ist, dass es immer noch sehr wenige Frauen gibt, die für Frauen in großen Modehäusern entwerfen.

RR: Die patriarchale Perspektive ist systemisch und betrifft jede Branche und jedes kreative Feld. Selbst Frauen haben diese Sichtweise oft unbewusst verinnerlicht.

MGC: Man muss sich ständig hinterfragen – die eigene Identität, die Arbeit, das, was man als gegeben annimmt. Meine Gespräche mit meiner Tochter und ihrer Generation zwangen mich, vieles neu zu überdenken. Das geschah zu einer Zeit, als sich die Branche scheinbar veränderte (oder zumindest schien es so). Der heutige Zugang zu Informationen und Kommunikationsmitteln ist überwältigend – wir nehmen Bücher, Wissen und Technologie als selbstverständlich hin. Soziale Medien und neue Technologien... **(der Satz bricht ab)** Diese Prozesse sind alle miteinander verbunden – manchmal zu sehr, meiner Meinung nach. Trotzdem haben sie jedem eine Stimme und eine kritische Perspektive gegeben, auch wenn diese manchmal mit vereinfachten oder weniger nuancierten Analysen einhergeht. Aber das ist Teil einer fortlaufenden Entwicklung.

Modenschauen haben heute ein globales Publikum, doch ihr betreibt derzeit ein intimes Theater – einen kleinen, juwelenartigen Raum, völlig anders als das Ausmaß von Dior. Wie siehst du Mode heute?

**MGC:** Wichtig ist nicht die Größe, sondern die Möglichkeit, an Projekten von echter Qualität zu arbeiten. Eine Marke kann klein, groß oder sogar „mega-galaktisch“ sein – natürlich variieren Budgets und Möglichkeiten –, aber die Freude bleibt dieselbe. Ich fand genauso viel Erfüllung am Anfang meiner Karriere bei kleinen Marken wie später bei einer großen.

Das Theater ermöglicht einen intimeren Ansatz, der in mancher Hinsicht sogar aufregender ist, weil man weniger Ressourcen hat. Es ist auch handwerklicher – man muss Probleme manuell lösen. Zum Beispiel die Entscheidung über das Bühnenbild mit dem Künstler Pietro Ruffo, dann die Frage, wie man einen kleinen Katalog druckt, eine lokale Werkstatt findet, die Typografie arrangiert... Dieser praktische Prozess ist wunderschön, und ich denke, junge Menschen können sich damit wirklich identifizieren. Ich habe Rachele zu allen Handwerkern gebracht, mit denen ich arbeite – es ist faszinierend, die Menschen zu sehen, die diese Projekte zum Leben erwecken.

Vielleicht, weil ich aus Rom komme, wo es eine starke Kultur der Zusammenarbeit gibt, habe ich mich nie zu großen Plattformen hingezogen gefühlt. Ich kenne alle, mit denen ich arbeite, persönlich – ich habe alle ihre Nummern. Gestern Abend bei der Cruise-Show waren viele von ihnen dabei. Ich wollte sie bei mir haben, weil es ein gemeinsamer Moment des Stolzes ist – wir haben es zusammen geschafft.

**Wie hat sich die Mode verändert, seit du angefangen hast?**

Ich habe einen ganzen Generationenwechsel miterlebt, teilweise durch Rachele, die in der Mode aufgewachsen ist – als Kind kam sie mit mir ins Fendi-Büro und spielte mit ihrem Bruder in den Showrooms. Sie halfen, Taschen in Regale zu sortieren, um beschäftigt zu sein. Mein Mann Paolo brachte sie dorthin, während ich arbeitete – sogar das Stillen zwischen Meetings. Das ist eine sehr italienische Art, Familie und Arbeit zu verbinden.

Ich hatte das Glück, mit den Gründern von Valentino und den Fendi-Schwestern zu arbeiten, unglaublichen Mentoren, die mir so viel beigebracht haben. Dann wurde die Mode von großen Gruppen dominiert, und ich habe auch diesen Übergang erlebt. Die größte Veränderung kam jedoch mit der Kommunikation – neue Medien haben Mode zu einem Teil der Popkultur gemacht.

Früher war Mode ein Insider-Gespräch unter Menschen, die das Handwerk verstanden. Heute kann dein Publikum jemanden einschließen, der noch nie eine Modenschau gesehen oder die Mühe hinter einer Kollektion begriffen hat. Mit diesen Plattformen ist es schwieriger, die Tiefe zu vermitteln, daher besteht die Gefahr einer sehr oberflächlichen Betrachtung.

Wohin entwickelt sich das System? Ehrlich gesagt, ich weiß es nicht. Aber wie alles bewegt es sich in Zyklen – wie **Der Leopard** sagt: „Alles ändert sich, damit alles gleich bleibt.“ Vielleicht brauchen wir eine neue Perspektive. Selbst mit dem Teatro Cometa überdenken wir das traditionelle Programm, weil... es nicht nachhaltig wäre. Die Aufmerksamkeitsspanne der Menschen hat sich verändert – sie ist viel kürzer geworden. Bei so vielen Bildern überall fühlt sich alles hektisch an, wird sofort konsumiert.

