Da bambina, l’artista brasiliana Sonia Gomes tagliava, strappava, attorcigliava, sovrapponeva, cuciva e decorava i suoi vestiti e gioielli, trasformandoli in opere d’arte indossabili. “Il mio corpo è stata la mia prima tela”, racconta Gomes, oggi 77enne, con i capelli tinti di un blu mirtillo punk-rock, mentre ci sediamo nel suo studio di San Paolo lo scorso gennaio. Al piano superiore dello studio, un appendiabiti ospita alcuni di questi capi scomposti. Con gioia, indica una maglietta gialla consumata, adorna di fili, perline e toppe di altri tessuti. Una cerniera lasciata aperta sotto lo scollo crea un’apertura giocosa—una delle poche che abbia mai apprezzato in un capo d’abbigliamento. “Sono sempre stata un’artista, anche se non avevo un nome per definirlo”, dice.

Lo stesso spirito ribelle permea le sculture di Gomes, che spaziano da forme bulbose sospese a gabbie di filo intrecciato che spuntano dal terreno o si aggrappano alle pareti. Le sue opere premiano l’osservazione attenta—qui un grappolo di paillettes o conchiglie, là un nodo di stoffa wax o un pizzo centenario. Ispirandosi alle tradizioni artigianali afro-brasiliane, lavora a mano tessuti per lo più trovati o donati. “Tutto ciò che ricevo, lo conservo”, dice. Ogni frammento porta con sé una storia. La memoria—personale e culturale—è per lei un materiale tanto quanto il cotone, la seta o la lana.

Gomes è una star in Brasile, un traguardo notevole se si considera che ha iniziato a dedicarsi all’arte a tempo pieno solo a 45 anni, lasciandosi alle spalle la carriera legale. “Sonia è una dea lì… una leggenda”, afferma il curatore ghanese-americano Larry Ossei-Mensah, che ha collaborato con lei in diversi progetti negli ultimi anni. Gomes ha esposto in musei di tutto il Brasile (nel 2018 ha avuto due mostre personali—una al Museu de Arte de São Paulo, l’altra al Museu de Arte Contemporânea di Niterói) e in prestigiose sedi internazionali come la Biennale di Venezia.

La sua ultima collaborazione con Ossei-Mensah, che sicuramente accrescerà la sua visibilità negli Stati Uniti, è una nuova commissione per lo Storm King Art Center di New York, in apertura il 7 maggio. Intitolata Sonia Gomes: Ó Abre Alas!, la mostra—co-curata da Ossei-Mensah e dalla direttrice esecutiva di Storm King Nora Lawrence—presenta 13 delle iconiche sculture sospese di Gomes, appese come lanterne a una quercia su Museum Hill, che Lawrence definisce il “cuore pulsante” del parco scultoreo di 500 acri. Gomes riempirà anche le gallerie del primo piano del museo al coperto con opere scultoree degli ultimi due decenni.

Ó Abre Alas! segna diverse prime volte: la prima mostra all’aperto di Gomes (e la sua prima personale in un museo statunitense), nonché la prima presentazione di un artista brasiliano a Storm King. L’ambientazione esterna ha posto nuove sfide—le sue sculture resisteranno al sole, alla pioggia e al vento da maggio a novembre. “Ho capito che avrei avuto bisogno di tessuti diversi da quelli che uso di solito”, dice. “È stata la prima volta che ho davvero dovuto uscire a comprare materiali”.

Il risultato è un affascinante mix di vecchio e nuovo, tonalità terrose e neon, che varia in scala dal maestoso all’intricato. Mentre Gomes ha scelto materiali resistenti alle intemperie come corde nautiche e reti in nylon da negozi di articoli outdoor, l’installazione non sarebbe sua senza gli eclettici abbellimenti della sua collezione personale—un vecchio lucchetto, una collana di cipree, una rete da pesca blu “donata tanto tempo fa”.

Vibrante e gioiosa, l’opera avrebbe potuto avere un titolo diverso. “All’inizio, pensavo di chiamarla Una sinfonia per la natura“, spiega Gomes, riferendosi alle sue precedenti opere sospese con “sinfonia” nel nome. “Ma quando è stata finita, ho capito che era molto più legata al Carnevale”.

Sonia Gomes, Ó Abre Alas (dettaglio), 2025
Foto: per gentile concessione dell’artista, Mendes Wood DM e Pace Gallery

Il titolo Ó Abre Alas—condiviso sia dall’opera esterna che dalla mostra più ampia (con solo un punto esclamativo a distinguere la presentazione al chiuso)—si riferisce al carro di apertura di una sfilata di Carnevale (tradotto approssimativamente come “Aprite le ali”) e alla canzone del 1899 Ó Abre Alas! della pionieristica compositrice brasiliana Chiquinha Gonzaga.

“Dall’esterno, il Carnevale può sembrare solo una grande festa”, dice Ossei-Mensah. “Ma per gli afro-brasiliani e altri nel Sud del mondo, è un atto di resistenza e celebrazione. Gomes vuole onorare quella storia culturale”.

Le sculture di Gomes, sebbene completamente astratte, hanno una qualità biomorfica. Ogni protuberanza annodata suggerisce un corpo o una parte del corpo, ricordando il lavoro di Senga Nengudi. Anche con corde al neon e paillettes sintetiche, le sue forme organiche conservano una morbidezza che contrasta con le sculture spesso pesanti e metalliche (e tradizionalmente maschili) che punteggiano il parco di Storm King.

