Aus dem Archiv: Lee Krasner, eine große amerikanische Künstlerin

„American Great: Lee Krasner“ von Barbara Rose wurde erstmals in der Juni-Ausgabe 1972 der Vogue veröffentlicht. Für mehr von dem Besten aus dem Vogue-Archiv melden Sie sich hier für unseren Nostalgia-Newsletter an.

Im Herzen der künstlerischen Revolution, die New York in den späten 1940er und frühen 50er Jahren zur Kunsthauptstadt der Welt machte, standen Jackson Pollock und seine Frau Lee Krasner – eine intensive, kraftvolle Frau mit ruhigen graublauen Augen, die ihre sorgfältig gehütete Unabhängigkeit widerspiegelten. Ihr Malstil, der Abstrakte Expressionismus, mit seinem revolutionären Einsatz körperlicher Gestik, kühner Bildsprache und reicher Oberflächen, brach mit der vorherrschenden europäischen kubistischen Ästhetik. Was Paris in den 20er Jahren für die amerikanische Literatur war, wurde New York plötzlich in den 40er und 50er Jahren für die amerikanische Malerei. Doch anders als Zelda Fitzgerald und die Ehefrauen vieler anderer amerikanischer Männer in der Kunst- und Literaturwelt zwischen den Kriegen war Lee Krasner ihre eigene Frau – eine Künstlerin.

Obwohl viel Neugier und Spekulation die imposante Persönlichkeit von Lee Pollock, der Witwe des großen amerikanischen Malers, umgeben, ist über Lee Krasner, die Künstlerin, die dieselben Kämpfe ausfocht, in denselben Galerien ausstellte und Seite an Seite mit ihrem berühmten, heute legendären Ehemann malte, sehr wenig bekannt. Für mich, wie für viele andere Kritiker, ist Lee Krasner eine der bedeutenden Malerinnen des zwanzigsten Jahrhunderts – eine Künstlerin, deren Bedeutung erst jetzt allmählich erkannt wird.

Jackson Pollock und Lee Krasner in Springs, 1953. Foto: Getty Images

Als ich Lee Krasner fragte, warum sie nicht eine der „Irascible Eighteen“ war – der heute berühmten Gruppe von Künstlern der New York School, die in den 40er Jahren eine Petition unterzeichneten, die eine der bemerkenswertesten Kontroversen auslöste, die je über amerikanische Malerei entfacht wurden, eine Petition, die gegen die nahezu Abwesenheit amerikanischer Kunst im Metropolitan Museum of Art in New York protestierte –, antwortete sie: „Ich wurde nicht gebeten zu unterschreiben. Barney Newman [der Organisator des Protests, Barnett Newman, der herausragende amerikanische Maler, der 1970 starb] rief an, und als ich ans Telefon ging, fragte er nach Jackson. Er machte sich nicht einmal die Mühe, mir von dem Protest zu erzählen.“

Und so ging es weiter, bis vor kurzem – als Lee Krasner, die Malerin, begann, Mrs. Jackson Pollock als öffentliche Figur zu ersetzen.

Die Pollocks und ihre Ehe waren und sind ihre eigene unerzählte Geschichte. Trotz seines Images als Macho-Mann behandelte Pollock Lee Krasner als Gleichberechtigte, als ernsthafte professionelle Künstlerin, deren Werk er bewunderte. In ihrem Haus war Lee Krasner mindestens ebenso sehr Malerin und Kunstgefährtin wie Ehefrau. Es stellt sich heraus, dass Pollock tatsächlich der einzige bedeutende amerikanische Künstler der großen 40er Jahre war, der eine andere Avantgarde-Künstlerin seiner Generation heiratete.

