Här är en omformulering av texten på flytande, naturlig svenska samtidigt som den ursprungliga betydelsen bevaras:

---

Jag tror att kvinnor har en särskild slags kreativitet som hjälper dem att hantera även de mest omöjliga situationer. Detta gäller särskilt för kvinnliga konstnärer, som använder sitt kreativa arbete för att övervinna livets utmaningar. Jag finner detta otroligt inspirerande – det ger mig hopp för framtiden.

Vad inspirerade ditt fokus på att berätta historier om kvinnlighet? Varifrån kom denna önskan?

MGC: Jag tackar min dotter för denna förändring. Jag har alltid arbetat instinktivt, men Rachele – som har ett mer analytiskt och kulturellt medvetet förhållningssätt till livet – hjälpte mig att se saker på ett annat sätt. Våra samtal blev en generationsdialog. Hon ifrågasatte modens roll och fick mig att ompröva vad mode kunde representera. Vi gick igenom en period tillsammans där mode behövde få en djupare mening.

RR: På universitetet var min akademiska krets mycket kritisk mot modens roll – hur den formar bilder av kvinnlighet och den kvinnliga kroppen. Denna insikt sammanföll med att hon blev kreativ direktör på Dior. Våra diskussioner fokuserade på vad det innebär att vara en kvinna som designar kläder för kvinnor.

MGC: Med min bakgrund fokuserade jag mer på hantverk än på att representera kvinnors kroppar. Vissa rättigheter kändes som om de redan var vunna – min mors generation hade kämpat för skilsmässa och aborträttigheter, så jag tog dem för givna. När jag arbetade med kvinnor som Fendi-systrarna upplevde jag total frihet och antog att dessa friheter var permanenta. Det var chockerande att inse att representation av kvinnlighet innebar nya komplexiteter. Att engagera mig i en annan visuell kultur – en som inte var framträdande tidigt i min karriär – var öppnande för ögonen. Min generation såg mode som abstrakt, mindre kopplat till ansvaret att skildra kvinnors kroppar.

RR: Mina kritikpunkter syftade till att göra henne mer medveten om det ansvaret, med tanke på hennes inflytelserika roll. När jag började arbeta med henne förstod jag hur förändring sker inifrån – att navigera mellan flera verkligheter samtidigt som man levererar konkreta resultat.

(Bildtexter: Två foton av Man Rays originaltableaux vivants från 1930, som inspirerade denna veckas utställning på Teatro della Cometa.)

Verkligheten är att det fortfarande är väldigt få kvinnor som designar för kvinnor på stora modehus.

RR: Det patriarkala perspektivet är systemiskt och påverkar alla branscher och kreativa fält. Även kvinnor har internaliserat detta synsätt, ofta omedvetet.

MGC: Man måste ständigt ifrågasätta sig själv – sin identitet, sitt arbete, vad man tar för givet. Mina samtal med min dotter och hennes generation tvingade mig att tänka om många saker. Detta hände samtidigt som branschen verkade förändras (eller åtminstone verkade så). Dagens tillgång till information och kommunikationsverktyg är häpnadsväckande – vi tar för givet böckerna, kunskapen och tekniken som finns inom räckhåll. Sociala medier och nya teknologier... (meningen avbryts) Dessa processer har alla blivit sammankopplade – ibland för mycket, enligt mig. Ändå har de gett alla en röst och ett kritiskt perspektiv, även om det ibland kommer med förenklade eller mindre nyanserade analyser. Men det är en del av en pågående utveckling.

Modedesign har nu en global publik, men du arbetar för närvarande med en intim teater – ett litet, pärleliknande utrymme, helt annorlunda jämfört med Diors skala. Hur ser du på mode idag?

MGC: Det som spelar roll är inte storlek, utan möjligheten att arbeta med projekt av verklig kvalitet. Ett varumärke kan vara litet, stort eller till och med "mega-galaktiskt" – budgetar och möjligheter varierar förstås – men glädjen är densamma. Jag fann lika mycket tillfredsställelse tidigt i min karriär när jag arbetade för små varumärken som senare för ett stort.

Teatern möjliggör en mer intim ansats, vilket på sätt och vis är ännu mer spännande eftersom man har färre resurser. Det är också mer hantverksmässigt – man måste lösa problem för hand. Till exempel, bestämma scenografi med konstnären Pietro Ruffo, sedan lista ut hur man ska trycka en liten katalog, hitta en lokal verkstad, ordna med typografin... Den hands-on-processen är vacker, och jag tror att unga människor verkligen känner en koppling till den. Jag har tagit med Rachele för att träffa alla hantverkare jag arbetar med – det är fascinerande att se de människor som förverkligar dessa projekt.

Kanske för att jag är från Rom, där det finns en stark samarbetskultur, har jag aldrig dragits till stora plattformar. Jag känner alla jag arbetar med personligen – jag har alla deras nummer. Igår kväll på cruisemodeshower var många av dem där. Jag ville ha dem med mig eftersom det är en delad stolthet – vi gjorde det tillsammans.

Hur har mode förändrats sedan du började?

