다음은 원문의 의미를 유지하면서 자연스럽고 유창한 한국어로 재구성한 텍스트입니다:

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나는 여성들이 가장 불가능해 보이는 상황에서도 헤쳐나갈 수 있는 특별한 창의력을 지니고 있다고 믿습니다. 특히 여성 예술가들은 창작을 통해 삶의 도전을 극복하는데, 이는 정말 영감을 주는 일이죠. 이런 모습은 미래에 대한 희망을 줍니다.

여성성에 대한 이야기에 집중하게 된 계기는 무엇인가요? 이 욕구는 어디에서 비롯되었나요?

MGC: 이 변화는 딸 덕분입니다. 나는 항상 본능적으로 일해왔지만, 더 분석적이고 문화적으로 민감한 접근 방식을 가진 라켈레는 나에게 새로운 시각을 열어주었어요. 우리의 대화는 세대 간 대화가 되었죠. 그녀는 패션의 역할에 의문을 제기하며 패션이 무엇을 대표할 수 있는지 다시 생각하게 했습니다. 우리는 패션이 더 깊은 의미를 담아야 하는 시기를 함께 겪었어요.

RR: 대학 시절, 내 학술 동아리는 패션이 여성성과 여성 신체의 이미지를 어떻게 형성하는지 매우 비판적으로 바라보았습니다. 이런 깨달음은 그녀가 디올의 크리에이티브 디렉터가 되던 시기와 맞물렸죠. 우리의 논의는 여성이 여성을 위한 옷을 디자인한다는 것의 의미에 집중되었습니다.

MGC: 내 배경에서는 여성 신체를 표현하는 것보다는 장인 정신에 더 초점을 맞췄어요. 이혼과 낙태 권리 같은 것은 이미 어머니 세대가 쟁취한 것으로 당연시했죠. 펜디 자매 같은 여성들과 일하며 완전한 자유를 누렸고, 이런 자유가 영원할 거라 생각했습니다. 여성성을 표현하는 데 새로운 복잡성이 있다는 걸 깨닫는 건 충격이었어요. 내 경력 초반에는 두드러지지 않았던 다른 시각 문화와 접하면서 눈이 뜨이는 경험이었죠. 우리 세대는 패션을 여성 신체를 표현하는 책임과 덜 연결된 추상적인 것으로 보았습니다.

RR: 나의 비판은 그녀가 영향력 있는 위치에서 그 책임을 더 인식하도록 하기 위함이었어요. 내가 그녀와 함께 일하기 시작했을 때, 구체적인 결과를 내면서도 다양한 현실을 조정해나가는 변화의 과정을 이해하게 되었죠.

(이미지 설명: 이번 주 테아트로 델라 코메타에서 열린 전시에 영감을 준 1930년 맨 레이의 원작 '생동감 있는 장면' 사진 두 점)

현실은 여전히 주요 패션 하우스에서 여성을 위해 디자인하는 여성 디자이너가 매우 적다는 점입니다.

RR: 가부장적 시각은 체계적이며 모든 산업과 창의적 분야에 영향을 미칩니다. 심지어 여성들도 무의식적으로 이 관점을 내면화하곤 하죠.

MGC: 당신은 끊임없이 자신의 정체성, 작업, 당연시했던 것들에 대해 질문해야 합니다. 딸과 그 세대와의 대화는 많은 것을 재고하게 만들었어요. 이는 산업이 변화하는 것처럼 보일 때(적어도 그렇게 보였죠) 일어났습니다. 오늘날 정보와 커뮤니케이션 도구에 대한 접근성은 놀라운 수준입니다—우리는 손끝에서 만나는 책, 지식, 기술을 당연하게 여기죠. 소셜 미디어와 새로운 기술들... (문장이 중단됨) 이 모든 과정이 서로 연결되었는데—때로는 지나치게 연결되었다고 생각해요. 그래도 모두에게 목소리와 비판적 시각을 주었죠, 비록 때로는 지나치게 단순화되거나 미묘한 차이가 없는 분석이 따라오더라도요. 하지만 이 모든 것은 지속적인 진화의 일부입니다.

패션쇼는 이제 전 세계적인 관객을 가지지만, 당신은 현재 아늑한 극장—디올의 규모와는 완전히 다른 작고 보석 같은 공간—을 운영하고 있습니다. 오늘날 패션을 어떻게 바라보나요?

