Voici une version réécrite du texte dans un anglais fluide et naturel, tout en préservant le sens original :

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Je crois que les femmes possèdent une créativité particulière qui leur permet de naviguer même dans les situations les plus impossibles. C'est particulièrement vrai pour les femmes artistes, qui utilisent leur travail créatif pour surmonter les défis de la vie. Je trouve cela incroyablement inspirant—cela me donne de l'espoir pour l'avenir.

Qu'est-ce qui a inspiré votre focalisation sur les récits autour de la féminité ? D'où vient ce désir ?

MGC : Je dois ce changement à ma fille. J'ai toujours travaillé de manière instinctive, mais Rachele—qui a une approche plus analytique et culturellement consciente de la vie—m'a aidée à voir les choses différemment. Nos conversations sont devenues un dialogue intergénérationnel. Elle a questionné le rôle de la mode et m'a poussée à reconsidérer ce que la mode pouvait représenter. Nous avons traversé ensemble une période où la mode devait prendre une signification plus profonde.

RR : À l'université, mon cercle académique était très critique envers le rôle de la mode—comment elle façonne les images de la féminité et du corps féminin. Cette prise de conscience a coïncidé avec sa nomination en tant que directrice créative chez Dior. Nos discussions portaient sur ce que signifie être une femme qui conçoit des vêtements pour des femmes.

MGC : Venant de mon parcours, je me concentrais davantage sur l'artisanat que sur la représentation des corps féminins. Certains droits me semblaient déjà acquis—la génération de ma mère avait lutté pour le divorce et le droit à l'avortement, alors je les tenais pour acquis. En travaillant avec des femmes comme les sœurs Fendi, j'ai joui d'une liberté totale et j'ai supposé que ces libertés étaient permanentes. Ce fut un choc de réaliser que représenter la féminité comportait de nouvelles complexités. M'engager dans une culture visuelle différente—qui n'était pas prédominante au début de ma carrière—a été révélateur. Ma génération voyait la mode comme abstraite, moins liée à la responsabilité de représenter les corps féminins.

RR : Mes critiques visaient à la rendre plus consciente de cette responsabilité, compte tenu de son rôle influent. Quand j'ai commencé à travailler avec elle, j'ai compris comment le changement s'opère de l'intérieur—en naviguant entre plusieurs réalités tout en obtenant des résultats tangibles.

(Légendes des images : Deux photos des tableaux vivants originaux de Man Ray datant de 1930, qui ont inspiré l'exposition de cette semaine au Teatro della Cometa.)

La réalité est qu'il y a encore très peu de femmes qui conçoivent pour des femmes dans les grandes maisons de mode.

RR : La perspective patriarcale est systémique, affectant tous les secteurs et domaines créatifs. Même les femmes ont intériorisé ce point de vue, souvent inconsciemment.

MGC : Il faut constamment se remettre en question—son identité, son travail, ce que l'on considère comme acquis. Mes conversations avec ma fille et sa génération m'ont obligée à repenser beaucoup de choses. Cela s'est produit alors que l'industrie semblait changer (ou du moins, c'est ce qu'il semblait). L'accès actuel à l'information et aux outils de communication est stupéfiant—nous tenons pour acquis les livres, les connaissances et la technologie à portée de main. Les réseaux sociaux et les nouvelles technologies... (la phrase s'interrompt) Ces processus sont désormais interconnectés—parfois trop, à mon avis. Pourtant, ils ont donné à chacun une voix et une perspective critique, même si cela s'accompagne parfois d'analyses simplifiées ou moins nuancées. Mais cela fait partie d'une évolution continue.

Les défilés de mode ont désormais un public mondial, mais vous gérez actuellement un théâtre intimiste—un petit espace précieux, complètement différent de l'échelle de Dior. Comment voyez-vous la mode aujourd'hui ?

MGC : Ce qui compte, ce n'est pas la taille, mais la possibilité de travailler sur des projets de qualité. Une marque peut être petite, grande, voire "méga-galactique"—bien sûr, les budgets et les opportunités varient—mais la joie reste la même. J'ai trouvé autant d'épanouissement au début de ma carrière en travaillant pour de petites marques que plus tard pour une grande.

Le théâtre permet une approche plus intime, ce qui est parfois encore plus excitant car on dispose de moins de ressources. C'est aussi plus artisanal—il faut résoudre les problèmes à la main. Par exemple, décider de la scénographie avec l'artiste Pietro Ruffo, puis trouver comment imprimer un petit catalogue, dénicher un atelier local, organiser la typographie… Ce processus manuel est magnifique, et je pense que les jeunes s'y identifient vraiment. J'ai emmené Rachele rencontrer tous les artisans avec qui je travaille—c'est fascinant de voir les personnes qui donnent vie à ces projets.

Peut-être parce que je viens de Rome, où la culture de la collaboration est forte, je n'ai jamais été attirée par les plateformes massives. Je connais personnellement tous ceux avec qui je travaille—j'ai tous leurs numéros. Hier soir, lors du défilé croisière, beaucoup d'entre eux étaient là. Je voulais qu'ils soient avec moi car c'est un moment de fierté partagée—nous l'avons réalisé ensemble.

Comment la mode a-t-elle changé depuis vos débuts ?

J'ai assisté à un changement générationnel complet, en partie grâce à Rachele, qui a grandi dans la mode—enfant, elle m'accompagnait au bureau de Fendi, jouant dans les showrooms avec son frère. Ils aidaient à ranger les sacs sur les étagères pour s'occuper. Mon mari Paolo les emmenait là-bas pendant que je travaillais—j'allaitais même entre les réunions. C'est très italien, ce mélange de famille et de travail.

