Iată o versiune rescrisă a textului în engleză fluentă și naturală, păstrând sensul original:

---

Cred că femeile au un fel special de creativitate care le ajută să navigheze chiar și prin cele mai imposibile situații. Acest lucru este valabil mai ales pentru femeile artiste, care își folosesc munca creativă pentru a depăși provocările vieții. Găsesc acest lucru incredibil de inspirator — îmi dă speranță pentru viitor.

Ce te-a inspirat să te concentrezi pe povestirea despre feminitate? De unde a venit această dorință?

MGC: Îi mulțumesc fiicei mele pentru această schimbare. Am lucrat întotdeauna instinctiv, dar Rachele — care are o abordare mai analitică și cultural conștientă a vieții — m-a ajutat să văd lucrurile altfel. Conversațiile noastre au devenit un dialog intergenerațional. Ea a pus la îndoială rolul modei și m-a împins să reconsider ce ar putea reprezenta moda. Am trecut împreună printr-o perioadă în care moda trebuia să capete un sens mai profund.

RR: La universitate, cercul meu academic era foarte critic față de rolul modei — cum modelează imaginile despre feminitate și corpul feminin. Această realizare a coincis cu numirea ei ca director creativ la Dior. Discuțiile noastre s-au concentrat pe ce înseamnă să fii o femeie care creează haine pentru femei.

MGC: Venind din mediul meu, m-am concentrat mai mult pe meșteșug decât pe reprezentarea corpului femeiesc. Unele drepturi păreau deja câștigate — generația mamei mele luptase pentru dreptul la divorț și avort, așa că le-am luat de la sine. Lucrând cu femei ca surorile Fendi, am avut libertate totală și am presupus că aceste libertăți sunt permanente. A fost șocant să realizez că reprezentarea feminității aduce noi complexități. Interacțiunea cu o altă cultură vizuală — una care nu era prominentă la începutul carierei mele — a fost revelatoare. Generația mea vedea moda ca pe ceva abstract, mai puțin legat de responsabilitatea de a reprezenta corpul femeiesc.

RR: Criticile mele au avut scopul de a o face mai conștientă de această responsabilitate, având în vedere rolul ei influent. Când am început să lucrez cu ea, am înțeles cum se produce schimbarea din interior — navigând prin multiple realități și obținând totuși rezultate tangibile.

(Legende imagini: Două fotografii ale tableaux vivants originale ale lui Man Ray din 1930, care au inspirat expoziția de săptămâna aceasta la Teatro della Cometa.)

Realitatea este că încă există foarte puține femei care creează pentru femei la marile case de modă.

RR: Perspectiva patriarhală este sistemică, afectând fiecare industrie și domeniu creativ. Chiar și femeile au internalizat această perspectivă, adesea inconștient.

MGC: Trebuie să te întrebi constant — despre identitatea ta, munca ta, despre ceea ce presupui că e dat. Conversațiile cu fiica mea și cu generația ei m-au obligat să reconsider multe lucruri. Acest lucru s-a întâmplat în timp ce industria părea să se schimbe (sau cel puțin așa părea). Accesul la informații și instrumentele de comunicare de astăzi este uluitor — considerăm de la sine înțeles cărțile, cunoștințele și tehnologia la îndemână. Social media și noile tehnologii... (propoziția rămâne neterminată) Aceste procese au devenit toate interconectate — uneori chiar prea mult, după părerea mea. Totuși, au dat fiecăruia o voce și o perspectivă critică, chiar dacă uneori vine cu analize simplificate sau mai puțin nuanțate. Dar toate fac parte dintr-o evoluție continuă.

Defilările de modă au acum un public global, dar tu gestionezi acum un teatru intim — un spațiu mic și prețios, complet diferit de scara Dior. Cum vezi moda astăzi?

MGC: Ceea ce contează nu este dimensiunea, ci șansa de a lucra la proiecte de calitate reală. Un brand poate fi mic, mare sau chiar "mega-galactic" — desigur, bugetele și oportunitățile variază — dar bucuria rămâne aceeași. Am găsit aceeași împlinire la începutul carierei mele lucrând pentru mărci mici, ca și mai târziu pentru un brand major.

Teatrul permite o abordare mai intimă, care în unele privințe este chiar mai captivantă pentru că ai mai puține resurse. Este și mai meșteșugărească — trebuie să rezolvi problemele manual. De exemplu, să decizi designul scenografiei cu artistul Pietro Ruffo, apoi să găsești cum să printezi un mic catalog, să găsești un atelier local, să aranjezi tipografia... Acest proces practic este frumos, și cred că tinerii se conectează cu el. Am luat-o pe Rachele să întâlnească toți meșteșugarii cu care lucrez — e fascinant să vezi oamenii care aduc aceste proiecte la viață.

Poate pentru că sunt din Roma, unde există o cultură puternică a colaborării, nu am fost niciodată atrasă de platforme masive. Îi cunosc personal pe toți cei cu care lucrez — am toate numerele lor de telefon. Aseară, la show-ul de cruise, mulți dintre ei erau acolo. Am vrut să fie cu mine pentru că este un moment de mândrie împărtășită — am reușit împreună.

Cum s-a schimbat moda de când ai început?

Am asistat la o întreagă schimbare generatională, parțial prin Rachele, care a crescut în lumea modei — venea cu mine la biroul Fendi când era copil, jucându-se în showroom-uri cu fratele ei. Ajutau la aranjarea genților pe rafturi ca să se ocupe. Soțul meu, Paolo, îi aducea acolo în timp ce eu lucram — chiar alăptând între întâlniri. Este un mod foarte italian de a combina familia și munca.