MGC: 중요한 것은 규모가 아니라 진정한 품질의 프로젝트를 할 기회입니다. 브랜드는 작을 수도, 클 수도, 심지어 "거대 은하계" 규모일 수도 있죠—물론 예산과 기회는 다르지만—기쁨은 동일합니다. 나는 경력 초반 작은 브랜드를 위해 일할 때나 나중에 대형 브랜드를 위해 일할 때나 똑같은 만족감을 느꼈어요.

극장은 더 친밀한 접근을 가능하게 하는데, 어떤 면에서는 자원이 적기 때문에 더 흥미롭기도 합니다. 또한 더 장인적이죠—직접 손으로 문제를 해결해야 합니다. 예를 들어, 예술가 피에트로 루포와 세트 디자인을 결정하고, 작은 카탈로그를 어떻게 인쇄할지 고민하고, 지역 작업장을 찾고, 타이포그래피를 정하는... 그런 손으로 하는 과정은 아름답고, 젊은이들이 정말 공감하는 부분이라고 생각해요. 나는 라켈레를 내가 협업하는 모든 장인들을 만나게 했습니다—이 프로젝트를 현실로 만드는 사람들을 보는 건 매혹적이죠.

아마도 로마 출신이라서 그런지—로마는 협력 문화가 강한 곳입니다—나는 거대한 플랫폼에 끌리지 않았어요. 나는 함께 일하는 모든 사람을 개인적으로 알고 있습니다—모든 사람의 연락처를 가지고 있죠. 지난밤 크루즈 쇼에서 그들 중 많은 이가 참석했습니다. 나는 그들이 함께하기를 원했죠, 왜냐면 이는 함께 이뤄낸 공동의 자랑스러운 순간이니까요.

당신이 시작했을 때와 비교해 패션은 어떻게 변했나요?

나는 전체적인 세대적 변화를 목격했는데, 부분적으로는 패션 속에서 자란 라켈레를 통해서였죠—그녀는 어렸을 때 펜디 사무실에 함께 가곤 했고, 오빠와 함께 쇼룸에서 놀았어요. 그들은 바쁘게 지내기 위해 선반에 가방을 정리하는 걸 도왔죠. 남편 파올로는 내가 일하는 동안 아이들을 데리고 왔습니다—심지어 회의 사이에 수유도 했죠. 이는 가족과 일을 융합하는 매우 이탈리아적인 방식이에요.

나는 발렌티노의 창립자들과 펜디 자매 같은 놀라운 멘토들과 함께 일할 운이 있었고, 그들로부터 많은 것을 배웠습니다. 그 후 패션은 대형 그룹들이 주도하게 되었고, 나는 그 변화도 경험했죠. 하지만 가장 큰 변화는 커뮤니케이션과 함께 왔습니다—새로운 미디어가 패션을 대중문화로 확장시켰죠.

예전에는 패션이 그 기술을 이해하는 사람들 사이의 내부적 대화였습니다. 지금은 런웨이 쇼를 본 적도 없고 컬렉션 뒤의 노력을 이해하지 못하는 사람도 관객이 될 수 있죠. 이런 플랫폼에서는 깊이를 전달하기가 더 어려워서, 매우 피상적인 시각으로 바라볼 위험이 있습니다.

이 시스템은 어디로 향할까요? 솔직히, 나는 모릅니다. 하지만 모든 것처럼 순환적으로 움직이죠—레오파르드가 말했듯이, "아무것도 변하지 않기 위해 모든 것이 변합니다." 아마 우리는 새로운 시각이 필요할 겁니다. 테아트로 코메타와도 전통적인 프로그램을 재고하고 있어요... 지속 가능하지 않을 테니까요. 사람들의 주의 지속 시간은 변했고—훨씬 짧아졌죠. 모든 곳에 너무 많은 이미지가 있어서 모든 것이 정신없이 느껴지고, 순간적으로 소비됩니다.

라켈레, 테아트로 델라 코메타에서 어떤 프로그램을 기대할 수 있나요?

RR: 프로그램은 음악에 초점을 맞출 것입니다. 왜냐하면 1958년 테아트로 코메타가 처음 열렸을 때의 첫 공연은 알프레드 드 뮈세의 마리아나의 변덕이었고, 젊은 모니카 비티가 출연했으며, 많은 실내악 콘서트도 있었기 때문이죠. 그래서 음악이 프로그램의 일부가 될 겁니다. 우리는 다양성을 되살리고 싶었습니다—연극뿐만 아니라 음악, 퍼포먼스, 무용도요—왜냐하면 우리의 접근 방식은 디올에서 했던 것과 같기 때문입니다: 대화를 만들고 다양한 분야의 창의적인 이들에게 플랫폼을 제공하는 거죠.