J'ai eu la chance de travailler avec les fondateurs de Valentino et les sœurs Fendi, des mentors incroyables qui m'ont tant appris. Puis la mode a été dominée par de grands groupes, et j'ai vécu cette transition aussi. Le plus grand changement, cependant, est venu avec la communication—les nouveaux médias ont intégré la mode dans la culture pop.

Avant, la mode était une conversation entre initiés qui comprenaient le métier. Maintenant, votre public peut inclure quelqu'un qui n'a jamais vu un défilé ou saisi l'effort derrière une collection. Avec ces plateformes, il est plus difficile de transmettre la profondeur, alors le risque est une vision très superficielle.

Où va le système ? Honnêtement, je ne sais pas. Mais comme toute chose, il évolue par cycles—comme le dit Le Guépard, "Tout change pour que rien ne change." Peut-être avons-nous besoin d'une nouvelle perspective. Même avec le Teatro Cometa, nous repensons la programmation traditionnelle car... elle ne serait pas viable. La capacité d'attention des gens a changé—elle est bien plus courte maintenant. Avec tant d'images partout, tout semble frénétique, consommé instantanément.

Rachele, quel type de programmation peut-on attendre du Teatro della Cometa ?

RR : La programmation se concentrera sur la musique car le tout premier spectacle lors de l'ouverture du Teatro Cometa en 1958 était I Capricci di Marianna d'Alfred de Musset, avec une jeune Monica Vitti, et il y avait aussi de nombreux concerts de musique de chambre. La musique fera donc partie du programme. Nous voulions ramener la variété—pas seulement du théâtre, mais aussi de la musique, des performances et de la danse—car notre approche est la même qu'à Dior : créer un dialogue et offrir une plateforme à des créatifs de différents domaines.

L'idée est d'avoir des curateurs différents pour chaque discipline, avec un comité artistique supervisant le tout. Vous ne verrez pas le même spectacle pendant six mois d'affilée—mais peut-être un mois de danse, puis un mois de musique, en rotation comme un festival.

MGC : C'est un projet à long terme qui nous permet de faire ce que nous aimons—la recherche. Et oui, c'est intemporel—vraiment intemporel, ce mot que la mode adore tant. Comparé à la mode, ce projet est définitivement plus intemporel !

Alors vous serez très impliquée aussi ?

RR : Elle est une entrepreneuse culturelle maintenant !

MGC : Honnêtement, j'essaie juste de couvrir les coûts ! Heureusement, mon mari et mon fils m'aident à comprendre le plan d'affaires car je suis nulle là-dedans—je devrais vraiment en apprendre plus sur les finances.

Peut-être concevoir des costumes pour le théâtre ?

MGC : Non, les costumes ne m'intéressent pas pour l'instant. Je me concentre davantage sur la recherche et la collaboration avec une équipe pour développer des idées. J'aimerais aussi faire un livre sur Mimì Pecci Blunt—c'est quelque chose que je veux vraiment réaliser. Cela prendra du temps, mais nous avons toute l'archive. Et je veux que le Teatro della Cometa ait sa propre vie—nous ne voulons pas qu'il soit lié uniquement à nous, même si j'ai été très visible au fil des années.

Avec toutes les personnes avec qui vous avez travaillé chez Dior, y a-t-il eu des moments particulièrement inspirants—ceux qui vous ont appris ou surpris ? Un artiste avec qui vous avez particulièrement aimé collaborer ?

MGC : La vérité, c'est que ces projets ne sont jamais des efforts solitaires—c'est toujours un travail d'équipe. Ce qui me satisfait le plus, c'est de voir l'équipe enthousiaste à l'idée de faire partie de ces expériences, car nous apprenons tous.

Travailler avec la chorégraphe Sharon Eyal (pour la collection printemps 2019 de Dior) a été incroyable. Concevoir pour la danse signifie travailler étroitement avec le corps—trouver des solutions avec l'équipe des mailles était technique, émotionnel et visuel. C'était puissant et nous a tous fascinés. C'était notre première collaboration avec une chorégraphe, et tout le monde était nerveux à l'idée de coordonner un spectacle avec chorégraphie et musique. Nous avons tellement appris—et avons continué à collaborer avec elle ensuite, même pour ses propres ballets—car une sorte de communauté se forme, où l'on reste connectés.

Puis il y a Chanakya—l'école, les artistes, l'exposition que nous avons faite au Vatican—et nous sommes même allés avec eux à la Biennale de Venise 2024 pour une exposition parallèle intitulée Cosmic Garden. C'était fou ! Des femmes folles à la Biennale ! Nous ne savions même pas comment répondre à l'appel à projets. C'est l'esprit d'aventure—quand on ne sait pas si on va réussir, mais qu'on essaie quand même et qu'on avance, en emmenant les gens avec soi. Je—Elles ont définitivement un esprit aventureux.

Le hall du théâtre a été restauré dans son esthétique élégante des années 1950.
Photographié par Laura Sciacovelli

Chiuri a mené une restauration minutieuse, redonnant vie au lieu avec l'architecte Fabio Tudisco. Ils ont honoré le design original des années 1950 de Tomaso Buzzi, qui imaginait l'espace comme un somptueux théâtre de cour baroque.
Photographié par Laura Sciacovelli

Une mère et sa fille devant le théâtre.
Photographié par Laura Sciacovelli