Her er en omskreven versjon av teksten på flytende, naturlig norsk mens den opprinnelige betydningen er bevart:

---

Jeg tror kvinner har en spesiell type kreativitet som hjelper dem å navigere selv de mest umulige situasjonene. Dette gjelder spesielt kvinnelige kunstnere, som bruker sitt kreative arbeid for å overkomme livets utfordringer. Jeg finner dette utrolig inspirerende – det gir meg håp for fremtiden.

Hva inspirerte din fokus på å fortelle historier om femininitet? Hvor kom dette ønsket fra?

MGC: Jeg skylder min datter for denne endringen. Jeg har alltid jobbet instinktivt, men Rachele – som har en mer analytisk og kulturelt bevisst tilnærming til livet – hjalp meg å se ting annerledes. Våre samtaler ble en generasjonsdialog. Hun utfordret motens rolle og presset meg til å revurdere hva mote kunne representere. Vi gikk gjennom en periode sammen der mote måtte få en dypere mening.

RR: På universitetet var mitt akademiske miljø svært kritiske til motens rolle – hvordan den former bilder av femininitet og den kvinnelige kroppen. Denne erkjennelsen falt sammen med at hun ble kreativ direktør hos Dior. Våre diskusjoner fokuserte på hva det betyr å være en kvinne som designer klær for kvinner.

MGC: Med min bakgrunn fokuserte jeg mer på håndverk enn på å representere kvinners kropper. Enkelte rettigheter føltes som om de allerede var vunnet – min mors generasjon hadde kjempet for skilsmisse og abortrettigheter, så jeg tok dem for gitt. Ved å jobbe med kvinner som Fendi-søstrene, hadde jeg full frihet og antok at disse frihetene var permanente. Det var sjokkerende å innse at å representere femininitet innebar nye kompleksiteter. Å engasjere meg med en annen visuell kultur – en som ikke var fremtredende tidlig i karrieren min – var øyeåpnende. Min generasjon så mote som abstrakt, mindre knyttet til ansvaret for å skildre kvinners kropper.

RR: Mine kritikker hadde som mål å gjøre henne mer bevisst på det ansvaret, gitt hennes innflytelsesrike rolle. Da jeg begynte å jobbe med henne, forsto jeg hvordan endring skjer innenfra – å navigere mellom flere realiteter samtidig som man leverer konkrete resultater.

(Bildetekster: To bilder av Man Rays originale tableaux vivants fra 1930, som inspirerte denne ukens utstilling på Teatro della Cometa.)

Realiteten er at det fortsatt er svært få kvinner som designer for kvinner i store motehus.

RR: Det patriarkalske perspektivet er systemisk og påvirker alle bransjer og kreative felt. Selv kvinner har internalisert dette synspunktet, ofte ubevisst.

MGC: Du må hele tiden stille spørsmål ved deg selv – din identitet, ditt arbeid, det du tar for gitt. Samtalene mine med datteren min og hennes generasjon tvang meg til å revurdere mange ting. Dette skjedde samtidig som bransjen så ut til å være i endring (eller i hvert fall virket det slik). Dagens tilgang til informasjon og kommunikasjonsverktøy er overveldende – vi tar for gitt bøkene, kunnskapen og teknologien vi har tilgjengelig. Sosiale medier og nye teknologier... (setningen avsluttes ikke) Disse prosessene har blitt sammenvevd – noen ganger for mye, etter min mening. Likevel har de gitt alle en stemme og et kritisk perspektiv, selv om det noen ganger kommer med forenklede eller mindre nyanserte analyser. Men alt dette er en del av en pågående utvikling.

Moteshow har nå et globalt publikum, men du jobber for tiden med et intimt teater – et lite, juvelaktig rom, helt forskjellig fra Diors skala. Hvordan ser du på mote i dag?

MGC: Det som betyr noe er ikke størrelsen, men muligheten til å jobbe med prosjekter av virkelig kvalitet. Et merke kan være lite, stort eller til og med "mega-galaktisk" – selvfølgelig varierer budsjetter og muligheter – men gleden er den samme. Jeg følte like mye tilfredsstillelse tidlig i karrieren min da jeg jobbet for små merker som senere for et stort.

Teateret gir rom for en mer intim tilnærming, som på noen måter er enda mer spennende fordi man har færre ressurser. Det er også mer håndverkspreget – man må løse problemer manuelt. For eksempel å bestemme scenografi med kunstneren Pietro Ruffo, deretter finne ut hvordan man trykker en liten katalog, finne et lokalt verksted, arrangere typografien... Den manuelle prosessen er vakker, og jeg tror unge mennesker virkelig knytter seg til den. Jeg har tatt med Rachele for å møte alle håndverkerne jeg jobber med – det er fascinerende å se menneskene som gir liv til disse prosjektene.

Kanskje fordi jeg er fra Roma, hvor det er en sterk samarbeidskultur, har jeg aldri blitt tiltrukket av massive plattformer. Jeg kjenner alle jeg jobber med personlig – jeg har alle numrene deres. I går kveld under cruise-showet var mange av dem der. Jeg ville ha dem med meg fordi det er et felles øyeblikk av stolthet – vi gjorde det sammen.

Hvordan har mote endret seg siden du startet?