Und Pollock erkundete als Einziger unter den patriarchalischen Abstrakten Expressionisten die Mythen weiblicher Kreativität, malte weibliche Archetypen (wie „The She-Wolf“ und „Pasiphaë“), Totems und Symbole, um das männliche Prinzip auszugleichen. Während sich seine Zeitgenossen meist Freud als Inspiration zuwandten, bevorzugte Pollock jungianische Themen – Themen, die Erdgöttinnen und der ursprünglichen Kreativität des Weiblichen gleiche, wenn nicht größere Betonung gaben.

Pollock hatte keine Angst vor starken Frauen, und Lee Krasner war eine der mutigsten, freimütigsten und hartnäckigsten Frauen, die ein Mann hätte wählen können. In vielerlei Hinsicht war ihre Ausbildung besser als die von Pollock. Als New Yorkerin, die an der Cooper Union und der National Academy School of Fine Arts studiert hatte, hatte sie als junge Malerin in den 30er Jahren die moderne Kunst entdeckt, während Pollock noch die American Scene im Stil seines Lehrers Thomas Hart Benton malte – des Malers aus Missouri, der versuchte, die Prärien und Felder des ländlichen Amerika zu einem epischen Sujet zu machen, aber bei provinziellen Versionen der alten Meister endete. Tatsächlich haben viele Lee Krasner zugeschrieben, Pollocks Aufmerksamkeit von Benton weg und auf die großen modernen Meister gelenkt zu haben. Sie ist zu diesem Thema zurückhaltend. „Als ich Pollock zum ersten Mal traf, waren wir in vielen Dingen uneinig“, gibt sie zu. „Aber obwohl ich von der Offenbarung, die seine Gemälde für mich waren, getroffen war, konnte ich immer noch nicht glauben, dass er Benton so ernsthaft diskutierte. Ich kann nicht sagen, ob ich Pollocks Ansichten überhaupt beeinflusst habe. Ich weiß, dass Pollock mich enorm beeinflusst hat; ich wage zu behaupten, dass ich wohl eine gewisse Wirkung auf ihn gehabt haben muss.“ „Jackson Pollock und ich waren Maler … Manchmal kochte ich, manchmal kochte er“ – Lee Krasner. Während ich mit Lee Krasner sprach, wurde mir zunehmend bewusst, welche enorme innere Stärke es erfordert haben muss, ihr Leben als abstrakte Malerin zu leben, angesichts der Hindernisse, die sie überwinden musste, um weiter zu malen und zu malen, was sie wollte. Zunächst hatte sie sich der kleinen Zahl amerikanischer Modernisten angeschlossen, die gegen den Akademismus und die kastanienbraune Illustration der American Scene Painting kämpften. Die Depression überlebend, kämpfte sie darum, einen Stil zu finden, der über die Grenzen des europäischen Kubismus hinausging – einen freieren, spontaner emotionalen Stil, der schließlich als Abstrakter Expressionismus bekannt wurde. Was auch immer die Widrigkeiten gegen sie waren – ob es die Feindseligkeit von Künstlerkollegen war, deren Frauen arbeiteten, um sie zu unterstützen, die Gleichgültigkeit der Museen oder später die Tragödie des Todes ihres Mannes und der endlose Rechtsstreit um den Nachlass –, Lee Krasner malte weiter. Deprimiert, schlaflos, manchmal krank, arbeitete sie weiter. Kürzlich ist sie in eine neue Phase produktiver Aktivität eingetreten. Ihr Atelier füllt sich langsam mit Leinwänden von reiner strahlender Farbe, kontrastiert mit großen offenen Flächen leuchtenden Weiß. Ein florales Bild scheint zu dominieren, aber in vielen Werken, mit ihren wirbelnden kreisförmigen Motiven, verbindet ein Gefühl körperlichen Rhythmus und kraftvoller Energie diese Arbeiten mit ihren frühesten Gemälden. „Ich habe gerade all das Pollock-Material Eugene Thaw und Virginia Allen übergeben, die den definitiven Catalogue raisonné vorbereiten“, sagte sie mit offensichtlicher Erleichterung. „Jetzt kann ich mich wieder darauf konzentrieren, Lee Krasner, die Malerin, zu sein.