Am avut norocul să lucrez cu fondatorii Valentino și cu surorile Fendi, mentori incredibili care m-au învățat atât de multe. Apoi moda a fost dominată de marile grupuri, și am trăit și această tranziție. Cea mai mare schimbare a venit însă cu comunicarea — noile media au transformat moda în cultură pop.

Înainte, moda era o conversație între inițiați care înțelegeau meșteșugul. Acum, publicul tău poate include pe cineva care nu a văzut niciodată un defilé sau nu a înțeles efortul din spatele unei colecții. Cu aceste platforme, este mai greu să transmiți profunzimea, așa că riscul este o perspectivă superficială.

Încotro se îndreaptă sistemul? Sincer, nu știu. Dar, ca toate lucrurile, merge în cicluri — cum spune Leopardul, "Totul se schimbă ca să rămână la fel". Poate avem nevoie de o perspectivă nouă. Chiar și cu Teatro Cometa, reconsiderăm programarea tradițională pentru că... Nu ar fi sustenabilă. Capacitatea de atenție a oamenilor s-a schimbat — este mult mai scurtă acum. Cu atâtea imagini peste tot, totul pare frenetic, consumat instantaneu.

Rachele, ce fel de programare ne putem aștepta de la Teatro della Cometa?

RR: Programarea se va concentra pe muzică, pentru că primul spectacol când Teatro Cometa a deschis în 1958 a fost I Capricci di Marianna de Alfred de Musset, cu o tânără Monica Vitti în rol principal, și au fost multe concerte de muzică de cameră. Așa că muzica va face parte din program. Am vrut să readucem varietatea — nu doar teatru, ci și muzică, performanță și dans — pentru că abordarea noastră este aceeași ca la Dior: crearea de dialog și oferirea unei platforme creativilor din diferite domenii.

Ideea este să avem curatori diferiți pentru fiecare disciplină, cu un comitet artistic care supraveghează totul. Nu vei vedea același spectacol timp de șase luni — ci poate o lună de dans, apoi o lună de muzică, rotindu-se ca un festival.

MGC: Este un proiect pe termen lung care ne permite să facem ceea ce iubim — cercetarea. Și da, este atemporal — cu adevărat atemporal, acel cuvânt pe care moda îl iubește atât de mult. Comparativ cu moda, acest proiect este cu siguranță mai atemporal!

Deci vei fi implicată și tu?

RR: Ea este acum un antreprenor cultural!

MGC: Sincer, încerc doar să acoper costurile! Din fericire, soțul și fiul meu mă ajută să înțeleg planul de afaceri, pentru că sunt groaznică la asta — chiar ar trebui să învăț mai multe despre finanțe.

Poate design de costume pentru teatru?

MGC: Nu, costumele nu mă interesează acum. Mă concentrez mai mult pe cercetare și colaborarea cu o echipă pentru a dezvolta idei. Aș vrea și să fac o carte despre Mimì Pecci Blunt — este ceva ce chiar doresc să fac. Va dura timp, dar avem întregul arhiv. Și vreau ca Teatro della Cometa să aibă propria viață — nu vrem să fie legat doar de noi, chiar dacă am fost destul de vizibilă de-a lungul anilor.

Cu toți oamenii cu care ai lucrat la Dior, au fost momente deosebit de inspiratoare — care te-au învățat sau surprins? Un artist cu care ai colaborat deosebit de bine?

MGC: Adevărul este că aceste proiecte nu sunt niciodată eforturi individuale — sunt întotdeauna munca în echipă. Ceea ce mă satisface cel mai mult este să văd echipa entuziasmată să facă parte din aceste experiențe, pentru că toți învățăm.

Lucrul cu coregrafa Sharon Eyal (pentru colecția de primăvară 2019 a lui Dior) a fost incredibil. Proiectarea pentru balet înseamnă să lucrezi strâns cu corpul — găsirea de soluții cu echipa de tricotaje a fost tehnică, emoțională și vizuală. A fost puternic și ne-a fascinat pe toți. A fost prima dată când am lucrat cu un coregraf, și toți erau nerăbdători să coordoneze un spectacol cu coregrafie și muzică. Am învățat atât de multe — și am continuat să colaborăm cu ea ulterior, chiar și pentru baletele ei — pentru că se formează un fel de comunitate, unde rămâneți conectați.

Apoi este Chanakya — școala, artiștii, expoziția pe care am făcut-o la Vatican — și am mers chiar cu ei la Bienala de la Veneția din 2024 pentru o expoziție colaterală numită Cosmic Garden. A fost nebunie! Femei nebune la Bienală! Nici măcar nu știam cum să aplicăm la apelul de propuneri. Acesta este spiritul aventurii — când nu știi dacă vei reuși, dar încerci oricum și mergi înainte, aducând oameni cu tine. Eu cu siguranță — Ei cu siguranță au un spirit aventuros.

Foaierul teatrului a fost restaurat la estetica sa elegantă de mijloc de secol.
Fotografiat de Laura Sciacovelli

Chiuri a condus o restaurare atentă, readucând locația la viață alături de arhitectul Fabio Tudisco. Au respectat designul original din anii 1950 al lui Tomaso Buzzi, care imagina spațiul ca pe un teatru baroc luxos.
Fotografiat de Laura Sciacovelli

O mamă și o fiică stau în fața teatrului.
Fotografiat de Laura Sciacovelli