Le terme **pentimento** vient de l'italien **pentirsi**, qui signifie « se repentir ». Dans l'art, il désigne les traces subtiles d'une composition antérieure qui restent visibles après qu'un artiste a modifié ou recouvert une partie de son œuvre. Picasso a laissé des indices d'un visage féminin derrière la figure centrale de **Le Vieux Guitariste**, et John Singer Sargent a ajusté la bretelle de son célèbre portrait **Madame X** après que son positionnement d'origine — glissant le long du bras — ait suscité la controverse au Salon de Paris de 1884.

Pour l'artiste britannique Antonia Showering, cependant, le pentimento n'est pas qu'une simple correction occasionnelle — c'est un élément fondamental de son processus. Elle superpose des représentations floues et oniriques de personnes et de lieux, certains réels et d'autres imaginaires, les unes sur les autres. Les figures se fondent dans des paysages ; les lignes nettes se dissolvent. Parfois, elle recouvre toute la toile d'ocre ou de vert et recommence. Ces vestiges de choix antérieurs ne sont pas des erreurs — ils sont essentiels, ce qu'elle appelle « la preuve du parcours qui m'a menée à l'œuvre finale », comme elle l'a expliqué lors d'une récente conférence à la New York Studio School.

Les couches fantomatiques de son travail reflètent ses thèmes centraux : le temps et la mémoire. Les moments les plus intenses de la vie — joie, chagrin — s'estompent avec le temps mais ne disparaissent jamais complètement, tout comme les couches sous-jacentes de son art.

Ces trois dernières années ont été marquées par de tels moments pour Showering : la naissance de son enfant, une rupture, la perte de ses deux grands-mères et un déménagement de Londres à la campagne somersetienne. « Ce fut une période chargée émotionnellement, voir ma famille se transformer et chacun avancer dans le cycle de la vie », me confie-t-elle alors que nous sommes assises dans une pièce baignée de lumière à la galerie Timothy Taylor à Tribeca, où sa nouvelle exposition solo, **In Line**, ouvrira le 8 mai. Cette exposition — sa première aux États-Unis, sa première en tant que mère et la plus personnelle à ce jour — présente 13 peintures à l'huile créées durant cette période tumultueuse.

Dans **The Waiting Room (2025)**, évoquant l'œuvre d'Alice Neel, Showering peint une femme nue sur un lit, reliée à un bébé par un cordon ombilical. Le regard de la femme est baissé, son ventre encore rond. Le bébé — peut-être nouveau-né, ou peut-être un symbole des responsabilités parentales — est baigné d'un blanc pâle. Par une fenêtre, un groupe de silhouettes se tient au loin. « Je savais l'histoire que je voulais raconter », dit-elle. La peinture lui a permis de capturer une complexité émotionnelle que les mots ne pourraient jamais exprimer. « Le langage peut être trompeur — nous interprétons tous des mots abstraits comme **intimité** ou **inquiétude** différemment, selon nos propres expériences. »

Alors que **The Waiting Room** avait une vision claire dès le départ, d'autres œuvres se révèlent progressivement. Pour **5L (2024)**, elle a commencé par verser de la peinture à l'huile sur une toile posée à plat au sol. Une fois sèche et redressée, la peinture a pris des tournures inattendues. Peut-être ne s'agissait-il pas de parentalité, comme elle l'avait d'abord pensé. Peut-être que la forme au premier plan n'était pas une table, mais un lit. « Puis, à travers ce jeu imprévu, j'ai remarqué la même figure ici », dit-elle en montrant une sphère orange en haut qui reflète une silhouette orange en bas. « Totalement accidentel — comme une énergie, ou une âme qui s'échappe. » Sa grand-mère maternelle, une influence majeure qui enseignait l'histoire de l'art et assistait à toutes les expositions de Showering, était récemment décédée. « Peut-être était-ce inconscient, ou peut-être pas. La peinture à l'huile a une sorte de magie. »

Et la voilà donc, prise entre deux extrêmes : devenir une soignante et en perdre une. « Quand vous... »

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(Note : Le texte original contenait des éléments de formatage et des caractères spéciaux qui n'ont pas pu être parfaitement reproduits, mais le sens reste intact.)