“ Lee Krasners Leben berührt jeden Moment der Formation und Evolution der Nachkriegsmalerei Amerikas – Jugend im bohemehaften Greenwich Village; Unterricht bei Hans Hofmann, der moderne Kunsttheorien aus Europa nach New York brachte; Arbeit als eine der wenigen Frauen in der Kunstabteilung der W.P.A. (des staatlich unterstützten Arbeitsprojekts der Depression); Ehe mit Pollock; und schließlich Erfolg als Malerin aus eigener Kraft. Heute lebt Lee Krasner im Sommer in dem Haus auf Long Island, das sie mit Pollock in Springs, East Hampton, New York, teilte. Im Winter malt sie in einem Atelier in ihrer großen, lichtdurchfluteten Wohnung an Manhattans Upper East Side. Dort war es in ihrem Wohnzimmer, umgeben von Pflanzen, Muscheln, Steinen und ungewöhnlichen Jugendstil-Stücken, die viel mit den kreisenden organischen Formen ihrer Gemälde gemeinsam haben, wo ich mit ihr über ihre vierzigjährige Karriere als Künstlerin und ihre Erfahrungen, bitter und süß, als Ehefrau des Mannes sprach, der oft als Amerikas größter Maler gilt. Rose: War es schwer, in den dreißiger, vierziger und fünfziger Jahren eine Künstlerin zu sein? Krasner: Ich bekam nie sehr positive Reaktionen auf meine Arbeit. Als ich Hans Hofmann traf, sagte er: „Das ist so gut, man würde nicht wissen, dass es von einer Frau gemacht wurde“ – was bedeutete, dass das das höchste Kompliment war, das er mir machen konnte. Diese Haltung war immer da; vielleicht wird sie es noch lange sein. Sie ist so alt wie das Judenchristentum. Im westlichen Denken – nicht im östlichen – ist das Gottesbild ein männliches Konzept, und es gibt nicht viel Raum für das Weibliche. Das sind Tatsachen, die nicht zu leugnen sind. Ich war mir dessen schon früh bewusst, irgendwann, als ich an der Cooper Union studierte. Aber es traf mich nicht zu hart bis zur jüngsten Frauenbewegung. Jetzt gibt es einen Versuch, eine Reihe von Frauen auf die Bühne zu bringen. Für mich kommt es etwas spät. F: Dennoch haben Sie Pollocks Haltung gegenüber Ihrer Arbeit als sehr unterstützend beschrieben. Dass er bereit war, Vorkehrungen für Ihr Künstlertum zu treffen, muss wichtig gewesen sein. A: Ich weiß nicht, wie ich mich gefühlt hätte, wenn er gesagt hätte: „Ich will nicht, dass du malst“, oder es in irgendeiner Weise ausgelebt hätte. Die Frage stellte sich natürlich nie, aber es ist für mich unvorstellbar, dass ich aufgehört hätte zu malen. Wenn mein Mann es nicht gebilligt hätte, hätte ich nicht gemalt. Das Leben mit Pollock war nie ruhig – er war ein turbulenter Mann. Aber die Frage, ob ich malen sollte, kam nie auf. Ich versteckte meine Gemälde nicht in einem Schrank; sie hingen an der Wand neben seinen. Seit seinem Tod ist es eine Bürde geworden, „Mrs. Jackson Pollock“ zu sein – zumindest eine Bürde der Kunstwelt. Während er lebte, war es nie so.

F: Ich war überrascht zu hören, dass Pollock Geschirr spülen würde, wenn nötig. Das widerspricht dem Stereotyp von Pollock als dem zweifäustigen allamerikanischen Cowboy, der von männlichen Kritikern und Journalisten erfunden wurde.