Sebbene questa sia la sua prima installazione all’aperto, Gomes ha da sempre incorporato la natura nella sua pratica. “Questo progetto mette davvero in luce il suo legame con la terra”, nota Ossei-Mensah. Il legno, ad esempio, funge da tela per le sue creazioni dipinte e cucite.

È anche attratta da proporzioni naturali, come la sequenza di Fibonacci, che ha ispirato i 13 pendenti della sua opera per Storm King e i 34 di una straordinaria installazione del 2023 al museo Pinacoteca di San Paolo.

Per Gomes, collocare le sue opere all’aperto sembra appropriato—se non addirittura tardivo. “Non puoi esporre qui qualcosa che sia separato dall’ambiente, dagli alberi, dal verde, dal cielo”, osserva Lawrence.

Sonia Gomes, Senza titolo, dalla serie Raiz, 2017. Per gentile concessione dell’artista e Mendes Wood DM, San Paolo, Bruxelles, Parigi, New York.
Foto: EstudioEmObra

Sonia Gomes, Senzo titolo, 2017. Per gentile concessione dell’artista e Mendes Wood DM, San Paolo, Bruxelles, Parigi, New York.
Foto: EstudioEmObra

Nata nel 1948 a Caetanópolis, ex polo tessile nello stato brasiliano del Minas Gerais, Gomes è figlia di una madre nera e un padre bianco. Dopo la morte della madre a tre anni, è stata cresciuta dalla famiglia borghese del padre—un ambiente che descrive come privo di affetto e connessione con le sue radici africane. I suoi primi esperimenti con i vestiti come forma di auto-espressione divennero un’ancora di salvezza, un modo per rivendicare la sua identità.

Nonostante abbia frequentato la facoltà di giurisprudenza (una scelta pratica suggerita da altri), non ha mai smesso di creare. A 40 anni, esausta dal bilanciare i due mondi, ha lasciato la legge per studiare all’Università d’Arte Guignard di Belo Horizonte. “Lì ho trovato per la prima volta la libertà. Potevo fare qualsiasi cosa volessi”, ricorda Gomes. È stato anche il luogo in cui ha finalmente accettato di definirsi un’artista—un termine che un tempo riservava a chi sapeva disegnare.

Sebbene sicura della sua visione, il mondo dell’arte inizialmente ha bollato il suo lavoro come semplice “artigianato”, in parte a causa del suo mezzo e della sua identità di donna nera. Indomita, ha perseverato: “Non mi importavano le etichette—arte o artigianato. Continuavo semplicemente a creare”. Verso la metà degli anni ’90 e i primi 2000, ha iniziato a esporre in gallerie del Minas Gerais, e nel 2012 ha tenuto la sua prima personale con Mendes Wood DM, la galleria di San Paolo (ora con sedi globali) che la rappresenta ancora insieme a Pace.

Gomes vive a… Sonia Gomes ha fatto di San Paolo—una città di quasi 12 milioni di abitanti che descrive come “dove succede tutto”—la sua casa da circa un decennio. È qui che il direttore fondatore del Museu Afro Brasil, Emanoel Araújo, l’ha inclusa nella sua fondamentale mostra del 2013 “A Nova Mão Afro-Brasileira” (“La nuova mano afro-brasiliana”), segnando una svolta nella sua carriera.

Due anni dopo, Okwui Enwezor ha scelto Gomes per partecipare alla 56a Biennale di Venezia. L’onore l’ha lasciata sbalordita. “Ho sentito che era il massimo assoluto”, ricorda con un sorriso, alzando le mani. “Durante il volo di ritorno, ho pensato: ‘Può anche schiantarsi—non mi importa nemmeno!'”

Sebbene il suo lavoro sia apparso in mostre collettive in musei statunitensi e sia presente nelle collezioni del MoMA e del Guggenheim di New York (che attualmente espone un’altra artista brasiliana contemporanea, Beatriz Milhazes), la mostra di Storm King è la sua prima personale in un museo di questo paese. “Era importante portare il lavoro di un’artista donna affermata—una non molto conosciuta negli Stati Uniti—in un luogo come Storm King, dove i confini possono essere spinti”, dice Lawrence.

La sua installazione, Ó Abre Alas, si trasformerà dal mattino alla notte, da maggio a novembre. Alcuni tessuti potrebbero resistere, ma come un albero, cambieranno con le stagioni. È un esperimento durato tre anni. “Ciò che amo di Sonia è il suo entusiasmo per il rischio, per l’avventura di provare qualcosa di nuovo”, dice Ossei-Mensah. “Potrebbe riposare sugli allori, ma non è questo che la spinge”.

Gomes è entusiasta che più persone vedranno il suo lavoro al di fuori delle bianche pareti di una galleria. Non impone ciò che le sue sculture significano o come dovrebbero essere interpretate. “La mia unica preoccupazione è la bellezza dell’opera”, dice. Sebbene non sia apertamente politica o legata all’identità, porta inevitabilmente tracce di entrambe—perché è lei a crearla. Il rispetto che mostra per ogni materiale con cui lavora è radicale, specialmente per qualcuno nato in un luogo dove il lavoro tessile era spesso svolto da donne emarginate.

Definisce la sua pratica una necessità, qualcosa che è nel suo sangue fin dall’infanzia. Nel suo studio, mentre mangiamo pão de queijo appena fatto, le chiedo se esista per lei un giorno perfetto per fare arte. Come sarebbe? “Ogni giorno”, risponde. “Ho bisogno di fare arte per essere viva”.

“Sonia Gomes: Ó Abre Alas!” sarà visibile allo Storm King Art Center di New Windsor, New York, dal 7 maggio al 10 novembre 2025.