Jag har bevittnat en hel generationsskifte, delvis genom Rachele, som växte upp i modevärlden – hon brukade följa med mig till Fendis kontor som barn och leka i showrooms med sin bror. De hjälpte till att organisera väskor på hyllor för att hålla sig sysselsatta. Min man Paolo tog med dem dit medan jag arbetade – jag ammade till och med mellan möten. Det är ett väldigt italienskt sätt att blanda familj och arbete.

Jag hade turen att arbeta med grundarna av Valentino och Fendi-systrarna, otroliga mentorer som lärde mig så mycket. Sedan dominerades mode av stora grupper, och jag upplevde den övergången också. Den största förändringen kom dock med kommunikationen – nya medier gjorde mode till en del av popkultur.

Förr var mode en insidersamtal mellan människor som förstod hantverket. Nu kan din publik inkludera någon som aldrig sett en modeshow eller förstått ansträngningen bakom en kollektion. Med dessa plattformar är det svårare att förmedla djupet, så risken är en mycket ytlig syn.

Vart är systemet på väg? Ärligt talat vet jag inte. Men som allt annat rör det sig i cykler – som Leoparden säger: "Allt förändras så att inget förändras." Kanske behöver vi ett nytt perspektiv. Även med Teatro Cometa omprövar vi traditionell programmering eftersom... det inte skulle vara hållbart. Människors uppmärksamhet har förändrats – den är mycket kortare nu. Med så många bilder överallt känns allt hektiskt, konsumeras direkt.

Rachele, vilken typ av programmering kan vi förvänta oss från Teatro della Cometa?

RR: Programmeringen kommer att fokusera på musik eftersom den allra första föreställningen när Teatro Cometa öppnade 1958 var I Capricci di Marianna av Alfred de Musset, med en ung Monica Vitti i huvudrollen, och det fanns många kammarmusikkonserter också. Så musik kommer att ingå i programmet. Vi ville återinföra variation – inte bara teater, utan också musik, performance och dans – eftersom vår ansats är densamma som vi gjorde på Dior: skapa dialog och erbjuda en plattform för kreativa från olika områden.

Tanken är att ha olika kuratorer för varje disciplin, med en konstnärlig kommitté som övervakar allt. Du kommer inte att se samma föreställning i sex månader i sträck – istället kanske en månad med dans, sedan en månad med musik, som en roterande festival.

MGC: Det är ett långsiktigt projekt som låter oss göra det vi älskar – forskning. Och ja, det är tidlöst – verkligen tidlöst, det ordet mode älskar så mycket. Jämfört med mode är detta projekt definitivt mer tidlöst!

Så du kommer att vara väldigt involverad du också?

RR: Hon är en kulturell entreprenör nu!

MGC: Ärligt talat försöker jag bara täcka kostnaderna! Tack och lov hjälper min man och son mig att förstå affärsplanen eftersom jag är hemsk på det – jag borde verkligen lära mig mer om ekonomi.

Kanske designa kostymer till teatern?

MGC: Nej, kostymer intresserar mig inte just nu. Jag är mer fokuserad på forskning och att samarbeta med ett team för att utveckla idéer. Jag skulle också älska att göra en bok om Mimì Pecci Blunt – det är något jag verkligen vill göra. Det kommer att ta tid, men vi har hela arkivet. Och jag vill att Teatro della Cometa ska ha sitt eget liv – vi vill inte att det ska kopplas enbart till oss, även om jag har varit ganska synlig genom åren.

Med alla människor du har arbetat med på Dior, fanns det några särskilt inspirerande stunder – sådana som lärde eller överraskade dig? Någon konstnär du särskilt gillade att samarbeta med?

MGC: Sanningen är att dessa projekt aldrig är ensamarbeten – det är alltid teamwork. Det som tillfredsställer mig mest är att se teamet entusiastiska över att vara en del av dessa upplevelser eftersom vi alla lär oss.

Att arbeta med koreografen Sharon Eyal (för Diors vårkollektion 2019) var otroligt. Att designa för balett innebär att arbeta nära kroppen – att hitta lösningar med stickteamet var tekniskt, emotionellt och visuellt. Det var kraftfullt och fascinerade oss alla. Det var första gången vi arbetade med en koreograf, och alla var nervösa för att samordna en show med koreografi och musik. Vi lärde oss så mycket – och fortsatte samarbeta med henne efteråt, även för hennes egna baletter – eftersom en slags gemenskap bildas, där man förblir kopplad.

Sedan finns Chanakya – skolan, konstnärerna, utställningen vi gjorde i Vatikanen – och vi åkte till och med med dem till Venedigbiennalen 2024 för en sidoutställning som heter Cosmic Garden. Det var galet! Galna kvinnor på biennalen! Vi visste inte ens hur man ansökte till open call. Det är äventyrsandan – när man inte vet om man kommer att lyckas, men man försöker ändå och går framåt, tar med sig människor. Jag definitivt – de har definitivt en äventyrsanda.

Teaterns foajé har återställts till sin eleganta 1900-talsestetik.
Fotograf: Laura Sciacovelli

Chiuri ledde en noggrann restaurering och återupplivade platsen tillsammans med arkitekten Fabio Tudisco. De hyllade Tomaso Buzzis ursprungliga design från 1950-talet, som föreställde platsen som en extravagant barockteater.
Fotograf: Laura Sciacovelli

En mor och dotter står utanför teatern.
Fotograf: Laura Sciacovelli