A: Jackson hat immer gebacken. Wenn er Apfelkuchen wollte, backte er ihn. Ich wusste nicht, wie man backt. Normalerweise kochte ich, aber er kochte auch. Er erledigte auch andere Hausarbeiten. Vielleicht hätten wir, wenn wir mehr Geld gehabt hätten, Hilfe eingestellt. Aber wir hatten es nicht, also machten wir alles selbst und teilten die Arbeit.

F: Ist es seltsam, den Triumph der amerikanischen Malerei miterlebt zu haben (Irving Sandlers Titel für sein Buch über die New York School) – die Verzweiflung und den Kampf durchlebt zu haben und schließlich den Sieg und seine Belohnungen gesehen zu haben?

A: Ich denke, was passiert ist, ist ziemlich fantastisch. Wie verwandelte es sich so schnell in etwas so Fremdes? Was ist passiert? In den 50er Jahren gab es noch Vitalität und Wärme in der Kunstwelt – sie war lebendig und bedeutungsvoll. In den 60er Jahren weiß ich nicht, was passiert ist. Es ist nicht so lange her, dass Arshile Gorky keine Galerie hatte, de Kooning keine Galerie hatte. Wer hatte Galerien? Jetzt haben junge Künstler über Nacht ganze Museen. Ein Pilz kann nicht so schnell explodieren!

F: Sie waren unter den ersten Amerikanern, die die Größe von Picasso, Matisse und Mondrian verstanden, während Ihre Zeitgenossen noch die American Scene malten. Aber Sie schienen zu erkennen, was Mainstream war, was zählte, lange bevor andere es taten …

A: Nicht vor Gorky!

F: Wie fühlten Sie sich über die Art von Kunst, die das Whitney Museum in den 40er Jahren zeigte?

A: Ich fand es ziemlich deprimierend. Per Definition ist es das amerikanische Whitney. Und ich kann kein amerikanisches Etwas sein. Kunst ist Kunst, egal wo sie ist. Wenn sie in Paris passiert, erkennt man das an. Die letzte Auseinandersetzung, die ich zu diesem Thema hatte, war mit Mr. Clement Greenberg über den Begriff „amerikanische Malerei“. Er beleidigt mich. In dem Moment, in dem man einen Slogan hochhält, kann man alles in die Tüte stecken und der Slogan trägt es. Das ist langweilig und provinziell in Gedanken und Konzept und das Gegenteil von dem, was ich unter Kunst verstehe.

F: Fühlen Sie dasselbe über die neue feministische Bewegung? Vielleicht ist der Versuch, „feminine“ Themen zu isolieren, ebenso töricht wie die Isolierung von „amerikanischer“ Malerei.

A: Ich weiß nicht, was mit „femininen“ Themen gemeint ist, genauso wenig wie ich „maskuline“ Themen verstehe. Ich sympathisiere mit der Frauenbewegung, aber ich könnte niemals etwas unterstützen, das „amerikanische“ Kunst genannt wird.

F: Abgesehen von Mondrian, Picasso und Matisse, wer hat Sie am meisten beeinflusst?

A: Pollock, natürlich. Nachdem ich Pollock getroffen hatte, gab ich das Modell und das Stillleben auf. Ich begann mit einer leeren Leinwand und nichts vor mir. Beim Versuch, das kubistische Raster aufzubrechen, begann ich, die Leinwand mit Farbe zu bedecken, bis sich eine Anhäufung grauer Materie ergab. Das änderte sich erst, als ich nach der Reinigung des Hauses in Springs 1946 mit den Little Image-Gemälden begann. In Pollock spürte ich eine Kraft, die mich ebenso stark bewegte wie der Einfluss von Matisse oder Picasso.

In Pollocks Atelier in Springs mit einem Gast, 1953. Foto: Getty Images

F: Wann sind Sie und Pollock nach Long Island gezogen?