각 분야마다 다른 큐레이터를 두고, 예술 위원회가 전체를 감독하는 방식입니다. 6개월 동안 같은 공연이 계속되는 게 아니라, 한 달은 무용, 다음 달은 음악처럼 축제처럼 순환할 거예요.

MGC: 이는 장기 프로젝트로, 우리가 사랑하는 일—연구—을 할 수 있게 해줍니다. 그리고 네, 이는 정말 '티임리스'하죠—패션이 너무나 사랑하는 그 단어 말입니다. 패션과 비교하면 이 프로젝트는 확실히 더 티임리스해요!

그럼 당신도 많이 참여하시나요?

RR: 그녀는 이제 문화 기업가예요!

MGC: 솔직히, 나는 그냥 비용을 충당하려고 노력 중이에요! 고맙게도 남편과 아들이 사업 계획을 이해하도록 도와주고 있어요—나는 재정에 정말 서툴거든요. 재정에 대해 더 배워야 한다고 생각해요.

아마도 극장을 위한 의상 디자인을?

MGC: 아니요, 지금은 의상에는 관심이 없어요. 나는 연구와 팀과의 협력을 통해 아이디어를 발전시키는 데 더 집중하고 있습니다. 또한 미미 페치 블런트에 대한 책을 내고 싶어요—정말 하고 싶은 일이죠. 시간이 걸리겠지만, 우리는 모든 아카이브를 가지고 있어요. 그리고 테아트로 델라 코메타가 자신만의 삶을 가지길 바랍니다—비록 내가 여러 해 동안 꽤 눈에 띄었지만, 우리에게만 묶이길 원하지 않아요.

디올에서 함께 일한 사람들 중 특히 영감을 주거나 가르침을 주거나 놀라운 순간이 있었나요? 특별히 즐겁게 협업한 아티스트가 있나요?

MGC: 사실, 이런 프로젝트는 절대 혼자 하는 노력이 아닙니다—항상 팀워크죠. 나를 가장 만족시키는 것은 팀이 이런 경험의 일부가 되어 기뻐하는 모습을 보는 것입니다. 왜냐하면 우리 모두 배우니까요.

안무가 샤론 에이얼(디올 2019 봄 컬렉션)과 함께 일하는 건 놀라웠어요. 발레를 위한 디자인은 신체와 밀접하게 작업하는 것을 의미합니다—니트웨어 팀과 함께 해결책을 찾는 건 기술적이면서도 감정적이고 시각적이었죠. 이는 강력했고 우리 모두를 매료시켰어요. 우리는 처음으로 안무가와 함께 일했고, 모두가 안무와 음악을 조율하는 쇼에 대해 긴장했죠. 우리는 많은 것을 배웠고—그 후에도 그녀와 계속 협업했어요, 심지어 그녀 자신의 발레를 위해서도요—일종의 공동체가 형성되어, 계속 연결되게 되죠.

그리고 차나키아가 있습니다—학교, 예술가들, 우리가 바티칸에서 한 전시—그리고 우리는 2024 베니스 비엔날레에서 코즈믹 가든이라는 부대 전시를 위해 그들과 함께 가기도 했죠. 정말 미쳤어요! 비엔날레의 미친 여자들이었죠! 우리는 제안 요청에 어떻게 지원하는지도 몰랐어요. 그게 모험 정신입니다—성공할지 모르지만 일단 시도하고 앞으로 나아가며 사람들을 함께 데려가는 거죠. 나는 정말—그들은 정말 모험적인 정신을 가지고 있어요.

극장 로비는 세기 중반의 우아한 미학으로 복원되었습니다.
사진: 라우라 샤코벨리

키우리는 건축가 파비오 투디스코와 함께 공간을 1950년대 토마소 부지의 원래 디자인—호화로운 바로크 궁정 극장으로 구상된—을 존중하며 신중하게 복원했습니다.
사진: 라우라 샤코벨리

한 어머니와 딸이 극장 밖에 서 있습니다.
사진: 라우라 샤코벨리