**Rachele, was für ein Programm können wir vom Teatro della Cometa erwarten?**

**RR:** Das Programm wird sich auf Musik konzentrieren, denn die allererste Aufführung, als das Teatro Cometa 1958 eröffnete, war **I Capricci di Marianna** von Alfred de Musset mit der jungen Monica Vitti in der Hauptrolle, und es gab auch viele Kammermusikkonzerte. Also wird Musik Teil des Programms sein. Wir wollten die Vielfalt zurückbringen – nicht nur Theater, sondern auch Musik, Performance und Tanz – weil unser Ansatz derselbe ist wie bei Dior: Dialog schaffen und eine Plattform für Kreative aus verschiedenen Bereichen bieten.

Die Idee ist, für jede Disziplin unterschiedliche Kuratoren zu haben, mit einem künstlerischen Komitee, das alles überwacht. Man wird nicht sechs Monate lang dieselbe Aufführung sehen – stattdessen vielleicht einen Monat Tanz, dann einen Monat Musik, wie bei einem Festival.

**MGC:** Es ist ein langfristiges Projekt, das uns ermöglicht, das zu tun, was wir lieben – Forschung. Und ja, es ist zeitlos – wirklich zeitlos, dieses Wort, das die Mode so liebt. Im Vergleich zur Mode ist dieses Projekt definitiv zeitloser!

**Also werdet ihr auch sehr involviert sein?**

**RR:** Sie ist jetzt eine Kulturunternehmerin!

**MGC:** Ehrlich gesagt, versuche ich nur, die Kosten zu decken! Zum Glück helfen mir mein Mann und mein Sohn, den Businessplan zu verstehen, denn ich bin schrecklich darin – ich sollte wirklich mehr über Finanzen lernen.

**Vielleicht Kostüme für das Theater entwerfen?**

**MGC:** Nein, Kostüme interessieren mich im Moment nicht. Ich konzentriere mich mehr auf Forschung und die Zusammenarbeit mit einem Team, um Ideen zu entwickeln. Ich würde auch gerne ein Buch über Mimì Pecci Blunt machen – das ist etwas, das ich wirklich tun möchte. Es wird Zeit brauchen, aber wir haben das gesamte Archiv. Und ich möchte, dass das Teatro della Cometa sein eigenes Leben hat – wir wollen nicht, dass es nur an uns gebunden ist, obwohl ich über die Jahre sehr sichtbar war.

**Bei all den Menschen, mit denen du bei Dior gearbeitet hast, gab es da besonders inspirierende Momente – solche, die dich gelehrt oder überrascht haben? Gibt es einen Künstler, mit dem du besonders gerne zusammengearbeitet hast?**

**MGC:** Die Wahrheit ist, diese Projekte sind nie Einzelleistungen – es ist immer Teamarbeit. Was mich am meisten befriedigt, ist zu sehen, wie das Team begeistert ist, Teil dieser Erfahrungen zu sein, weil wir alle lernen.

Die Zusammenarbeit mit der Choreografin Sharon Eyal (für Diors Frühjahr/Sommer 2019-Kollektion) war unglaublich. Für Ballett zu entwerfen bedeutet, eng mit dem Körper zu arbeiten – Lösungen mit dem Strickwaren-Team zu finden war technisch, emotional und visuell. Es war kraftvoll und faszinierte uns alle. Es war unser erstes Mal, mit einer Choreografin zu arbeiten, und alle waren nervös, eine Show mit Choreografie und Musik zu koordinieren. Wir haben so viel gelernt – und haben danach weiter mit ihr zusammengearbeitet, sogar für ihre eigenen Ballette – weil sich eine Art Gemeinschaft bildet, in der man verbunden bleibt.

Dann gibt es Chanakya – die Schule, die Künstler, die Ausstellung, die wir im Vatikan gemacht haben – und wir sind sogar mit ihnen zur Biennale Venedig 2024 gegangen, für eine Nebenausstellung namens **Cosmic Garden**. Es war verrückt! Verrückte Frauen auf der Biennale! Wir wussten nicht einmal, wie man sich auf den Call for Projects bewirbt. Das ist der Abenteuergeist – wenn man nicht weiß, ob man Erfolg haben wird, aber es trotzdem versucht und vorankommt, indem man Menschen mitnimmt. Ich definitiv – Sie haben definitiv einen abenteuerlichen Geist.

Die Lobby des Theaters wurde in ihrer eleganten Mid-Century-Ästhetik restauriert.
**Fotografiert von Laura Sciacovelli**

Chiuri leitete eine sorgfältige Restaurierung und erweckte den Ort mit dem Architekten Fabio Tudisco wieder zum Leben. Sie würdigten das ursprüngliche Design der 1950er Jahre von Tomaso Buzzi, das den Raum als prunkvolles barockes Hoftheater konzipierte.
**Fotografiert von Laura Sciacovelli**

Eine Mutter und Tochter stehen vor dem Theater.
**Fotografiert von Laura Sciacovelli**