A: Im November 1945. Wir hatten im vorangegangenen Sommer mit einigen Freunden East Hampton besucht. Es war sehr schön, und wir hörten, dass die Mieten im Winter billig waren. Ich sagte: „Warum mieten wir nicht das Haus in der Eighth Street“ – wir wohnten damals in einem obersten Stockwerk, das an beiden Enden ein Atelier und dazwischen eine Wohnung hatte – „und nehmen etwas Leinwand und Bücher mit und probieren es auf dem Land aus für …“ „Warum verbringen wir nicht einen Winter dort?“ Jackson antwortete: „Bist du verrückt? New York verlassen?“ Ich dachte, ich muss verrückt sein. Ich hatte keine Ahnung, woher der Gedanke kam. Er hatte wahrscheinlich recht – die Stadt zu verlassen war verrückt. Aber Jackson hatte eine verzögerte Reaktion. Zwei oder drei Wochen später sagte er: „Wir gehen dorthin, kaufen ein Haus und geben New York auf.“ Da dachte ich, er hätte den Verstand verloren. Ein Haus kaufen mit was? Wir hatten vierzig Dollar zwischen uns. Am Ende kauften wir doch das Haus, in dem ich noch heute wohne. Die Scheune stand ursprünglich direkt hinter dem Haus. Wir versetzten sie, damit sie die Aussicht auf die Marschen nicht versperrte, und sie wurde Pollocks Atelier.

F: Und wo haben Sie gemalt?

A: Wir kamen während eines Nordoststurms in Springs an – was für ein Auftritt! Das Haus war vollgestopft mit den Habseligkeiten der Leute, die dort gelebt hatten. Es war eine raue Szene. Die Scheune war vollgestopft mit gusseisernen Farmgeräten. Also mussten wir alles ausräumen, bevor einer von uns arbeiten konnte. In der Zwischenzeit nahm Jackson eines der Schlafzimmer, um darin zu malen. Als wir schließlich die Scheune versetzten und ausräumten, begann Jackson dort zu malen und ich arbeitete im Schlafzimmer. Wir waren etwa zwei Jahre lang so beschäftigt damit, Tapeten abzureißen und den Inhalt des Hauses zu verbrennen, dass wir nicht viel Zeit für anderes hatten. Ich begann den Mosaiktisch zu machen, den Sie mögen, weil ich nicht arbeiten konnte.

F: Haben Sie die Arbeit des anderen betrachtet und Kritik geäußert?

A: Nur auf höfliche Einladung in die Ateliers des anderen. Ich nahm seine Einladungen immer an. Manchmal musste ich ihn dreimal einladen, in mein Atelier zu kommen, aber schließlich tat er es. Ich bewunderte immer, was ich in seinem Atelier sah; ich sagte nie: „Ändere diese Ecke“ oder „Schneide diesen Rand ab.“ Das letzte Mal, dass er in mein Atelier kam, war kurz bevor ich 1956 nach Europa aufbrach. (Es war meine erste Europareise.) Ich hatte gerade ein Gemälde mit dem Titel „Prophecy“ fertiggestellt. Er sagte: „Gut. Lass es in Ruhe. Außer diesem hier“, und er zeigte auf eine Stelle, wo ich mit dem Rücken des Pinsels in nasse Farbe eine Form wie ein Auge gekratzt hatte. Er riet mir, es zu entfernen. Ich fand es gut und ließ es drin.

Heute wählen viel mehr amerikanische Frauen Lee Krasners Lebensstil und Verpflichtungen; aber Pionierin zu sein erforderte eine besondere Art von Mut. So wie ihre Gemälde visionäre Aussagen sind, die mysteriöse Einblicke in das innere Leben einer Künstlerin bieten, so ist auch Lee Krasner eine visionäre und revolutionäre Persönlichkeit als Frau.