Jeg har vært vitne til en hel generasjonsskifte, delvis gjennom Rachele, som vokste opp i mote – hun fulgte med meg til Fendi-kontoret som barn og lekte i showrom med broren sin. De hjalp til med å organisere vesker på hyller for å holde seg opptatt. Min mann Paolo tok dem med dit mens jeg jobbet – jeg ammet til og med mellom møter. Det er en veldig italiensk måte å blande familie og arbeid på.

Jeg var heldig som jobbet med grunnleggerne av Valentino og Fendi-søstrene, utrolige mentorer som lærte meg så mye. Så ble mote dominert av store grupper, og jeg opplevde også den overgangen. Den største endringen kom imidlertid med kommunikasjonen – nye medier gjorde mote til en del av popkultur.

Før var mote en intern samtale blant folk som forsto håndverket. Nå kan publikummet ditt inkludere noen som aldri har sett et moteshow eller forstått innsatsen bak en kolleksjon. Med disse plattformene er det vanskeligere å formidle dybden, så risikoen er en veldig overfladisk tilnærming.

Hvor er systemet på vei? Ærlig talt, jeg vet ikke. Men som alt annet går det i sykluser – som Leoparden sier: "Alt forandres for at ingenting skal forandres." Kanskje vi trenger et nytt perspektiv. Selv med Teatro Cometa revurderer vi tradisjonell programlegging fordi... det ville ikke vært bærekraftig. Folkets oppmerksomhet har endret seg – den er mye kortere nå. Med så mange bilder overalt føles alt hektisk, fortært umiddelbart.

Rachele, hva slags program kan vi forvente fra Teatro della Cometa?

RR: Programmet vil fokusere på musikk fordi den aller første forestillingen da Teatro Cometa åpnet i 1958 var I Capricci di Marianna av Alfred de Musset, med en ung Monica Vitti i hovedrollen, og det var også mange kammermusikkonserter. Så musikk vil være en del av programmet. Vi ønsket å gjenopplive variasjon – ikke bare teater, men også musikk, performance og dans – fordi vår tilnærming er den samme som vi gjorde hos Dior: å skape dialog og gi en plattform til kreative fra ulike felt.

Tanken er å ha ulike kuratorer for hver disiplin, med et kunstnerisk utvalg som overvåker alt. Du vil ikke se den samme forestillingen i seks måneder i strekk – i stedet kanskje en måned med dans, deretter en måned med musikk, og så videre, som et festivalformat.

MGC: Det er et langsiktig prosjekt som lar oss gjøre det vi elsker – forskning. Og ja, det er tidløst – virkelig tidløst, det ordet mote elsker så mye. Sammenlignet med mote er dette prosjektet definitivt mer tidløst!

Så du vil også være veldig involvert?

RR: Hun er en kulturell entreprenør nå!

MGC: Ærlig talt prøver jeg bare å dekke kostnadene! Heldigvis hjelper mannen min og sønnen meg med å forstå forretningsplanen fordi jeg er fryktelig på den – jeg burde virkelig lære mer om økonomi.

Kanskje designe kostymer for teateret?

MGC: Nei, kostymer interesserer meg ikke akkurat nå. Jeg er mer fokusert på forskning og samarbeid med et team for å utvikle ideer. Jeg vil også gjerne lage en bok om Mimì Pecci Blunt – det er noe jeg virkelig har lyst til å gjøre. Det vil ta tid, men vi har hele arkivet. Og jeg vil at Teatro della Cometa skal ha sitt eget liv – vi vil ikke at det skal knyttes kun til oss, selv om jeg har vært ganske synlig gjennom årene.

Med alle menneskene du har jobbet med hos Dior, var det noen spesielt inspirerende øyeblikk – som lærte eller overrasket deg? Noen kunstner du spesielt likte å samarbeide med?

MGC: Sannheten er at disse prosjektene er aldri ensomme anstrengelser – de er alltid lagarbeid. Det som tilfredsstiller meg mest er å se teamet begeistret for å være en del av disse opplevelsene fordi vi lærer alle sammen.

Å jobbe med koreograf Sharon Eyal (for Diors vårkolleksjon 2019) var utrolig. Å designe for ballett betyr å jobbe tett med kroppen – å finne løsninger med strikklaget var teknisk, emosjonelt og visuelt. Det var kraftfullt og fascinerte oss alle. Det var første gang vi jobbet med en koreograf, og alle var nervøse for å koordinere et show med koreografi og musikk. Vi lærte så mye – og fortsatte å samarbeide med henne etterpå, til og med for hennes egne balletter – fordi en slags fellesskap dannes, der man forbli forbundet.

Så er det Chanakya – skolen, kunstnerne, utstillingen vi gjorde i Vatikanet – og vi dro til og med med dem til Venezia-biennalen i 2024 for en collateral utstilling kalt Cosmic Garden. Det var sprøtt! Sprø kvinner på biennalen! Vi visste ikke engang hvordan vi skulle søke på åpen call. Det er eventyrlysten – når du ikke vet om du vil lykkes, men prøver uansett og går videre, og tar med deg folk. Jeg definitivt – de har definitivt en eventyrlyst.

Teaterets foajé har blitt restaurert til sin elegante midt-talls estetikk.
Fotograf: Laura Sciacovelli

Chiuri ledet en nøye restaurering og ga stedet nytt liv sammen med arkitekt Fabio Tudisco. De hedret den opprinnelige 1950-tallsdesignen av Tomaso Buzzi, som så for seg rommet som et overdådig barokk hoffteater.
Fotograf: Laura Sciacovelli

En mor og datter står utenfor teateret.
Fotograf: Laura Sciacovelli