1965 kam der erste Durchbruch der Anerkennung für ihr Werk in einer von Bryan Robertson organisierten Retrospektive in der Whitechapel Gallery in London, einer der einflussreichsten öffentlichen Galerien Europas, eine Ausstellung, die in der englischen Presse weithin gelobt wurde. Es bleibt jedoch Amerika überlassen, anzuerkennen, dass Lee Krasners Werke dieselbe Ästhetik, denselben Inhalt, dieselbe Geschichte teilen und von derselben Qualität sind wie die ihrer männlichen Kollegen, der Maler der „ersten Generation“ New Yorks.

Vielleicht weil diese Maler sich selbst „heroisch“ nannten und weil wir als Volk langsamer darin sind, unsere Heldinnen zu ehren als unsere Helden, wurde diese Anerkennung unnötig verzögert. Aber in unserer ganzen Geschichte hatten wir mutige, selbstständige amerikanische Frauen, die auf unbekannten Wegen aufbrachen. Lee Krasner ist eine von ihnen.

Häufig gestellte Fragen
Hier ist eine Liste häufig gestellter Fragen zu From the Archives Lee Krasner a Great American Artist



Wer war Lee Krasner

Lee Krasner war eine bedeutende amerikanische Malerin und eine Schlüsselfigur des Abstrakten Expressionismus. Sie war auch mit dem berühmten Künstler Jackson Pollock verheiratet



Was bedeutet From the Archives in diesem Zusammenhang

Es bezieht sich auf eine Sammlung von Materialien wie Briefe, Fotografien, Notizbücher und frühe Skizzen, die einen Blick hinter die Kulissen des Lebens und des kreativen Prozesses der Künstlerin geben



Warum gilt Lee Krasner als eine große amerikanische Künstlerin

Sie half, den Abstrakten Expressionismus voranzutreiben, einen Stil, der die USA zu einem globalen Zentrum für moderne Kunst machte. Ihr Werk war kühn, innovativ und einflussreich für Generationen von Künstlern



Was für Kunst machte sie

Sie ist am besten für große, energiegeladene abstrakte Gemälde bekannt. Aber sie schuf auch Collagen, Kohlezeichnungen und sogar einige figurative Arbeiten früh in ihrer Karriere



Wurde sie nur berühmt, weil sie mit Jackson Pollock verheiratet war

Nein. Obwohl ihre Ehe mit Pollock sie mit der Kunstwelt verband, waren ihr Talent und ihre Beiträge für sich genommen bedeutend. Tatsächlich war sie eine angesehene Künstlerin, bevor sie ihn traf



Was ist Abstrakter Expressionismus

Es ist eine Kunstbewegung der 1940er und 1950er Jahre, die sich darauf konzentrierte, Emotionen durch abstrakte Formen, kühne Pinselstriche und großformatige Leinwände auszudrücken



Warum sind Archive wichtig, um eine Künstlerin wie Krasner zu verstehen

Archive zeigen, wie eine Künstlerin dachte, arbeitete und sich im Laufe der Zeit veränderte. Sie offenbaren Kämpfe, Durchbrüche und persönlichen Kontext, die fertige Gemälde allein nicht zeigen können



Was sind einige häufige Probleme beim Studium von Krasners Werk

Ihr Werk wurde oft vom Ruhm ihres Mannes überschattet. Außerdem gingen einige ihrer frühen Stücke verloren oder wurden falsch zugeschrieben. Zudem sind die Archivmaterialien schwer zugänglich, ohne bestimmte Museen oder Bibliotheken zu besuchen



Was kann ich aus ihren Archiven lernen

Sie können ihren kreativen Prozess sehen – von schnellen Skizzen bis zu fertigen Gemälden. Sie erfahren auch etwas über ihre Kämpfe als Künstlerin in einem männlich dominierten Feld



Wo kann ich Lee Krasners Archive finden

Bedeutende Sammlungen befinden sich im Pollock-Krasner House and Study Center in New York und in den Archives of American Art der Smithsonian